Release Tipp: Fågelle – Bränn min jord (Mein Land brennt) / Selfrelease

Fast zerbrochen, fast wunderschön – Fågelles „Bränn min jord“

Die schwedische Künstlerin Fågelle verbrachte drei Jahre damit, „Bränn min jord“ in den Wäldern, Gemeindesälen und bei Dorffesten im ländlichen Halland zu produzieren – das Ergebnis ist ein Album darüber, was Distanz offenbart und was die Rückkehr verlangt.
Im modernen Leben ist eine unausgesprochene Überzeugung verankert: Um Künstler zu werden, um überhaupt etwas zu werden, muss man das Land verlassen, das einen geprägt hat, das aber zu bescheiden erscheint, um den eigenen Ehrgeiz zu fassen. Die Stadt verspricht Erweiterung, und die Peripherie wird als Anfang dargestellt, als prägend, aber letztlich dazu bestimmt, entwachsen zu werden.
Für die schwedische Künstlerin Fågelle war diese Reise nie so einfach.
Aus der nordischen Experimentalmusikszene hervorgegangen, hat sie ein Werk geschaffen, das sich jeder Einengung widersetzt. Ihre Musik existiert in der Spannung zwischen Zerbrechlichkeit und Kraft, Struktur und Zusammenbruch, Klarheit und Verzerrung. Zarte Melodielinien entfalten sich zu gewaltigen orchestralen Schwellen, verzerrte Gitarren reiben an gebrochener Elektronik, und unbändige Percussion zerbricht unter leuchtendem, suchendem Gesang. Ihre Stimme wirkt zugleich intim und wild – sie schwebt an der Grenze zwischen Hymne und Heulen. All dies schafft eine Atmosphäre, die immersiv, texturreich und ritualistisch ist.
Mit ihrer Rückkehr in die südwestliche Küstenprovinz Halland in Schweden, die ländliche Region, in der sie aufgewachsen ist, verändert Fågelle sowohl ihre Methode als auch ihren Blickwinkel. Anstelle von Nostalgie oder Romantik bezeichnet sie diesen Schritt als Rückeroberung – eine bewusste Ablehnung der Vorstellung, dass kulturelle Relevanz nur den urbanen Zentren vorbehalten ist.
Ihr neues Album, Bränn min jord („Burn My Soil“), ist in einem Ort verwurzelt, ohne von ihm eingeschränkt zu sein. Feldaufnahmen aus Wäldern, Gemeindesälen und Jugendtreffs verflechten sich mit dem leisen Rauschen der Nachtluft, dem Bass eines vorbeifahrenden Autos, der den Rahmen zum Vibrieren bringt, und Holzböden, die unter den Schritten einer Tänzerin widerhallen.
Das Ergebnis ist eine Meditation über Zugehörigkeit und Perspektive – darüber, wie Identität durch Distanz geschärft wird, wie Zerstörung und Erneuerung nebeneinander existieren. Das Verbrennen der Erde ist kein Akt der Auslöschung, sondern der Vorbereitung.
In diesem Gespräch reflektiert Fågelle über den Mut, der nötig ist, um von vorgegebenen künstlerischen Pfaden abzuweichen, und über die Klarheit, die daraus entstehen kann. Das Album wird sowohl zu einer klanglichen Studie der Landschaft als auch zu einer tieferen Auseinandersetzung mit dem Zuhause, etwas, das bewusst in der Gegenwart gestaltet wird.

Arina Korenyu: Was hattest du das Gefühl, bei deiner Rückkehr nach Halland zurückgewinnen zu müssen?

Fågelle: Diese Dynamik gibt es an vielen Orten – die Spannung zwischen dem Land und den Städten. Ich hatte das Gefühl, ich müsse mein ländliches Zuhause verlassen, um etwas zu werden, um etwas aus meinem Leben zu machen.
Als ich nach Göteborg zog, wurde mir klar, dass viele Menschen glauben, das Land habe überhaupt keine Bedeutung.
Man kann anfangen, diese Überzeugung zu verinnerlichen. Damit habe ich mich auf diesem Album auseinandergesetzt. Was macht es mit einem, wenn die Orte und Menschen, die einen geprägt haben, von der Gesellschaft scheinbar abgetan werden? Ich weiß, dass vielen Menschen das Land wichtig ist, aber es hat nicht denselben Stellenwert. Es wird als peripher angesehen, als etwas Nebensächliches. Aber in meinem Leben steht es im Mittelpunkt.
Das ist der Konflikt. Zurückzukommen und die Gegend neu zu entdecken, neue Leute kennenzulernen und sie aus einer neuen Perspektive zu sehen, fühlte sich an, als hätte sich der Kreis geschlossen. Es war heilsam. Es fühlte sich ehrlich an, als würde ich mich auf das besinnen, wer ich bin, anstatt mich von meiner Herkunft zu distanzieren. Auf persönlicher Ebene war es sehr bedeutsam.

Arina: Gab es Widerstände oder Unbehagen dabei, an einen Ort zurückzukehren, von dem du einst wusstest, dass du ihn verlassen musstest?

Fågelle: Ich glaube, ich bin zum richtigen Zeitpunkt zurückgekommen. Ich hatte mir zuerst eine Grundlage geschaffen. Das brauchte ich, bevor ich zurückkehren konnte. Manchmal mache ich mir Sorgen, dass meine Rückkehr mich irrelevant machen könnte – und das ist Teil des größeren Problems. Warum sollte das so sein?
Es gibt hier eine großartige, etwas seltsame Gemeinschaft von Menschen, die Dinge erschaffen. Dennoch quält mich diese Angst. Aber ich möchte mutig sein, wie ich lebe und wie ich Musik mache. Wenn sich etwas für mich einzigartig richtig anfühlt, ist das die Richtung, der ich folgen sollte. Ich glaube, dass das zu den interessantesten und authentischsten Werken führt.

Arina: Wie hat sich deine Beziehung zu Halland verändert, seit du weggezogen bist?

Fågelle: Als ich dort lebte, fühlte ich mich nicht besonders verbunden damit. Ich glaube, das ist normal. Man wird von einem Ort geprägt, sieht das aber nicht, weil man ein Teil davon ist. Sobald man weggeht, beginnt man zu verstehen, wie tief er einen geprägt hat.
Ich stelle es mir wie ein Gummiband vor, das an meinen Wurzeln befestigt ist. Je weiter ich weggehe, desto stärker zieht es mich zurück. Wenn ich in Deutschland bin, fühle ich mich schwedischer. Als ich die USA besuchte, fühlte ich mich extrem europäisch. Man versteht sich selbst im Verhältnis zu anderen Orten.
Die Distanz hat mir eine neue Perspektive gegeben. Wenn man wegzieht, neigt man leicht dazu, zu verallgemeinern. Aber wenn ich zurückkomme, sehe ich, wie unterschiedlich die einzelnen Dörfer sind, jedes mit seiner eigenen Kultur und Geschichte. Nichts ist jemals nur eine Sache. Es ist leicht, aus der Ferne nostalgisch zu sein und an einer vereinfachten Version festzuhalten. Es ist interessanter, zurückzukehren und den Ort so zu erleben, wie er jetzt tatsächlich ist: komplex und verändert.
Arina: Wie lebt die Erinnerung für dich in dieser Gegend weiter – in Klängen, Texturen oder auf andere Weise?
Fågelle: Ein wichtiger Moment auf dem Album war die Aufnahme eines vorbeifahrenden Autos, aus dem ein Remix eines der Songs dröhnte. Ich fragte mich: „Wie klingt die Landschaft?“ Für mich ist sie meistens still. Dann ist da plötzlich dieses Auto – der Bass vibriert, das Metall klappert, während es vorbeifährt und in der Nacht verhallt.
Das fühlte sich wie eine perfekte Darstellung meiner Landschaft an: junge Menschen, die versuchen, etwas zu schaffen. Die Energie kann sich destruktiv anfühlen, aber sie muss irgendwohin fließen. Wenn nicht viel los ist, findet diese Energie ihre Form. Man hört sie in diesen Autos, die vor Musik vibrieren.
Es gibt auch Blaskapellen und Chöre, die seit Jahrzehnten in Kirchen und Gemeindesälen spielen. Sie sind Amateure, aber sie sind mit ganzem Herzen dabei. Schweden hat eine starke Chorkultur, und das liebe ich. Bei den Hymnen, die bei Schulkonzerten gesungen werden, geht es für mich nicht um Religion; es geht um die Räume, die Gebäude, das gemeinsame Erlebnis.
Ich habe auch viel Zeit in den Wäldern verbracht – dort aufgenommen und gesungen. Diese Verbindung ist mir sehr wichtig.

Arina: „Bränn min jord“ bezieht sich auf brennenden Boden, damit neues Leben wachsen kann. Welche persönlichen Umbrüche oder Veränderungen birgt diese Metapher für dich?

Fågelle: Die Stadt zu verlassen war ein großer Umbruch, der die Vorstellung von mir selbst als jemandem, der ein Stadtleben führt, verbrannt hat. Vielleicht werde ich wieder in einer Stadt leben. Trotzdem war es bedeutsam, diese Identität loszulassen.
Ich habe auch das Ende einiger wichtiger Beziehungen durchlebt. Ich habe auf einer sehr tiefen Ebene hinterfragt, wie ich bisher gelebt und gearbeitet habe. Ich habe versucht, zu etwas Wesentlichem zurückzukehren und gleichzeitig nach etwas völlig Neuem zu suchen, musikalisch und persönlich.

Arina: Wie koexistieren Zerstörung und Erneuerung in der Musik des Albums?

Fågelle: Es liegt Schönheit in Dingen, die auseinanderfallen, wie Gebäude am Rande des Einsturzes. Dieser fragile Moment zwischen zwei Zuständen fasziniert mich.
Musikalisch suche ich nach dieser Grenze: einem Beat, der fast zusammenbricht, einer Note, die fast zu Rauschen wird, einer Harmonie, die kurz davor steht, sich aufzulösen. Dieser fast zerbrochene Raum zieht mich an. Er ist für mich ein ständiger kreativer Nährboden.

Arina: Du hast eng mit Musikern, Tänzern und Einwohnern von Halland zusammengearbeitet. Wie hat die Einbindung der Gemeinschaft das Album verändert?

Fågelle: Man kann eine Vision haben, muss aber offen bleiben für das, was tatsächlich da ist. In Zusammenarbeit mit der Tänzerin Nathalie Ruiz haben wir in einem Gemeindesaal mit Holzböden aufgenommen. Ich habe den Raum aufgenommen, während sie sich zu frühen Entwürfen der Songs bewegte. Durch ihre Bewegung wurde sie wie eine Perkussionistin. Man konnte den Raum im Klang hören. Sie hat das Album tief inspiriert, und man kann sie auf „Innan malen hittat in“ und „Bränn min jord“ hören.
Petter Eriksson, der das Album mitproduziert und abgemischt hat, wurde zu einem unverzichtbaren Mitwirkenden. Wir haben sogar vierundzwanzig Stunden am Stück in einem Gemeinschaftsraum aufgenommen. Es fühlte sich fast spirituell an.
Im ländlichen Schweden gibt es nicht viele Treffpunkte – keine Kneipen- oder Café-Kultur. Also haben wir diesen Raum für einen ganzen Tag geöffnet und Leute zu Kaffee, Gesprächen und zum Hinterlassen von Nachrichten in einer „Zeitkapsel“ eingeladen. Das löste Diskussionen über die Vergangenheit, die Zukunft und darüber aus, was es bedeutet, dort zu leben.
So lernte ich Amanda Zoric Wikholm (Stimme auf „Stigen“) kennen. Sie erzählte von einem Waldweg in der Nähe ihres Zuhauses. Wenn es matschig wird, weisen Schilder darauf hin, den Weg nicht zu verlassen, aber manchmal muss man es tun, weil er unpassierbar ist. Sie sagte: „Vielleicht muss man den Weg verlassen, um den Weg nach Hause zu finden.“
Das ist mir im Gedächtnis geblieben. Als Künstler gibt es diese Vorstellung davon, wo man eigentlich sein sollte. Aber vielleicht ist es gerade das Beschreiten eines anderen Weges, das einen zurück zu sich selbst führt.
Ich habe auch Samuel Reitmaier alias DAYDREAMER kennengelernt, der einen wunderschönen EDM-Remix von „Det blev våra liv“ geschaffen hat. Einfach erstaunliche, unerwartete Menschen.

Arina: Fühlst du eine Verantwortung, wenn du mit regionalen Traditionen arbeitest, oder völlige Freiheit?

Fågelle: Ich komme nicht aus dem Folk-Bereich und würde nicht behaupten, innerhalb einer strengen Tradition zu arbeiten. Das würde sich falsch anfühlen. Es gibt hier keine starke, geschützte Folk-Tradition, die ich missachten könnte, daher fühle ich mich ziemlich frei.
Ich habe eine sehr alte lokale Melodie eingebaut, die ich bei Recherchen in Archiven gefunden habe. Sie ist obskur – nichts, was weithin bekannt wäre. In gewisser Weise ist es traurig, dass es nicht mehr Menschen gibt, die regionale Musik aktiv bewahren. Aber für mich bedeutet das Freiheit.

Arina: Wie hat sich das Aufnehmen an Orten wie Gemeindesälen, Wäldern und Jugendtreffs auf die Darbietungen ausgewirkt?

Fågelle: Sehr stark. Allein im Wald zu singen, nur beobachtet von Krähen, ist etwas ganz anderes als in einem Studio zu sein. Es ist technisch nicht immer einfach, den Klang einzufangen, und auf dem Album gibt es auch sauberes Studio-Audio. Es ist nicht rein konzeptionell.
Aber mit den Liedern an verschiedenen Orten zu leben, war entscheidend. Sie in Wälder, Säle und Außenbereiche zu bringen, hat verhindert, dass sich die Platte steril anfühlt. Jeder Raum hinterlässt eine Spur.

Arina: Was hat die Arbeit im Studio Folkhemmet in Unnaryd klanglich oder emotional bewirkt?

Fågelle: Es ist ein besonderer Ort tief im Wald, mit einem Studio aus aufgeschichteten Baumstämmen. Dort herrscht ein starkes Gemeinschaftsgefühl – Musiker, Umweltaktivisten und kreative Menschen teilen sich Küchen und Arbeitsräume.
Ich habe dort über mehrere Tage hinweg Klavier, Keyboards und Schlagzeug aufgenommen. Das hat mir geholfen, mich zu konzentrieren. Auch wenn diese Aufnahmen klar sind, hat der Raum einen leicht trockenen, holzigen, fast kirchenartigen Klang. Diese ruhige Atmosphäre hört man in der Musik.

Arina: Hat sich deine Definition von „Zuhause“ durch die Arbeit an diesem Album verändert?

Fågelle: Auf jeden Fall. Ein Ort ist nur ein Ort, bis man Verbindungen aufbaut. Die Arbeit an diesem Album hat mir geholfen, echte Beziehungen zu knüpfen. Ich habe mich an Leute in kleinen Facebook-Gruppen für das Dorf gewandt, Fragen gestellt und Gespräche begonnen. Ohne diesen Fokus hätte ich das nicht getan.
Bei „Zuhause“ geht es nicht darum, zu einer Teenager-Version der Realität zurückzukehren. Das würde mich nicht interessieren. Es geht darum, auf eine neue Art hier zu sein, getreu dem, wer ich jetzt bin.

Arina: Was hoffst du, dass die Hörer aus diesem Album mitnehmen?

Fågelle: Jeder wird etwas anderes mitnehmen. Die Sprache wird eine Rolle spielen. Aber ich hoffe, es fühlt sich aufregend und neu an, und dass die Hörer einen bestimmten Ort spüren – einen Geschmack oder Geruch davon.
Ich glaube, Menschen auf der ganzen Welt können nachempfinden, Orte zu lieben, die kulturell nicht wertgeschätzt werden. Ich hoffe, es bringt sie dazu, über ihre eigenen Wurzeln nachzudenken. Und ehrlich gesagt hoffe ich, dass sie die Musik einfach genießen.
Großstädte haben oft die Kraft, Kultur zu fördern. Ich möchte, dass die Musik die Menschen erreicht, aber selbst wenn das nicht in großem Umfang geschieht, ist das in Ordnung. Was mir wichtig ist, ist, etwas zu tun, das nur ich an diesem Ort tun kann. Ich könnte eine weitere Elektronikmusikerin in Berlin sein, oder ich könnte in meiner Heimatregion etwas Sinnvolles schaffen. Das fühlt sich wichtig an.
Arina: Was fühlt sich nach der Fertigstellung dieses Albums noch ungelöst an? Was glimmt noch unter der Oberfläche?
Fågelle: Es fühlt sich wie ein Anfang an. Es gibt bereits einen Dominoeffekt – neue Verbindungen, neue Projekte. Ich arbeite gerade mit Nathalie an einem Tanzstück über Stille und Bewegung.
Es wird noch viel mehr kommen. Das ist erst der Anfang.