Question 1

„Pressure Chords“ ist das erste gemeinsame Album des Komponisten und Interpreten John McCowen, des Posaunisten Weston Olencki und der Cellistin Lucy Railton. McCowens Komposition basiert auf der Spektralanalyse von Multiphonien der Kontrabassklarinette, und das Stimmungssystem entspricht dem Obertonspektrum von McCowens Instrument.

Accepted Answer

Die Trio-Adaption von „Pressure Chords“ präsentiert sich als Übung in Geduld und Intensität, die sich langsam zu einem ausdrucksstarken Finale steigert. Im Laufe der 34-minütigen Spielzeit weicht zurückhaltender Minimalismus allmählich einer maximalen klanglichen Wucht.

McCowen, Olencki und Railton standen erstmals gemeinsam bei einer improvisierten Session im Berliner KM28 auf der Bühne. McCowen erkannte, dass er zwei fähige Partner gefunden hatte, um Orchestrierungen seiner Werke für die Kontrabassklarinette zu schaffen. Olencki, der auch Feldaufnahmen zum Album beisteuert, hat in verschiedenen Genres und Traditionen gearbeitet, während Railton sich als Komponistin und Improvisatorin sowie als Interpretin von Musik in reiner Intonation einen Namen gemacht hat. „Weston und Lucy verfügen beide über immense Erfahrung im Aufführen und Komponieren von Musik außerhalb der gleichstufigen Stimmung, daher schien es eine perfekte Konstellation zu sein“, sagt McCowen.

Das Trio präsentierte „Pressure Chords“ erstmals 2023 live im Berliner Morphine Raum, bevor es im folgenden Jahr eine Studioversion mit Adam Asnan aufnahm. Die Aufnahme – gemischt und gemastert von Albert Finnbogasson in Reykjavík – fängt auf elegante Weise die vielschichtigen klanglichen und tonalen Qualitäten ein, die die Musiker so sorgfältig erforschen. Dadurch lädt ihre Darbietung nicht so sehr dazu ein, sondern erfordert geradezu eine tiefe

Question 2

„Real Fun“ ist das erste Album seit drei Jahren von Ned Milligan, dem Frontmann von Florabelle.
„Das Leben mit meinem Sohn macht wirklich Spaß.

Accepted Answer

Bei diesem Album habe ich mich bei meinen Bemühungen, Musik zu machen, die Momente der Anmut und Dankbarkeit dokumentiert oder hervorruft, stärker auf unsere gemeinsame Zeit konzentriert. Da ich dort Inspiration fand, wurde die Musik manchmal lebhafter, manchmal nachdenklicher. Sie ist durchweg reflektierend. Es gibt Momente auf diesem Album, in denen man uns buchstäblich beim Spielen hören kann, aber meistens versuche ich, das Gefühl musikalisch auszudrücken: ‚Ich bin so froh, dass wir das gerade jetzt gemeinsam tun.‘
Ein roter Faden des Kompositionsprozesses (und, ehrlich gesagt, meines Lebens) ist auch der Tod meiner Eltern – einer plötzlich, einer langsam, beide viel zu früh. Das Fehlen ihrer Perspektive und ihrer Führung prägt meinen Alltag und meine Beziehung zu meinem Sohn. Das ist in der Musik natürlich unvermeidlich präsent, aber diese Präsenz ist auch eine Art Opfergabe.
Mir wurde schon früh klar, dass ein so persönliches Album eigentlich Zusammenarbeit erforderte; dass M. Sage, Lake Mary und Zander Raymond sich alle bereit erklärten, einen Beitrag zu leisten, hat mich wirklich beflügelt. Obendrein stammt Track fünf tatsächlich komplett von andrew cs – eine interludiale „Postkarte“ von jemandem, dessen Arbeit ich so sehr bewundere.Danke fürs Zuhören, und ich hoffe, ihr hört die Freude in diesem Album.“

Question 3

Der in Montréal lebende Klangkünstler Steve Bates erweitert auf „An Infinite Antenna“, seinem zweiten Soloalbum für Constellation, seine Strategien und stilistischen Einflüsse und lässt melodischen Elementen sowie strukturellen Dynamiken mehr Freiraum: Unkonventionelle Synthesizer-Klänge, dekonstruierte Drum-Machine-Sounds, pointillistische E-Gitarrenklänge und radiostatische Unschärfen sind Teil des neuen Mixes, der sich um seine bruitistische Signalverzerrung und seine Sensibilität für Feldaufnahmen rankt.

Accepted Answer

„An Infinite Antenna“ ist wohl ein eher ambientlastiges Album als sein gefeiertes Constellation-Debüt aus dem Jahr 2022, gleichzeitig aber auch dichter gepackt mit Ideen, Dynamik, Assoziationen und Ohrwürmern.

Bates, der aus der Anarcho-Punk-Szene der kanadischen Prärien der 1990er Jahre stammt, gründete 1998 das experimentelle Klangfestival „Send + Receive“ in Winnipeg, bevor er nach Montréal zog, um dort als Soundkoordinator bei Hexagram (Concordia University) zu arbeiten und sich weiter mit Klangforschung und -theorie, bandbasierter Komposition und Installationsarbeit zu beschäftigen. Neben der kuratorischen Arbeit für sein eigenes Klangkunstlabel „The Dim Coast“ veröffentlichte Bates mehrere Solo- und Kollaborationsalben bei ORAL_records, die schließlich zu „All The Things That Happen“ führten – seinem 2022 bei Constellation erschienenen Debüt, das von Boomkat für seine „raue, schillernde Ambient-Woge, die maximalistische Panoramen erzeugt“ und von Backseat Mafia als „außergewöhnliche Klanglandschaften aus instabiler, zerstörerischer Kakophonie und zarter Ruhe, Echos der Bedrohung durch Macht“ gelobt wurde. Während dieses Album lauter und zielstrebiger war und unter der selbst auferlegten Beschränkung eines Casio SK-1 entstand, spielt Bates auf „An Infinite Antenna“ vielfältiger mit Instrumentierung und Stimmungen und greift dabei auch auf seine Post-Hardcore-Wurzeln zurück, um eine Art Prägnanz von Titel zu Titel zu erreichen, die dennoch von der Kohärenz des Albums als nahtloses Gesamtwerk getragen wird. „Ich habe versucht, Längen festzulegen, die ich mit Punk assoziiere, anstatt der längeren, ausufernden Musik aus eher ambienten Stilrichtungen (die ich sehr liebe), und obwohl ich es nicht ganz auf Minutemen-Längen reduzieren konnte, hatte ich diese Reduktion auf wesentliche Elemente wie eine Art Flüstern im Nacken.“

Unter Einbeziehung von Aufnahmen, die im Zeitraum von 2023 bis 2025 entstanden sind – unter anderem bei Künstlerresidenzen und Besuchen ortsspezifischer Klanginstallationen in Bosnien und Herzegowina (das Coverfoto des Albums wurde in Sarajevo aufgenommen), Österreich, Griechenland und Saskatchewan –, verbindet „An Infinite Antenna“ Bates’ „Vorstellung vom langsamen Durchscannen eines Radiofrequenzbandes“ mit einer Klangwelt aus wiederkehrenden klangfarblichen und strukturellen Bezugspunkten, die ein integriertes Ganzes bilden. Die 12 Titel des Albums funktionieren sowohl als eigenständige Stücke – reich an wechselnden Unterströmungen, verborgenen Melodien und stockender Dynamik – als auch als zusammenhängender Fluss, in dem die kurzen Pausen zwischen den Titeln wie kurze Atempausen wirken, um die nächste Seite in einem Skizzenbuch mit perspektivischen Studien eines weitläufigen, aber einzigartigen Tableaus umzublättern. Der schimmernde, atonale Synth-Expressionismus des Openers „Pink pink pink pink…pink pink“ gleitet sanft in eine versunkene Atmosphäre, die durch das rauschende Grollen und die statischen Störungen von „Green as a ghost“ verdunkelt wird, das in seinem Ausklang gebrochene Beats und Klavierakkorde einführt. Tracks wie „Battles and sieges and street trees“ und „Easier sad than done“ bauen auf den Grundlagen tieffrequenter Resonanzen aus Feldaufnahmen auf, sind jedoch mit reizvollen melodischen Tropfen aus bearbeiteter Gitarre und Synthesizer durchsetzt. „Waste, songs of the world“ und „Disaster loans“ gehören zu den deutlichsten stilistischen Verweisen des Albums auf den Post-Hardcore, mit verzerrtem Ambient-Bass und sanft abrasiven Drum-Samples. Der Schluss-Track „Swamps and factories“, das längste Stück des Albums, erinnert mit seinem anhaltenden, dissonanten, schimmernden Drone vielleicht am meisten an Bates’ vorheriges Album, doch der Weg, den „An Infinite Antenna“ dorthin zurücklegt, zeigt Bates von seiner dynamischsten, vielfältigsten, unverwechselbarsten und fesselndsten Seite. Danke fürs Zuhören.

Question 4

Courant Zéro ist der neue Künstlername des Multimedia-Installationskünstlers aus Montréal und Mitbegründers des Labels Kohlenstoff, Maxime Corbeil-Perron, und signalisiert seine Rückkehr zur rein auf Aufnahmen basierenden elektronischen Musikproduktion, nachdem er sich mehrere Jahre lang auf preisgekrönte experimentelle Film- und audiovisuelle Werke konzentriert hatte.

Accepted Answer

Solari lässt seine filmische Sensibilität und seine jahrzehntelange Auseinandersetzung mit Klangkunst und elektroakustischem Kontrapunkt in tiefgründige Stücke maximalistischer Ambient-Elektronik einfließen. Ausgehend von seinem frühen Hintergrund als Pianist und Jazz-Schlagzeuger webt Corbeil-Perron mit seiner einzigartigen Klangpalette ein Geflecht aus melodischen und rhythmischen Vektoren, das moderne Komposition, IDM, Ambient, Glitch und Noise auf einem Debütalbum miteinander verknüpft, das vor klanglichen Details und emotionaler Resonanz nur so strotzt.

Seit den frühen 2010er Jahren ist Corbeil-Perron als Schöpfer und Kurator aus der Klangkunstszene von Montréal nicht mehr wegzudenken. Sein Schaffen reicht von einem „hypnotischen A/V-Ansturm“ (FACT Magazine) bis hin zur „nuancenreichen akusmatischen Reise“ seiner 2018 erschienenen EP „Polychrome“ (Bandcamp „Best Contemporary Classical Of The Month“), wobei frühere elektronische und techno-nahe Projekte wie „Political Ritual“, „Dresden“ und „Le poisson d’argent“ unter anderem von Avantgarde-Musikportalen wie „A Closer Listen“, „Silence and Sound“ und „Musicworks“ gelobt wurden. Courant Zéro nutzt diesen gesammelten Reichtum an experimentellen Klangerfahrungen für unverwechselbare kompositorische Strukturen und elektronische Musikwege, die Fans von Jan Jelinek, Floating Points, Squarepusher, Tim Hecker und Oneohtrix Point Never fesseln dürften.

Der Titeltrack „Solari“ eröffnet das Album mit einer höhlenartigen Ambient-Glitch-Drone-Klanglandschaft, die sich um die sich ständig wandelnden Klangfarben modularer Arpeggios legt und als Einleitung zum Fanfarenruf von „En deçà du reel“ dient – einer Hommage an die Videokünstlerin Manon Labrecque, in der sich Schichten aus ineinander verwobenen melodischen Kontrapunkten, gespielt auf Buchla und anderen Synthesizern, langsam zu einer immersiven Intensität im Breitbildformat aufbauen; „Ich habe diese Vision von ihr, wie sie ewig zwischen zwei Bildern eines magnetischen VHS-Bands schwebt … Das langsame Tempo des Stücks ist zudem von Tarkovskys Herangehensweise an die Szenografie inspiriert“, sagt Corbeil-Perron. „Strange Aorta“ ist ektoplasmischer Ambient mit wehmütigen Melodielinien, die sich entlang eines zentralen Fadens wandeln, umspült von wechselnden Wellen tiefer Frequenzen und abprallenden tonalen Glitches; der Titel ist ein Verweis auf „den pochenden Rhythmus, der um die Hauptmelodie herum schlägt … und die schweren Nachwirkungen der Trauer im Zusammenhang mit dem Tod meines Vaters und einer brutalen Konfrontation mit meiner eigenen Sterblichkeit vor einigen Jahren.“ Stücke wie „La peau des dents“ und „Eroding Us“ sind stärker in der elektroakustischen und aleatorischen Systemmusik verwurzelt, in der aufeinanderprallende Loops zu instabilen Strömungen aus dekonstruiertem Verrutschen und Wiederzusammenfließen geformt werden. Diese beiden Stücke umrahmen den zentralen Kern des Albums: die wunderschöne Piano-Digitalia von „Horizon n’arrête“ und die flirrende Electronica des 9-minütigen Opus „Unyeldd“, dessen hüpfender Broken Beat und kaskadenartiger melodischer Glanz wie ein Cluster von Aufziehspieluhren in einem lichtdurchfluteten Wald wirken – und für Corbeil-Perron auch teilweise von den mittlerweile ebenfalls bei Constellation unter Vertrag stehenden Do Make Say Think inspiriert: „Ich habe viel Zeit damit verbracht, ihre Alben wiederzuentdecken, nachdem ich sie letzten September [2024] live gesehen hatte, was dieses Stück definitiv beeinflusst hat.“

Das Debüt von Courant Zéro ist ein lebendiges klangliches Rätsel an der Schnittstelle von elektronischer, elektroakustischer, Noise- und Ambient-Musik, das sich einer einfachen Kategorisierung entzieht. „Solari“ schafft eine fesselnde Balance zwischen beunruhigender Desorientierung und einladender Wärme und strotzt durchweg vor echtem Gefühl. Das Gemälde „Cryptography I“ von Yen-Chao Lin auf dem Albumcover verkörpert diese vorherrschende Sensibilität: Die labyrinthartigen Schaltkreise sind klar ausgearbeitet und prägnant dargestellt, während sie zugleich mit handgefertigten Details und handwerklicher Patina verziert sind. Vielen Dank fürs Zuhören.

Question 5

Der Nachfolger von „HEART MURMUR“ (2019) entstand aus der Arbeit des Komponisten Kai Niggemann am Soundtrack für die Performance „Denkraum der Utopien. Eine Performance der Wissenschaften“, einem Werk, das sich mit dem Klimawandel auseinandersetzt und das Publikum zum Handeln aufruft.

Accepted Answer

Die Musik entstand zwischen November 2020 und April 2021; ein Großteil davon nahm während des Lockdowns in Brandenburg Gestalt an, wo Niggemann mit einem minimalistischen Studio arbeitete: einem modularen Buchla-200e-System, einer Gitarre, einem Laptop, kleinen Lautsprechern, einem Audio-Interface und einem kompakten Eurorack-Synthesizer für die Granularbearbeitung.

Seine Methode war von ständiger Transformation geprägt – Aufnahmen von Instrumenten, Radio und Umgebungsgeräuschen wurden übereinandergelegt, gefiltert und neu synthetisiert, bis sich ihre Ursprünge in neuen Klangtexturen auflösten. Ursprünglich als Begleitung für drei Wissenschaftler auf der Bühne komponiert, untermalte die Musik auch abstrakte Choreografien wie das Bewegungsstück „We move when they move“.

Die erste Aufführung, die während des Lockdowns gestreamt wurde, fand ausschließlich digital statt. Doch im Juli 2021, als die Theater wieder öffneten, entwickelte sich das Stück zu einer vollständigen Performance. Auf dem Höhepunkt verließ das Publikum das Theater, um sich einer angemeldeten Straßenkundgebung von „Fridays For Future“ anzuschließen.

„Climate and Violence“ ist die bleibende klangliche Spur dieses Prozesses: eine Aufzeichnung von Experimentieren, Widerstand und Dringlichkeit. In seinen wechselnden Schichten fängt Niggemann den prekären Moment ein, in dem Klima, Politik und Synthese zusammenlaufen. Jetzt sind Sie an der Reihe, zuzuhören!