Gedanken von Juliane Venter ...<br>Trotz der Gräueltaten der Apartheid strahlt Südafrika eine Freiheit und eine Verbundenheit mit der Natur aus, die der größte Teil Europas längst verloren hat. Ich habe den größten Teil der letzten 25 Jahre damit verbracht, die Musik der Welt zu erkunden, und dadurch versucht, Menschen aus vielen verschiedenen Kulturen zu verstehen und eine Verbindung zu ihnen aufzubauen.

Meine Stimme hat mich dazu gebracht, zu reisen und das Leben eines Einwanderers zu führen. Das bedeutet manchmal, es zu ertragen, gesichtslos und stimmlos zu sein und von dem Gefühl erfüllt zu sein, nicht dazuzugehören – und im schlimmsten Fall, dass man tatsächlich nicht willkommen ist und als minderwertig angesehen wird. Diese Erfahrung hat mich dazu gebracht, zu hinterfragen, was Heimat wirklich ist, was es bedeutet, nach Hause zu gehen, zu Hause zu sein, das Gefühl zu haben, an einem Ort zu sein, den man so gut kennt, dass man sich sicher fühlt. In Europa fühlte ich mich kaum sicher – wie sollte das auch gehen, wo doch alles kontrolliert wird und die Menschen selten lächeln? Oder vielleicht ist es nur meine Wahrnehmung, meine fremde Andersartigkeit, die mich das so wahrnehmen ließ. Als ich 2011 nach Johannesburg zurückkehrte, fand ich mich nicht mehr zurecht; die Stadt war kaum wiederzuerkennen. Das Zuhause, das ich so gut kannte, war nicht mehr da; es hatte einen tiefgreifenden Wandel durchlaufen. Was geblieben war, waren die Gerüche, das Licht, die Gewitter, die Tiere, die Wildnis, die seltsamen und schönen Sprachen und die Herzlichkeit der Menschen – genau wie die Temperatur lädt sie einen ein und umarmt einen. Hinzu kommt der einzigartige Klang der Karoo und Namibias, die beide ihre eigene stille Musik haben. Und unser weiter Sternenhimmel, ein endloser, wandernder Traum. Oft hat man das Gefühl, ein Dinosaurier könnte plötzlich hinter einem Busch herverstürmen. Alles schreit nach uralter, uralter Natur! Ich hatte das Glück, diese uralte Natur in der Musik und den Menschen einiger Kulturen zu finden, denen ich auf meiner Reise um die Welt begegnet bin – in China, Japan, Georgien im Kaukasus, Armenien, der Türkei, Griechenland, Norwegen, Osteuropa, im Libanon, in Marokko und Tansania. Und schließlich in den uralten Instrumenten Südafrikas. Auf diesem Album hört ihr einen Teil meiner Lebensreise durch viele dieser Kulturen. Ich fühle mich mit ihnen allen verbunden. Ich liebe sie so, wie ich Elefanten und Fynbos (in Südafrika heimische Pflanzen) liebe. Es ist mein Blut und meine Luft und der Sinn meiner Existenz. Es wurde für mich weniger wichtig, einer bestimmten Gesellschaft anzugehören, sondern wichtiger, die Musik der Welt in mir zu tragen. Ihr werdet viele Sprachen hören, manche echt, andere erfunden.

Im Dezember 2023, als sich der Völkermord in Gaza abspielte, traf die griechisch-orthodoxe Geburtskirche in Bethlehem die beispiellose Entscheidung, alle Weihnachtsfeierlichkeiten abzusagen.<br>

Im Auftrag des in Bethlehem ansässigen Kunstzentrums „The Wonder Cabinet“ und von Radio alHara als Reaktion auf diese Ereignisse bringt das Projekt „BETHLEHEM“ die Beiruter Musiker Sary Moussa und Abed Kobeissy mit Lawrence Sammour zusammen, der seit 1970 Chorleiter der Geburtskirche ist. Ihre erste Zusammenarbeit war ein aus der Ferne aufgenommenes Werk, das an Heiligabend 2023 anstelle der traditionellen kirchlichen Feierlichkeiten auf Radio alHara ausgestrahlt und zwei Tage später von Dutzenden Radiosendern weltweit wiederholt wurde, darunter NTS, Refuge Worldwide und LYL Radio. Aufgebaut um Sammours Stimme und traditionelle liturgische Hymnen aus der griechisch-orthodoxen Tradition, die auf Arabisch gesungen werden, entfaltet sich „BETHLEHEM“ durch Buzuq, Elektronik und Drone. Moussa und Kobeissy stellen Sammours Gesang in den Mittelpunkt des Werks; dessen andächtiger und historischer Charakter behält seine volle Präsenz, während er in einen Dialog mit einer zurückhaltenden elektroakustischen Sprache tritt und ausgedehnte instrumentale Passagen sowie Klangtexturen zulässt, die aus dem vokalen Ausgangsmaterial hervorgehen. Die Zusammenarbeit selbst wurde zunächst durch Trennung geprägt – sie entstand aus Fernaufnahmen und Gesprächen zu einer Zeit, als Reisen zwischen den Künstlern unmöglich waren. Sammour nahm im Studio von Radio alHara in Bethlehem eine Reihe von A-cappella-Hymnen auf; Moussa und Kobeissy komponierten und nahmen daraufhin in Beirut Instrumentalstücke dazu auf. Das Ergebnis ist ein einzigartig kraftvolles zeitgenössisches Musikwerk und ein Zeugnis des künstlerischen Austauschs über Grenzen hinweg, die nach wie vor gewaltsam auferlegt sind.

TANGEN, NORWEGEN — Eine ungeschliffene Studio-Session in Tangen brachte ein kühnes neues klangliches Experiment hervor, das weit außerhalb der Grenzen des institutionellen Hypes ins Leben gerufen wurde ...

Im Sommer 2025 umging Frode Gjerstad, der 78-jährige Architekt des europäischen Free Jazz, traditionelle Strukturen, um eine brisante neue Hypothese zu testen: eine asymmetrische Trio-Architektur, die zwei E-Gitarren und ein einziges Saxophon als Klangwaffen einsetzt. Um diese klangliche Reibung zu manifestieren, holte er zwei markante Kräfte aus der zeitgenössischen norwegischen Underground-Szene mit ins Boot: den Avant-Jazz-Gitarristen Karl Bjorå (Signe Emmeluths „Amoeba“) und den Noise-Rock-Gitarristen Håvard Skaset (MoE). Das daraus entstandene Kollektiv heißt „Evangelium“. Für den Hörer dieser Platte widersetzt sich das Album den Erwartungen an freie Musik, indem es eine Reihe kürzerer, kraftvoller, melodiöser Stücke liefert, anstatt der üblichen langen Improvisationen. Bei einem Treffen in Skasets neu eingerichteten Studio stürzten sich die drei Musiker in eine konzentrierte klangliche Kollision. Keine Proben, keine Sicherheitsnetze – was man hört, ist genau das, was sie in dem Moment spielten, als sie sich zum ersten Mal trafen. Nach einer kurzen Pause mit Pizza und einem Getränk war das Album fertig – ein Beweis für Gjerstads lebenslange Intuition, flüchtige musikalische Chemie in prägnanten, fokussierten Ausbrüchen einzufangen. Gjerstad nimmt innerhalb der Soziologie der norwegischen kreativen Musik eine einzigartige, äußerst unabhängige Position ein. Seit den 1970er Jahren ununterbrochen aktiv, hat er in seiner Praxis bewusst auf Mainstream-Auszeichnungen, Fördergelder und konventionelle Talentkategorisierungen verzichtet, wie sie im heutigen Jazz üblich sind. Geleitet von einem unerbittlichen Fluss kinetischer Energie hat ihn sein Bekenntnis zu völliger kreativer Autonomie auch dazu getrieben, ein leidenschaftlicher, lebenslanger Toningenieur und Mixer zu werden. Bei diesem Projekt trugen sein jahrzehntelanges fundiertes Klangwissen und seine Studio-Anleitung dazu bei, die rohe, kompromisslose Klangtreue der Darbietung zu formen, die in Skasets Studio aufgenommen und abgemischt wurde. Während Gjerstads umfangreicher Lebenslauf Kooperationen mit globalen Größen der freien Musik umfasst, durchbricht „Evangelium“ etablierte Netzwerke. Gjerstad war zuvor bereits mit beiden Musikern unabhängig voneinander aufgetreten – er arbeitete mit Bjorå gemeinsam mit dem dänischen Perkussionisten Kresten Osgood zusammen und engagierte Skaset im Rahmen des historischen Projekts „Circulasione Totale“. Bjorå und Skaset hatten jedoch zuvor noch nie denselben physischen oder musikalischen Raum geteilt. „Evangelium“ fungiert als Brücke zwischen historischen Free-Jazz-Traditionen und der schweren, kantigen Rauheit des zeitgenössischen Post-Rock und der Noise-Art. Die Hörer erwartet ein Album, das die latenten Spannungen und dichten Feedback-Möglichkeiten auslotet, die für eine Besetzung mit zwei Gitarren einzigartig sind. Das Gitarrenspiel greift ein breites Spektrum ikonischer Bezugspunkte auf und verweist direkt auf die klanglichen Traditionen von Jimi Hendrix, Allan Holdsworth, Fred Frith, Derek Bailey, Sonny Sharrock und Nels Cline. Durch diese aufeinanderprallenden Einflüsse definiert „Evangelium“ die Parameter des modernen Improvisationsensembles mittels prägnanter, in mundgerechten Häppchen servierter Kompositionen völlig neu.

„Air Pressure“ umfasst Feldaufnahmen aus der Ostantarktis, die die Auswirkungen extremer Klima- und Wetterbedingungen auf verschiedene Forschungsstationen und Feldhütten sowie die dazugehörige Infrastruktur verdeutlichen.

Diese Aufnahmen dienen als Grundlage für eine Reihe improvisierter musikalischer Reaktionen, bei denen Perkussionsinstrumente und selbst entworfene Saiteninstrumente in Kombination mit erweiterten Spieltechniken zum Einsatz kommen, um die Klänge von Materialien, Instrumenten und Umgebung miteinander zu verweben. „Air Pressure“ spiegelt die Instabilität der Südpolregion wider, die durch dynamisches Wetter gekennzeichnet ist, das ein breites Spektrum an Hörerlebnissen erzeugt – von stillstehender Stille bis hin zu scharfen klanglichen Kontrasten. Diese wechselhaften Bedingungen spiegeln sich in taktilen Instrumentaldarbietungen wider, die auf die Muster, Resonanzen, Brüche und das Chaos reagieren, die der antarktischen Landschaft und ihren bebauten Räumen innewohnen. „Air Pressure“ zelebriert im Rahmen zeitgenössischer haptischer Performance die unbestimmten Kräfte und seltsamen atmosphärischen Phänomene, die an den Rändern unseres Planeten wirken. Die aus diesen Spannungen entstehende Dissonanz lädt die Zuhörer dazu ein, eine einzigartige Form der sinnlichen Auseinandersetzung zu erleben, die sowohl von greifbaren als auch von spektralen Realitäten geprägt ist. Dieses Projekt unterstreicht somit das komplexe Zusammenspiel zwischen mächtigen Naturkräften und von Menschen geschaffenen Strukturen und Objekten in einer der rauesten Umgebungen der Welt.

Eine Anmerkung von Peter...<br>Eines der Dinge, die ich an improvisierter Musik liebe, ist, dass sie einen – ohne dass man viel über den anderen weiß – fast augenblicklich tief in eine Beziehung und in eine intensive Form der Kommunikation hineinführen kann. Sie kann einen Raum der Verletzlichkeit, der Aggression, der Intimität und der Begeisterung eröffnen. Vielschichtig und unendlich komplex.

Und manchmal sind erste Begegnungen am aufregendsten, weil man unmöglich wissen kann, was dabei entstehen wird. Unmöglich zu wissen, was die Musik dir über dich selbst, über diesen Moment, den physischen Raum, in dem du dich befindest, und über die Person gegenüber, mit der du musikalische Ideen austauschst, offenbaren wird. So wie die Feder beim Fallen ihre Beziehung zur Luft nachzeichnet, von einer Seite zur anderen schwankt und von unsichtbaren Fingern gelenkt wird, so drückt auch der improvisierte musikalische Moment einen Subtext aus. Die hier vorgestellten Stücke entstanden aus einer unprobenen, unskripteten, zweieinhalbstündigen Session, die im Athener Keller von JAM Pedals (dem Unternehmen, das Jannis gegründet hat und leitet) aufgenommen wurde. Seitdem wurde sie zu diesem 32-minütigen Ausdruck dieser Begegnung destilliert. Dateiaustausch über Zeitzonen hinweg, Überlagerungen, Bearbeitung, Verfeinerung – der improvisierte Moment wird zu etwas anderem. Das Lernen geht weiter.

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