Best of 2025: A Closer Listen- Label of the Year: Subtext

Herzlichen Glückwunsch, James! Das letzte Jahr war ein bedeutendes Jahr für Subtext, da es sein 20-jähriges Jubiläum feierte. In diesem Jahr veröffentlichte das Label unserer Meinung nach seine bisher beste Jahresauswahl.

Wir beginnen mit den offensichtlichen Fragen. Bevor Sie Subtext mitbegründet haben, haben Sie Multiverse geleitet und als emptyset Musik aufgenommen. Was hat Sie dazu inspiriert, das Label zu gründen, und wie sind Sie auf die Namen Subtext Recordings und emptyset gekommen? (Außerdem Hut ab dafür, dass Sie den Namen „Multiverse” verwendet haben, bevor er groß rauskam!)

Ich habe Multiverse 2004 mit ein paar Freunden von der Universität Bristol gegründet, darunter Robert Ellis alias Pinch. Ich hatte gerade mein Studium abgeschlossen und überlegte, wie ich in Großbritannien bleiben könnte, da ich einen amerikanischen Pass hatte. Meine Mutter ist Schottin, aber zu diesem Zeitpunkt konnte nur mein Vater die Staatsbürgerschaft weitergeben. Wie es der Zufall so wollte, gab es ein befristetes Visum für den Aufenthalt in Großbritannien, das „Innovators Visa”, mit dem die Regierung von Tony Blair hoffte, mehr Unternehmen aus dem Bereich des geistigen Eigentums nach Großbritannien zu holen. Aus mir unverständlichen Gründen nutzten sie mich als Testfall für das Visum und verfehlten dabei das Verständnis dafür, welche Unternehmen für geistiges Eigentum sie mit diesem Visum anziehen wollten (wahrscheinlich Patente im Bereich Medizintechnik und ähnliches). So ermöglichten sie mir, mit 23 Jahren in meiner Wohnung ein Musikunternehmen zu gründen, obwohl ich keine Ahnung hatte, was ich da tat. Das Ideale an diesem Visum war, dass man kein Geld in das Unternehmen investieren musste, um es zu erhalten, im Gegensatz zu einem normalen Geschäftsvisum, für das man ein großes Startkapital benötigte. Ich hatte zu dieser Zeit viele populärwissenschaftliche Bücher gelesen und wie jeder selbstbewusste Dilettant die Physik völlig missverstanden und sie mit halbgaren, von Drogen beeinflussten, vagen New-Age-Gedanken vermischt, daher der Name Multiverse.

Zu dieser Zeit betrieb ich ein paar kleine Dance-Music-Labels, und Rob und ich, die wir 2003 begonnen hatten, zu FWD im Plastic People zu gehen, und Roly Porter und Jamie Teasdale (Kuedo) kennengelernt hatten, die als Vex’d produzierten, beschlossen, ein Dubstep-Label zu gründen, um ihre ersten beiden Singles zu veröffentlichen (ich glaube, das war das erste Dubstep-Label außerhalb Londons?). Daraus wurde Subtext, und Rob hatte eine Schwester-Veranstaltungsreihe namens Context. Ich glaube, die Namen kamen einfach daher, dass ich Literatur studiert hatte und Rob Soziologie, und das Wort „Sub“ war in „Subtext“ eingebettet usw. Nach diesen beiden Singles gründeten wir ein weiteres Dubstep-Label namens Tectonic, das nach der zweiten Veröffentlichung von Rob allein kuratiert wurde, während ich mich um die geschäftliche Seite kümmerte. Subtext ruhte, bis Roly, der nach Bristol gezogen war und seit Jahren keine Musik mehr gemacht hatte, mir 2010 die Demos für sein Album Aftertime vorspielte. Ich hatte so etwas noch nie gehört und bat ihn, es bei Subtext veröffentlichen zu dürfen. Er stimmte zu, unter der Bedingung, dass wir das nächste Emptyset-Album zuerst dort veröffentlichen mussten, was dann Demiurge wurde. Damit startete das Label erneut, angeblich unter meiner Kuration, aber in Wirklichkeit waren es zu diesem Zeitpunkt nur emptyset, Roly und Paul Jebanasam – der 2007 aus Australien nach Bristol gezogen war, um mit uns bei Multiverse zu arbeiten.

Der Name emptyset entstand 2007 bei einer Diskussion in einer Kneipe. Ich hatte emptyset als Projektnamen seit meinem Mathematikunterricht in der Highschool im Kopf (das war so ziemlich das Einzige, was ich daraus erfolgreich in meinem Gedächtnis gespeichert hatte), und als ich ihn Paul vorschlug, sagte er sofort Ja. Ich glaube, für ihn verband sich damit sowohl die Idee einer Lösung für eine Gleichung ohne Lösung als auch der Name Mika Vainio und Pansonic, die für Paul usw. wichtige Einflüsse waren… also passte alles zusammen.

Subtext ist für einige unserer Lieblingsveröffentlichungen verantwortlich, darunter Continuum (ACLs Album Nr. 9 von 2016), Oratorio for the Underworld (Nr. 8 von 2019) und Limen (Nr. 6 von 2022). Du hast ein bemerkenswertes Gespür für Kuration. Eine der Facetten, die wir an dem Roster bewundern, ist, dass jeder Künstler unverwechselbar ist. Wonach suchst du bei den Künstlern, die du unter Vertrag nimmst?

Da sich das Label als eine Gruppe von Freunden entwickelte, die Ideen austauschten und über das Multiverse-Studio in Bristol miteinander verbunden waren, begann ich erst 2013, als ich nach Berlin zog, neue Leute in das Label einzuladen. Eric Holm hatte 2014 seine erste Veröffentlichung bei uns, aber er war auch ein enger Freund, und Paul Jebanasam, er und ich hatten einige Jahre zuvor eine Zeit lang zusammen gelebt. Yair Elazar Glotman, unseren ersten neuen Künstler, traf ich 2013 in Berlin, und wir arbeiteten an seinem ersten Album Etudes und stellten es in Bristol fertig. Danach entwickelte sich alles eher organisch. Zum Beispiel lernte ich Ellen Arkbro durch Yair kennen, und Yair spielte mir ihr Demo für „For Organ and Brass“ vor, während wir „Etudes“ abmischten. Pyur (Sophie Schnell) lernte ich durch Fis kennen, einen Künstler aus Neuseeland, von dem wir einige LPs veröffentlicht haben. Im Allgemeinen war es einfach eine Kombination aus der Vorliebe für die Arbeit einer Person und der Vorliebe für die Person selbst. Die ersten Demos, die ich aus unaufgeforderten Kontakten unter Vertrag genommen habe, waren Joshua Sabin und Aho Ssan. Aber beide verfolgten die Veröffentlichungen von Subtext, ihre Demos waren fantastisch, und als ich zum ersten Mal mit ihnen sprach, waren sie sehr nette Leute, und so lag es nahe, sie mit einzubeziehen. Vor kurzem hat Katarina Gryvul ebenfalls ein Demo eingeschickt, und ich hatte kurz darauf die Gelegenheit, sie kennenzulernen, und hatte sofort das Gefühl, dass ich sehr gerne mit ihr zusammenarbeiten würde. Ich denke, die überwiegende Mehrheit der Platten auf dem Label sind aus Beziehungen zu Menschen entstanden, mit denen ich mich verbunden fühlte und deren Talent ich respektierte. Musikalisch gesehen ist das Tolle daran, ein Label zu betreiben, dass ich mich vom Talent, der Inspiration und der Begeisterung anderer Menschen inspirieren lassen kann und dass es einen positiven Feedback-Kreislauf gibt. Ich suche nach Musik, die in gewisser Weise den Horizont dessen erweitert, was ich bisher gehört oder erlebt habe. Es muss nicht alles neu sein, aber ich möchte überrascht, überwältigt oder in eine Art und Weise in den Bann gezogen werden, die sich einzigartig anfühlt.

Das letztjährige Album „Cybernetics, or Ghosts?“ war ein Höhepunkt in deiner Diskografie und bot eine der breitesten Paletten an originellem Talent, die wir je gesehen haben, zusammen mit einem Buch mit Kurzgeschichten. Was hat dich dazu inspiriert, bei diesem Projekt alles zu geben? Wie stehst du zu Musikern, die KI einsetzen, und was wäre deiner Meinung nach das positivste Ergebnis?

Ich wollte etwas zum 20-jährigen Jubiläum des Labels machen und dabei die Zeit und ihre Beziehung zur Technologie erforschen. Dieser Moment, in dem kulturelle Objekte rekursiv in Kulturmaschinen eingespeist werden, stellt so etwas wie einen Zusammenbruch der Ideengeschichte dar. Alles, einschließlich der Sprache, wird dekontextualisiert und in einer Art Pseudokontext neu zusammengesetzt. Diese Verflachung der Zeit, was ihre Reflexion in der Kultur angeht, hat sich bereits in den letzten Jahrzehnten eingeschlichen, als das Internet die Subkultur delokalisierte und der Zugang zur gesamten Geschichte und Gegenwart der Kultur über das Internet alles von einer Art horizontaler Zeitachse, die in die Vergangenheit zurückreicht, in einen vertikalen, vulkanartigen, permanenten Zugangspunkt umwandelte, in dem alle Dinge gleichzeitig existieren. Die Zusammenführung beider Autoren durch den Herausgeber des Projekts, Michael Salu, und Musiker, um den gegenwärtigen Moment sowohl verbal als auch nonverbal zu erforschen, schuf eine interessante Gelegenheit, ihn sowohl zu durchdenken als auch zu fühlen und zu ästhetisieren. „Er“ ist alles, was uns derzeit widerfährt.

2019 nahmen Paul Purgas und ich mit einem frühen GAN-basierten KI-System ein Emptyset-Album namens Blossoms auf. Die Berechnung dauerte Monate. Wir fütterten das System mit unserem Backkatalog und einigen Tagen Studioaufnahmen verschiedener Materialien. Zunächst war es interessant, da es während des „Denkens“ kontinuierlich Tonfolgen ausgab. Darunter waren Klänge, die ich noch nie zuvor gehört hatte, aus denen wir das Album zusammenstellten, obwohl es am Ende des Prozesses Material ausgab, das wie etwas schlechtere Versionen der ursprünglichen Eingaben klang. In diesem Moment wurde mir klar: Oh Mist, das muss einfach schneller gehen, und jemand muss es auf Spotify laufen lassen, dann hat man eine unendliche Musik-Rekonstruktionsmaschine. Ich war damals ziemlich alarmiert, vergaß meine Reaktion jedoch inmitten der Unruhe der Pandemie, bis sich fünf Jahre später mein kleiner Albtraum verwirklichte.

Ich finde generative KI in der Musik nicht wirklich inspirierend. Ich finde, dass sie mich dazu zwingt, viele Fragen über meine Beziehung zum Schaffen von Werken zu stellen, und ich denke, es ist schwer, sich davon nicht entmutigen zu lassen. Gleichzeitig vertraue ich darauf, dass junge Menschen, die gerade jetzt in die Kultur einsteigen, interessante Wege finden werden, sich mit den ihnen zur Verfügung stehenden Mitteln auszudrücken, und ich muss davon ausgehen, dass meine Enttäuschung angesichts der gegenwärtigen Situation zum Teil auf meinen Mangel an Vorstellungskraft zurückzuführen ist, da ich den Verfall der Systeme und Schaffensweisen erlebe, in denen ich mich entfalten konnte, während jemand, der als Teenager anfängt, in eine Welt eintritt, die voller anderer Möglichkeiten ist. Auch das ist ein Grund, warum die Leitung des Labels so bereichernd ist, da ich mit Menschen zusammenarbeiten kann, die sich allem aus einer ganz anderen Perspektive und mit einer ganz anderen Geschichte nähern als ich. Als älterer Millennial stehe ich immer noch unter dem Einfluss der Referenzen und Ideen der Babyboomer, und das ist in gewisser Weise ein Handicap, wenn ich mich mit der Moderne auseinandersetze, da ich mich zwangsläufig eher auf den Verlust von etwas konzentriere als auf neue Möglichkeiten. „Zu meiner Zeit haben wir auf Raves Platten auf Technics 1210s gespielt, die wir mit Samplern gemacht haben, und unsere Bilder waren in Zeitschriften, aus Papier!“ „Ok, Opa.“ usw. …

Um auf die Anthologie „Cybernetics, or Ghosts?“ zurückzukommen: Ich denke, dass Science-Fiction als Mittel, mit dem wir sowohl die Zukunft simulieren als auch auf die Vorausschau oder Naivität der Menschen zurückblicken können, die sie in der Vergangenheit simuliert haben, uns eine Möglichkeit bietet, unser Denken zwischen den beiden Extremen der Projektion von Dystopien und Utopien ins Gleichgewicht zu bringen.

In diesem Jahr befasste sich jedes Album mit einem bestimmten Thema, vom verlassenen Experimentellen Theater in Tripolis über Desinformation in der Ukraine bis hin zur „Übertragung des Bewusstseins vom menschlichen Körper auf ein elektronisches Medium“ und unserer Beziehung zur Tiefenzeit. Diese Künstler haben mehr zu bieten als nur Musik.

Alle Projekte auf Subtext haben ihre eigene Welt und ihren eigenen Kontext. Das hat zwar auch eine intellektuelle Komponente, aber ich denke, dass dennoch die Musik/der Klang im Vordergrund steht. Jede Platte muss für sich selbst stehen, unabhängig von ihrem Rahmen. Gleichzeitig versuchen wir, um ein Projekt als eigenständige Welt zu begreifen, wirklich zu verstehen, was die Platte über die Audiodateien hinaus ist. Manchmal ist das etwas, das Künstler vor oder während der Produktion konzipieren, manchmal ist es etwas, das sich erst im Nachhinein herauskristallisiert. Ich denke, damit eine Erzählung rund um eine Platte sinnvoll ist, muss die Ideengruppe mehr sein als nur ein kuratorischer Rahmen, sondern vielmehr eine Realität rund um die Produktion und Konzeption der Platte. Manchmal ist dies einfach nur die Situation, in der die Platte entstanden ist, sei es der historische oder politische Kontext, die Besonderheiten der Komposition, Produktion oder Aufnahme oder die besonderen Fixierungen der Künstler bei der Schaffung ihres Werks. Manchmal wird erst im Nachhinein klar, dass die Platte ein Prozess der Erforschung und Formgebung nonverbaler Prozesse war, um verschiedene Aspekte des Daseins und die Kontexte, in denen der Künstler existiert, in Beziehung zu setzen. Ich denke, das funktioniert am besten, wenn für die Platten kein Kontext erforderlich ist, aber wenn der Kontext hinzugefügt wird, erweitert und unterstützt er irgendwie das, was vorhanden ist.

Ihr Label hat immer wieder bewiesen, dass es noch unausgedrückte originelle Ideen und neue, noch unbenannte Genres und Subgenres gibt. Wie haben Sie die Entwicklung der experimentellen Musik während Ihrer Zeit in der Branche erlebt, und wohin könnte sie Ihrer Meinung nach führen?

Experimentelle Musik (was auch immer dieser Begriff bedeutet) hat sich im Laufe der Jahre enorm weiterentwickelt. Oft bekomme ich Demos und denke: Es ist interessant, dass dies vor fünf oder zehn Jahren bahnbrechend gewesen wäre, und jetzt fühlt es sich „nur” zeitgemäß an. Eine der erfreulichsten Entwicklungen ist meiner Meinung nach, wie international und vielfältig die Szenen rund um experimentelle Musik geworden sind. Ich denke, es gab viele positive Rückkopplungsschleifen bei der Kuratierung von Labels, Festivals und dem, was von der Presse übrig geblieben ist, was zu einer größeren Offenheit und Neugier geführt hat, nicht nur in Bezug auf die Klangpalette und die musikalischen Möglichkeiten, sondern auch in Bezug darauf, woher die Musik kommt und wer sie macht. Das hat den interessanten Effekt gehabt, dass sich unsere Vorstellung von experimenteller Musik erweitert hat: Sie ist extrem verschwommen und umfasst die Grenzspannungen zwischen einer Vielzahl von Genres und sogar Zeitlichkeiten. Wenn ich auf das zurückblicke, was wir dieses Jahr veröffentlicht haben und woran ich als Produzent oder Toningenieur gearbeitet habe, und dann bedenke, wie eng gefasst der Sound von Subtext war, als wir 2011 wieder ernsthaft damit begonnen haben, dann ist das wie ein Mikrokosmos dafür, wie sehr sich die Offenheit gegenüber Musik und der Zugang zu ihr verändert haben. Ich denke, das ist die positive Seite des eher beunruhigenden Teils der Geschichte, nämlich die Verflachung der Kulturlandschaft durch unsere Atomisierung, die zunehmende Bildschirmzeit und die Unmöglichkeit, in urbanen Zentren bezahlbar zu leben, was bedeutet, dass die Bildung von Subkulturen oder Bewegungen im realen Leben schwieriger geworden ist und noch schwieriger werden wird. Der positive Nebeneffekt der Isolation und der Verlagerung hin zu Online-Erfahrungen als dominierendem Aspekt der menschlichen Erfahrung ist, dass man Dinge außerhalb ihres Kontexts erleben kann, was seltsamerweise zu Offenheit führen kann, da es nicht „die Musik ist, die diese Leute hören”. Ich weiß, dass ich diesen Verlust des Kontexts zuvor als Problem dargestellt habe, aber wie immer gibt es auch eine andere Seite, die ihre eigenen Möglichkeiten bietet.

Die Frage „Wohin führt das?“ ist etwas schwieriger zu beantworten. Ich hoffe, dass es zu einem Ort führt, an dem die Dominanz der sozialen Medien und Streaming-Plattformen von Unternehmen nachlässt und wir es irgendwie schaffen, einen neuen Gesellschaftsvertrag rund um all das zu finden. Ich denke, das wird darüber entscheiden, wie sich die Dinge entwickeln. Was wir alle im Bereich der experimentellen Musik im Allgemeinen tun, eignet sich nicht dazu, die Wünsche der algorithmischen Systeme zu befriedigen, von denen wir mittlerweile fast ausschließlich abhängig sind. Je mehr wir in diese Richtung gedrängt werden, desto mehr wird Musik zu einem Mem, sei es in sich selbst oder in den Inhalten, die sie umgeben.

Einige der Künstler auf dem diesjährigen Programm haben sich auf unerwartete Weise mit alten Instrumenten und Materialien auseinandergesetzt, darunter Anima Hocine (Nebelhornorgel und Baumarktartikel) und Bridget Ferrill (akustische und selbst entworfene elektrische Harfe). Was ist der überraschendste Klang, den Sie jemals auf einer Subtext-Veröffentlichung gehört haben? Belas Stimme.

Viele Subtext-Veröffentlichungen scheinen eine spirituelle Unterströmung zu haben, vom Gebetsruf auf Sara Persicos Sphaîra bis zu den erhobenen Händen auf Paul Jebanasams mātr. Sogar Ihr eigenes Album Dissever (veröffentlicht bei Thrill Jockey) wird als „eine Reise zwischen Mystik und Moderne” beschrieben. Ist diese Verbindung beabsichtigt? Verbinden Sie persönlich das Spirituelle mit dem Musikalischen, und in Bezug auf „mātr“, welche Verantwortung (wenn überhaupt) hat die Menschheit Ihrer Meinung nach gegenüber dem Rest der Schöpfung?

Ich denke, es ist wichtig, verschiedene Rahmen zu finden, durch die man die Welt betrachten oder mit denen man seine eigene Existenz und seinen Kontext hinterfragen kann. Ob es sich nun um Wissenschaft, Metaphysik oder Poesie handelt – jeder Rahmen liefert etwas Besonderes, wenn man seinen Verstand darauf anwendet. Natürlich ist es wichtig, seine Rahmen geschickt anzuwenden. Ich würde zum Beispiel nicht auf Poesie zurückgreifen, wenn es um Tuberkulose geht. Letztendlich bin ich mir nicht sicher, was jeder eigentlich unter Spiritualität versteht. Ich denke, es gibt viele Möglichkeiten, die eigene Existenz zu verstehen, und vielleicht ist es das, was alle Künstler des Labels verbindet: dass sie sich mit den ihnen zur Verfügung stehenden Mitteln ihren Weg durch all das denken und fühlen. Ich denke, all das funktioniert am besten, wenn man es mit Leichtigkeit angeht, insbesondere wenn es darum geht, was Teil der öffentlichen Kommunikation eines Projekts wird. Natürlich ist die Musik, die Menschen schreiben, sehr persönlich und wichtig für sie. Es ist wichtig, herauszufinden, wie man diese Projekte kommunizieren kann, ohne den Kern der Seelen der Menschen zu kommerzialisieren.

Ich persönlich würde weniger an Verantwortung denken als vielmehr an Mitgefühl. Ich denke, Sensibilität zu entwickeln bedeutet, andere zu vermenschlichen, und andere zu vermenschlichen bedeutet, ihr Leiden nicht ertragen zu können. An diesem Punkt ist es keine Verantwortung mehr, sondern eine Dringlichkeit.

Was steht als Nächstes für Subtext an, und kannst du uns etwas über geplante Veröffentlichungen für 2026 erzählen?

Nächstes Jahr (bis jetzt) werden wir neue Musik von bela, Rắn Cạp Đuôi, Aho Ssan, Joshua Sabin sowie einige Bücher veröffentlichen. Darüber hinaus sind viele Projekte in Arbeit, und hoffentlich werden die Bedingungen so sein, dass wir weiterhin das tun können, was wir bisher getan haben.