Release Date: 2.12.2022. Musik von Chris Abrahams, Black Ox Orkestar, Kaan Bulak, Aviva Endean, Gabriel Prokofiev und Trondheim Voices

Was für eine Bandbreite. Zum ersten Mal ist hier Klezmer Musik dabei, dazu kommen Improvisationen auf dem Klavier und der Klarinette, zwei Ballettmusiken und zum Schluss fliegen wir, getragen von wunderschönen Stimmen, weg.

Chris Abrahams – Follower / Room40

Seit mehr als drei Jahrzehnten hat der Pianist und Komponist Chris Abrahams aus Sydney ein einzigartiges ikonisches Gesamtwerk geschaffen. Weithin bekannt für seine Arbeit mit dem Trio The Necks, hat Abrahams mit seinen Solowerken eine völlig andere Klangwelt erschaffen. Seine Erkundungen von Orgel, Elektronik und Klavier ist von einer rastlosen Neugierde und klanglichen Hinterfragung geprägt, die sich mit jeder seiner Veröffentlichungen weiter vertieft.
Mit Follower dehnt sich seine kompositorische Sprache weiter aus. Melodien kaskadieren mit einem cineastischen Tempo und ergießen sich über harmonische Elektronik und unstete perkussive Elemente. Er schafft ein Gefühl der Öffnung und des Raums, ein Feld, in dem wir uns verlieren und von den sich entwickelnden Zuständen, die er in den Fokus rückt, völlig vereinnahmt werden.

Follower ist Abrahams‘ sechstes Album für Room 40 und zeigt sein anhaltendes Interesse an den vielschichtigen Räumen zwischen Musik und Lärm, Tonalität und Atonalität, Rhythmus und Textur. In allen vier Stücken spielt das Klavier eine wichtige Rolle: in einem Fall hochtönig und atonal, in einem anderen gefühlvoll und doch so weit entfernt, als würde es auf eine Leinwand projiziert. Follower präsentiert dem Hörer eine Klangwelt aus farbenfrohen Nebeneinanderstellungen, reicher Orchestrierung und organisch offenen Formen. Text: Label

Black Ox Orkestar – Everything Returns / Constellation Records

Das Black Ox Orkestar, das im Jahr 2000 aus der fruchtbaren Indie-, Post-Rock-, Avant/Improv- und experimentellen Musikszene Montréals hervorging, hat Mitte der 2000er Jahre mit Constellation zwei einflussreiche und politisch aufgeladene Klezmer-Alben veröffentlicht. Nach einer 15-jährigen Pause hat sich die Band Ende 2021 wieder zusammengefunden und ein drittes Album aufgenommen, das genau da weitermacht, wo sie aufgehört hat, mit einer neuen Sammlung von aufgewühlten traditionellen Instrumentalarrangements und grüblerischen, gesangsgetriebenen Originale (auf Jiddisch gesungen), die ihren einzigartigen Sound und ihre Sensibilität zeigen und sich deutlich von anderen Musikern wie der Zorn/Masada/Tzadik-Achse und The Klezmatics unterscheiden.

Das Black Ox Orkestar besteht aus Thierry Amar (Bass), Scott Gilmore (Vocals, Cimbalom, Piano, Gitarre), Gabriel Levine (Klarinette, Gitarre), und Jessica Moss (Violine, Vocals) sowie den Gastmusikern Pierre-Guy Blanchard, Julie Richard, Julie Houle, Craig Pederson und Nadia Moss.

Seit der Gründung des Black Ox Orkestar hat sich eine neue Diaspora-Gemeinschaft von Klezmer-Praktizierenden, -Forschern und -Fans gebildet, und die ersten beiden Alben der Band sind nach wie vor die Eckpfeiler dieser neuen Generation. Everything Returns wird für viele eine willkommene Rückkehr sein und ein Beweis für die anhaltende interpretatorische Stärke, die Musikalität und die wiederbelebenden Beiträge der Band zur Tradition. Die Musik auf dem Album ist in atmosphärischen Interpretationen traditioneller osteuropäischer Musik verwurzelt. Es enthält originale Lieder und Arrangements, die sowohl aus jüdischen als auch aus nicht-jüdischen Quellen stammen, die politisch, poetisch und mehrsprachig sind (auf Jiddisch und Englisch, aber auch auf Französisch und Arabisch). Textlich und stilistisch verbinden die Lieder wichtige aktuelle Themen – von Flüchtlingen, die gezwungen sind, ihre Heimat zu verlassen, bis hin zur Rückkehr des Faschismus und des ausgrenzenden Nationalismus – mit dem Erbe der modernistischen jiddischen Poesie und des Liedes. Wie schon auf ihren früheren Alben erschafft die Band eine reiche Klanglandschaft aus strukturierten Instrumenten und eindringlichen Stimmen und macht Musik, die gleichzeitig aus einer verschwundenen Welt stammt und ganz in unserer Zeit und an unserem Ort verankert ist. © Text: Label

Kaan Bulak – Illusions / Feral Note

In diesem Album kamen alle meine Seiten zusammen: Komposition, Improvisation, elektronische Produktion, Klangkunst und darüber hinaus malerische Synästhesie, da ich mich sehr von Gemälden und visuellen Werken inspirieren ließ. The Lovers ist während des ersten Corona Lockdown entstanden, als das Gemälde von Magritte durch die Masken eine ganz neue Bedeutung bekam. Auf dem Gemälde sind Menschen zu sehen, die miteinander rummachen und verhüllt sind. Sie sind sich nahe und können sich doch nicht berühren. Diese verdrehte Melancholie wird in einem mehrstimmigen Wurlitzer-Track hörbar. Die Erfahrung von Freiheit ist etwas Beängstigendes, der Boden entgleitet einem unter den Füßen und wird in Missing Ground hörbar, das auch auf ein Zen-Koan abzielt. Es ist eine mächtige Erfahrung, wie die völlige Verzerrung der Wahrnehmung, wie im Wendepunkt des Stücks. Marienbad präsentiert in seinen Harmonien das intuitive Wechselspiel von heißen und kalten Momenten, die im Film „Letztes Jahr in Marienbad“ auftauchen. Das Titelstück Illusions präsentiert illusorische Rhythmusschichten und Klänge, die sich aus dem Unterbewusstsein des präparierten Flügels entwickeln.

Kaan Bulak

Kaan Bulak wurde in Aachen (DE) geboren und verbrachte seine Kindheit in Istanbul (TR), wo er im Alter von 5 Jahren mit dem Klavierspiel begann. Während des Gymnasiums Gymnasium in Stuttgart (DE) wuchs Bulak als Schüler von Andrej Jussow am Klavier auf. Nach einigen Abstechern in die Mathematik und Wirtschaft studierte er Tontechnik, gefolgt von einem Master in Klangkunst an der Universität der Künste Berlin. Bulak studierte Tontechnik bei Jean-Boris Szymczak und Komposition bei Martin Supper. Von 2018-2020 war Bulak Stipendiat von #bebeethoven sowie Artist-in-Residence am ZKM Karlsruhe.

Nachdem er viele Jahre an seinem neuen Album Illusions gearbeitet hat, bringt es seine akustischen und elektronischen Ausdrucksmöglichkeiten auf eine neue Art und Weise zusammen. Die instrumentale Virtuosität wird durch klangliche Kraft ergänzt. Es ist das zugänglichste und zugleich vielseitigste Album des zeitgenössischen Komponisten Kaan Bulak, das den Menschen den Zugang zu Klangkunst und Elektronik erleichtern kann. Die Abwechslung zwischen unerwarteten harmonischen Wendungen und auch melodischen. Der Wechsel zwischen unerwarteten harmonischen Wendungen und auch melodischen Momenten spielt mit dem Unterbewusstsein und verbleibt dort für eine längere Zeit, sodass sich ein erneutes Anhören immer lohnt. © Text: Label

Aviva Endean – Moths & Stars / Room40

Da ich jetzt selbst in der Lage bin, meine eigene Musik aufzunehmen, eröffnen sich mir als Künstlerin, Musikerin und Klarinettistin völlig neue Möglichkeiten. Ein völlig neuer Kontext, um über Musik nachzudenken. Klänge lassen sich nicht mehr auf einen Ort, eine Zeit oder sogar eine Perspektive beschränken. Ich wollte, dass die Aufnahme so intim ist, dass man den Flügelschlag einer Motte hören kann, aber ich wollte auch, dass der Hörer die Weite des aufgenommenen Raums erlebt, wie den weiten Nachthimmel.
Die Mikrofone wurden zu Erweiterungen meiner Instrumente, sie gingen ganz nah heran, um das Mikroskopische einzufangen, erzeugten Rückkopplungstöne, die mich in ihren Bann zogen, oder zoomten heraus, um mehrere akustische Räume zu erfassen. Mein Aufnahme- und Kompositionsprozess wurde intuitiver und explorativer, eine andere Form des Spiels. Ich konnte mit der Gestaltung beginnen und sehen, wohin mich das Stück führen würde, und bemerken, wie sich neue Beziehungen bildeten, wenn ich mehrere Zeit-/Raumeinheiten ineinander und übereinander faltete.

Manchmal begann ich damit, Klänge aus meinen Archiven herauszusuchen und zu hören, wie sie sich mit den Entdeckungen, die meine Mikrofone und Instrumente machten, neu erfinden und transformieren ließen. In „Nightwork“ wollte ich einen Weg finden, ein mikrotonales Summen wieder aufzugreifen, das ich für ein Sounddesign-Projekt aufgenommen hatte, und entdeckte dann den Leslie-Lautsprecher als eine Möglichkeit, meinen Bassklarinettenklang um die Mikrofone zu drehen und Basstöne zu erzeugen, die als Wellen aus den dicht geschichteten Tonhöhen hervortreten. Manchmal rief eine neue instrumentale Faszination, wie die E-Bögen und Magnete auf „Mirror Signals“ oder das binaurale Mikrofon-Feedback auf „Moths & Stars“, nach weiteren Klarinettenschichten und Feldaufnahmen, die ich in ihre Geschichte einweben konnte.

Aviva Endean

Die australische Komponistin und Klarinettistin Aviva Endean hat eine beeindruckende Fähigkeit entwickelt, Werke zu schaffen, die eine intensive Kontrolle (des Atems, des Instruments, der Komposition) mit der Bereitschaft verbinden, die Musik führen zu lassen. Auf Moths & Stars, ihrem zweiten Solowerk, entwirft sie eine Klangwelt, die zu gleichen Teilen aus Klangfarben und Tönen besteht, wobei sie die Beziehung zwischen Klängen und Raum in den Mittelpunkt ihrer Stücke stellt. © Text: Label

Gabriel Prokofiev – Strange Blooms + HOWL! / Oscillations

Hier sind zum ersten Mal zwei Veröffentlichungen zusammen, die durch parallele Prozesse verbunden sind. Sowohl „Strange Blooms“ als auch „Howl!“ wurden ursprünglich für ein zeitgenösisches Tanzprojekt geschrieben. „Strange Blooms“ in Zusammenarbeit mit der Choreografin Shobana Jeyasingh und „Howl!“ wurden ursprünglich für den amerikanischen Choreografen Maurice Causey geschrieben und vom Luzerner Ballett uraufgeführt. In beiden Werken werden ebenfalls Keyboards verwendet, wobei drei Jahrhunderte dazwischen liegen: Eine natürliche Aufnahme eines Barockcembalos aus dem 17. Jahrhundert (gespielt von Jane Chapman) dient als Grundlage für die hybriden Erkundungen von „Strange Blooms“, die durch digitale Verarbeitungstechniken (Stretching, Brassage, Warping) gefiltert werden. „Howl!“ greift auf eine andere „Tradition“ zurück, indem es eine Reihe von Klängen, die von einem Arp Odyssey aus den 1970er Jahren erzeugt wurden, mit Cut & Paste, Multitrack-Layering, Samplern und Filtern bearbeitet. Beide Werke zelebrieren die Hybridität und erforschen die Synthese von Organischem und Mechanischem, von Altem und Neuem, für die schöne neue Welt, die vor uns liegt.

Strange Blooms = Seltsame Blüten

Überall gibt es Bewegung. Überall Energie. Und auch überall Ordnung, die sich in den Wurzeln verbirgt und von unseren schönsten Maschinen in außergewöhnliche Höhen gehoben wird. Strange Blooms ist eine poetische Übung im Erkennen von Mustern und verbindet das Barocke mit dem Organischen, indem es Muster in Pflanzenwurzeln mit den den himmlischen Klänge eines Cembalos aus dem 17. Jahrhundert verbindet.

Howl!

Das Signal vom Rauschen, die Wahrheit von der Lüge, die Botschaft von der Verzerrung zu unterscheiden, ist zu unserer täglichen Erfahrung geworden. Das Ausmaß der Desinformation ist so hoch wie noch nie, während globale Pläne aufeinanderprallen und die Realität hinter dem Horizont verschwindet. Die Technologie verunsichert uns, während wir über dieselben Kanäle, die uns ablenken und verwirren sollen, nach einem Sinn suchen. Wie soll aus dieser Überlastung jemals etwas so Kohärentes wie eine Protestbewegung hervorgehen? Und doch gelingt es gelegentlich, Energie in die Leitungen zu leiten, und die Menschen kommen zusammen, um sich Regimen zu widersetzen, die offensichtlich unterdrückerisch sind, und um trotz allem gemeinsam Ungerechtigkeit zu erkennen und zu bekämpfen.
Wenn die Entfremdung bis an die Grenzen des Möglichen getrieben wird, wie kann diese Kraft umgekehrt und wieder menschlich gemacht werden? Der Wahnsinn, der in Allen Ginsbergs Gedicht aus der Mitte der 1950er Jahre beschrieben wird: Der Wahnsinn, der in Allen Ginsbergs Mitte der 1950er Jahre entstandenem Gedicht „Howl“ beschrieben wird, mutiert in Gabriel Prokofjews gleichnamiger fünfteiliger EP zu etwas Gerichtetem, dringlichem und nach außen gerichtetem.

Trondheim Voices – Gjest Song / Hubro

Trondheim Voices ist seit den frühen 2000er Jahren eines der innovativsten und einflussreichsten Vokalensembles Norwegens. Die Individualität jeder Sängerin, und ihr Timbre in Kombination mit den anderen Stimmen stehen im Mittelpunkt, was dem kollektiven Klang der Gruppe eine einzigartige Qualität verleiht. Das Album „Gjest Song“ lädt den Hörer in einen zeitlosen Raum ein, dessen Musik von Christian Wallumrød komponiert wurde. 2015 schufen Trondheim Voices und Wild at Art ein Gesamtkunstwerk namens „Gjestehus“, eine lange Dauerperformance, die während des Trondheim International Olavsfestes im selben Jahr fünf Tage lang rund um die Uhr in der Kirche von Lademoen stattfand. Christian Wallumrød wurde eingeladen, Musik zu schreiben, die fortlaufend aufgeführt wurde und das Tag für Tag. Aufgenommen in der Melhus kirke im Jahr 2020, 5 Jahre nach der Uraufführung, hatte das Material Zeit, weiter zu reifen, ohne sich zu sehr vom ursprünglichen Kunstwerk zu unterscheiden. Text: Label

Ich bin froh, dass Trondheim Voices die Initiative ergriffen hat, diese Musik aufzunehmen, und es ist schön sie jetzt wiederzuhören. Etwas aufzunehmen, einen Klang, eine Abfolge und eine Form zu schaffen, bringt immer seine eigene Logik und sein eigenes Gewicht mit sich. Für mich fühlte es sich wie eine natürliche Konsequenz, eine Art Fortsetzung, bei der wir uns in Zusammenarbeit auf den Klang und die Musikalität konzentriert haben. Mir gefällt, dass der Raum und der Klang des Ortes, an dem wir gearbeitet haben, der Aufnahme einen so deutlichen Charakter verliehen haben. In gewisser Weise ist es auch eine periphere Erinnerung an den spezifischen Ort der ursprünglichen Aufführungssituation.

Christian Wallumrød

Christians Kompositionen sind größtenteils dieselben wie bei der ersten Aufführung, aber auf dem Album haben wir sie ein wenig mehr geöffnet und einige musikalische Ideen hinzugefügt, die aus gemeinsamen Improvisationen entstanden sind. Ein großer Teil der Aufnahme ist auch der Klang des Raums und des Gebäudes, in dem wir singen, der in Wechselwirkung mit dem Wetter draußen sein Leben lebt.

Sissel Vera Pettersen, Trondheim Voices

Meine Einschätzung der neuen Releases in wenigen Worten. Ich hab einfach zu wenig Zeit und neues Material will auch gehört werden. Letzlich spricht jede Musik für sich selbst. Chris Abrahams = The Necks. Das gehört für mich immer zusammen. Und zugebenermassen kannte ich seinen Soloalben kaum, um so größer war meine Freude, dass seine neuste Soloproduktion auf meinem Tisch landete. Es ist eine erstaunliche Musik und seine Neugier ist immer noch sein größter Antrieb. Wie es schon im Labeltext zu lesen ist, ist seine Klangwelt mit der, der Necks nicht zu vergleichen. Sehr überraschend sind auch die verschiedenen Einflüsse und mir gefällt das besser als die Musik der Necks.
Klezmer Musik gehört nicht zu meinem Musikprogramm und so war die Begegnung mit der Musik des Black Ox Orkestar eine ganz neue Erfahrung. Und keine schlechte, wie ich feststelle. Aktuell ist „Everything Returns“ das Album des Tages auf Bandcamp. Hier geht es zum Beitrag.
Auch Kaan Bulak ist für mich neu und er überrascht mit seiner enormen Bandbreite. Das macht auch die Faszination seiner neuen Produktion aus. Man weis nie, was einen mit dem nächsten Titel erwartet, so abwechslungsreich ist das ganze und ein Anlass, mich mit seinen weiteren Arbeiten zu beschäftigen. Absolut spannend!
Aviva Endean erste eigene Veröffentlichung wurde von mir schon hier vorgestellt und schaffte es auch gleich in meine Best of 2018. Über die Jahre haben sich ihre Ausdrucksmöglichkeiten erweitert und mich überraschte die fast schon intime Atmosphäre in den Aufnahmen ihrer Musik. Man hört quasi alles. Das Ein- und Ausatmen, die Arbeit mit dem Instrument, den Raum. Dazu kommt die Arbeit mit anderen Materialien und Effekten. Das ist sehr beeindruckend und so habe ich auch ein Video mit dazu genommen, das ich für sehr gelungen halte und es ist, wie ihre aktuelle Musik, sehr beeindruckend.
Gabriel Prokofjew fesselte mich mit seinen Ballettmusiken. Denn was ich sonst so von ihm gehört hatte, fand ich nicht so spannend. Aber diese Musik hier ist toll und ich würde dazu gern das Ballett tanzen sehen. Auch, weil ich seine Musik gar nicht unbedingt mit Ballettmusik assozierte. Wirklich überraschend!
Die Trondheim Voices in Kombination mit den Kompositionen von Christian Wallumrød, sind eine unschlagbare Kombination. Und da ich hier schon oft über die Trondheim Voices geschrieben habe, belasse ich es dabei. Diese Frauen singen in ihrer eigenen Klasse!