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Music for Many Airports von George Grella

„Music for Airports“ ist eine der wichtigsten Aufnahmen des 20. Jahrhunderts. 1978 von Brian Eno veröffentlicht, machte sie das Konzept und die Erfahrung von Ambient-Musik für ein Massenpublikum bekannt. George Grella (Bandcamp) hat sich auf eine bemerkenswerte Reise begeben. Er stellt uns zahlreiche Werke vor, die von Brian Eno inspiriert wurden.

Eno, der bereits durch seine Mitgliedschaft bei Roxy Music, seine Zusammenarbeit mit Robert Fripp, David Bowie und der deutschen Elektronikband Cluster sowie durch seine Solo-Veröffentlichungen Taking Tiger Mountain (By Strategy) und Another Green World bekannt war, hat mit Music for Airports die Ambient-Musik aus ihren bisherigen historischen, experimentellen und zufälligen Nischen herausgeholt und sie als klar definiertes Genre etabliert. Im Laufe der Jahrzehnte seit ihrer Veröffentlichung und insbesondere im 21. Jahrhundert hat sich Ambient Music zu einem der bedeutendsten globalen Musikstile entwickelt, der allein auf Bandcamp massiv vertreten ist.

Eno gab der Ambient-Musik ihren Namen (der vollständige offizielle Titel der Platte lautet Ambient 1: Music for Airports) und legte auch einige der wesentlichen ästhetischen Ideen des Genres fest. Die grundlegende Idee ist, wie er in den Liner Notes beschreibt, dass die Musik „viele Ebenen der Aufmerksamkeit zulassen sollte, ohne eine bestimmte zu erzwingen“. Mit anderen Worten, die Musik sollte Teil des Umgebungsklangs in Hörweite des Zuhörers sein, den Eno mit Muzak verglich – damals im öffentlichen Bewusstsein viel bekannter als Musik, die den Konsum in Geschäften und die Produktivität in Büros fördern sollte. Damit reihte sich das Genre rückwirkend in die Geschichte der klassischen Musik ein, mit seiner Verbindung zu Erik Satie, dessen Werk der Komponist Darius Milhaud als „musikalisches Möbelstück“ bezeichnete – Musik, die man hört, aber nicht hören kann.

Ein weiteres wesentliches Merkmal der Musik ist ihr Mangel an Textbezogenheit: Sie soll keine lyrische oder erzählerische Idee ausdrücken, sie soll die Emotionen des Zuhörers nicht lenken, sie hat keinen sozialen Zweck, und formal hat sie keinen klaren Anfang oder Schluss. Stattdessen beginnt es, es existiert in Raum und Zeit, und dann kommt es zu einem Ende – im wahrsten Sinne des Wortes, in der Art und Weise, wie mit der damaligen Technologie nur so viel auf die Seite einer Vinyl-LP passen konnte. Auch hier war Eno nicht der erste, der dies tat, aber er war wohl der erste, der dies den Hörern präsentierte, die hauptsächlich Rock- und Popmusik hörten.

Das machte das Album zu dieser Zeit sehr umstritten. Das Magazin Rolling Stone lehnte es ab, der Spin Record Guide bewertete es als unterdurchschnittlich, und Eno selbst bemerkte in einem Interview mit Lester Bangs, dass die No-Wave-Legende Lydia Lunch nicht viel von der Platte hielt. Aber die revisionistische Meinung des 21. Jahrhunderts (sogar im Rolling Stone) hält es für essentiell und ein Meisterwerk. Wichtiger als das Urteil der Kritiker war jedoch, wie die Musik unabhängig vom Album wurde, ein in sich geschlossenes Stück wie ein Song oder eine klassische Partitur, etwas, auf das andere Musiker reagieren, das sie überarbeiten und auf ihre eigene Weise spielen können. Die „Flughafen“-Metapher hat sich vertieft, und die Musik ist zu einem Mittel geworden, um zu reisen und das Wort zu weiteren Zielen zu verbreiten. © Texte: George Grella für Bandcamp



© Bandcamp Daily, 24.1.2024

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