Release Tipps: Gitarrenwelten … Aktualisert …

4. Februar 2025 portfuzzle 0 Kommentare

Neues von Jonny Fryer, Blue Lake, Yair Elazar Glotman & Mats Erlandsson, Adam Coney & Richard Pike und Stein Urheim. Das neue Jahr beginnt mit einigen Veröffentlichungen in denen Gitarren die Hauptrolle spielen und diese werde ich hier zusammen fassen. Vito Camarretta hat ein paar wunderbare Zeilen für die Musik von Stein Urheim gefunden.

Es ist wirklich faszinierend, wie unterschiedlich sie alle klingen können. Ich werde ein paar kurze Sätze schreiben und sie mit Liner Notes ergänzen. Ich werde sie nach ihrem Release-Datum sortieren. Viel Spaß beim Entdecken!

Jonny Fryer – Saudade / Trestle Records

Saudade ist das erste Soloalbum des Gitarristen und Komponisten Jonathan Fryer. Diese Sammlung von Stücken wurde im Sommer 2023 in kurzer Zeit geschrieben und aufgenommen und greift Elemente auf, die in früheren gemeinsamen Veröffentlichungen (Tout & Calibos) angeschnitten wurden, und vertieft sich in esoterische, perkussive und New-Age-Paletten; dabei werden Elemente von Bossa Nova, Samba und Jazz integriert. Das Album spiegelt eine Übergangsphase wider, sowohl persönlich als auch kreativ, und zielt darauf ab, ein zusammenhängendes Werk zu schaffen, bei dem die einzelnen Musikstücke eine einzige, ausgedehnte Bewegung bilden. © Texte: Liner Notes

Beiträge von Adam Coney, einem langjährigen Freund und Kollegen von Fryer und ebenfalls bei Trestle Records unter Vertrag (Ashwin & Above & Pavilion), sind die einzigen weiteren musikalischen Ergänzungen, die den Titeln „Esterel“, „Roma“ (Teile I und II) und dem jazzigen „Visions of Naima“ eine schöne zweite Stimme verleihen und sie weiter aufwerten, wobei alle anderen Instrumente von Fryer gespielt werden, was bedeutet, dass es sich bei dieser Platte um eine reduzierte Angelegenheit handelt, bei der Einfachheit im Vordergrund steht. Die Ebbe und Flut der Platte werden durch die Hinzufügung von Feldaufnahmen angedeutet, die das Album untermalen und dem Hörer von Anfang bis Ende ein Gefühl für den Ort vermitteln; von den plätschernden Wellen, die den Titeltrack „Saudade“ durchdringen, bis hin zum Klang spielender Kinder, die die Platte mit „Roma (Parts I & II)“ abschließen, das auch einen groben elektronischen Bossa-Nova-Beat enthält, wie er auf den Keyboards in der Schule seiner Jugend zu finden war. Der Ansatz bei der Aufnahme war immer der: „Was können wir weglassen?“ Im Gegensatz zu den großspurigen Gesten, bei denen man sich mit noch mehr Instrumenten überschüttet. Fryer geht dieses Risiko ein, ohne dabei zu beschönigen. Wir hören Schläge auf die Gitarre und Handbewegungen an den Saiten, aber das trägt nur zur Intimität der Aufnahmen bei und bindet den Zuhörer ein.

Fryers Ziel? Nach Einfachheit streben, wohl wissend, dass die Schönheit der Einfachheit vielleicht am schwierigsten zu erreichen ist. Ob diese Platte nun das erreicht, was sie erreichen wollte, oder ob Fryer selbst vielleicht der Meinung ist, dass sie ihr Ziel verfehlt, sie spiegelt perfekt einen Moment wider, der in der Zeit eingefangen wurde und wunderschön gestaltet ist.

Die Verwendung des Berimbaus zeigt Fryers anhaltendes Interesse daran, perkussive Elemente in den Vordergrund zu rücken. Kürzere Überleitungstitel, die einzelne Stücke miteinander verbinden, tragen dazu bei, eine Erzählung zu schaffen, die sich durch den Kern der Platte zieht. Es ist klar, dass die Absicht darin bestand, eine „Platte“ aufzunehmen, im Gegensatz zu einzelnen Versatzstücken, aber wir sollten es uns verkneifen, sie als Konzeptalbum zu bezeichnen.

Einfachheit ist die höchste Form der Raffinesse, was in diesem Zusammenhang auch bedeutet, dass es viel harte Arbeit erfordert, etwas einfach zu machen. Das ist sicherlich ein erstrebenswertes Ziel.

Jonny Fryer ist Komponist und Gitarrist und veröffentlicht seine Musik über Trestle Records, ein in London ansässiges Label, das sich auf Instrumentalmusik spezialisiert hat und die Heimat der „One Day Band“-Sessions ist.

Zu seinen früheren Kooperationen gehört die Zusammenarbeit mit dem Trestle-Records-Kollegen Adam Coney an ihrem Album Calibos aus dem Jahr 2013 sowie die Gründung der Gruppe Tout, deren neuestes Album Fourth Ende 2024 bei Trestle Records erscheinen wird. © Texte: Liner Notes

Jonny Fryer – Saudade. Ist eine von 2 Veröffentlichungen von Trestle Records, die im Januar 2025 erscheinen. Saudade=bedeutet Sehnsucht oder auch Weltschmerz und es ist eine Ahnung für den kommenden Sommer. Man kann fast das Licht hören. Mit Elementen aus Bossa Nova, Samba und Jazz ist seine Musik gefüllt, ohne zu süßlich zu werden. Die Musik besticht durch ihre Raffinesse.

Blue Lake – Weft / Tonal Union

Mit dem neuen Projekt „Weft“ von Blue Lake betritt der Schöpfer Jason Dungan mit einem Mini-Album, das die Entwicklung des Projekts präsentiert, musikalisches Neuland. Er lässt sich vom Handwerk des Flickwerks inspirieren und lebt als Bandleader einen kollektiven Geist, während er gleichzeitig ein neues Studioalbum vorbereitet, das später im Jahr 2025 erwartet wird. © Texte: Liner Notes

Es folgt auf das gefeierte Album „Sun Arcs“ (2023), das von Pitchfork (Best New Music, 8.3) und zahlreichen anderen ausgezeichnet wurde. Blue Lake ist das fortlaufende Musikprojekt des in Amerika geborenen und in Kopenhagen lebenden Musikers Jason Dungan, das ihm als künstlerische Plattform für seine Arbeit als Komponist und Kollaborateur dient. Das Projekt wurde im Laufe des Jahres 2024 entwickelt und bei Live-Auftritten in einer Reihe von europäischen Weltstädten und auf Festivals vorgestellt. Es befindet sich an einem neuen kreativen Wendepunkt. Der erdige Titeltrack „Weft“ entsteht mit einem Gefühl von Leichtigkeit und Vertrautheit, wenn sich schleifenförmige Gitarrenriffs in offenen Stimmungen um einen warmen Cello-Puls legen, der den wesentlichen Herzschlag liefert. Diese ineinandergreifenden Teile fügen sich zu seiner bisher explizitesten Version einer amerikanischen Country-Musik, die in Skandinavien geschrieben wurde, zusammen. Dungan nannte die Veröffentlichung „Weft“ in Anlehnung an die Webpraxis seiner Partnerin, der dänischen bildenden Künstlerin Maria Zahle, deren Werk „Torso“ auf dem Cover des Albums zu sehen ist. Da ihre Werke eine ständige Inspirationsquelle für seine Musik und seine Tätigkeit als Instrumentenbauer darstellen, fand Dungan eine symbiotische Verbindung zwischen ihren Medien, die sich in der Musik auf „Weft“ widerspiegelt.

„Es gibt eine nicht ganz so subtile visuelle Beziehung zwischen den Saitenmassen auf dem Instrument und den Fadenmassen auf einem Webstuhl. Das Weben ermöglicht eine enge Beziehung zwischen den vielen einzelnen Teilen eines Stücks sowie dem fertigen Ganzen, und ich denke, dass die Beobachtung ihres Prozesses am Webstuhl über viele Jahre hinweg meine Sichtweise auf Musik tiefgreifend beeinflusst hat.“

Ein einzigartiges Element des Gesamtklangs war die Konzentration auf Erstaufnahmen und die Bevorzugung von Instrumenten, die in früheren Aufnahmen selten verwendet wurden: Klavier, Melodica, 12-saitige Gitarre. Drei von fünf Titeln wurden vollständig oder hauptsächlich live aufgenommen, mit Ausnahme von „The Forest“ (aus Andersabo, Schweden), der Rest wurde im Winter 2023/24 in seinem Heimstudio in Kopenhagen aufgenommen. Mehrere übereinandergelegte Akustikgitarren bauen sich langsam auf und verändern ihre Form, begleitet von Zither-, Klavier-, Flöten- und Klarinettenklängen. Selbst der leise hörbare Atem von Dungan selbst fügt sich zu einem endlos wandelbaren Wandteppich aus Formen und Farben mit unendlicher Tiefe zusammen. Drei Schlüsselkomponenten bilden die greifbare Struktur von „Weft“, während Dungan seine Fähigkeiten als „Songwriter“ unter Beweis stellt und gleichzeitig seine „Live“-Praxis weiterentwickelt, wobei das „Studio“ als Kompositionsraum dient, um zu erforschen, neu zu gestalten und die endgültige Form zu finden. Bei „Oceans“, einem Folk-Gegenstück zum Opener „Weft“, überflutet Dungan den Zuhörer mit seiner eigenen Form des Geschichtenerzählens, aber auch hier ohne Worte. Aufgebaut aus einer einzelnen Nylongitarre, einigen Gitarrensträngen und gezupftem Cello-Bass – entwickelt sich eine Erzählung, die persönliche Assoziationen mit einer weiten Fläche auslöst. Eine Erinnerung an die menschlichen Stränge, die im Kern seines Schreibens immer präsent sind.

Dungan heißt die Band Blue Lake im Studio auf „Tatara“ willkommen, benannt nach einem Vulkan in der Andenkette, der zum Lebenswerk seines Vaters, eines Geologen, wurde. Das Stück wurde bei den Proben für eine Reihe von bevorstehenden Live-Konzerten geschrieben und entwickelt und wird von Carolyn Goodwin (Bassklarinette), Tomo Jacobson (Kontrabass) und Pauline Hogstrand (Bratsche) gespielt. Die aufgenommene Version war die allererste Aufnahme, bei der die Band versuchte, eine Unmittelbarkeit in ihrer Darbietung einzufangen. Jason sammelte Fundstücke, die er in dem Bauernhaus in Schweden gefunden hatte: Metall, Treibholz, einen Fahrradreifen, und fügte dann experimentelle perkussive Elemente hinzu, darunter seine eigene handgefertigte geschnitzte Baumstammtrommel, was zu einem Ausbruch im Feuerschein führte, der eine einsame Gestalt darstellen könnte, die sich der Gleichgültigkeit der Landschaft bewusst ist. „Strata“ schließt die Sequenz mit einer betörenden Live-Soloaufnahme auf einer neuen 36-saitigen Zither ab, die von Dungan entworfen und von einem örtlichen Geigenbauer handgefertigt wurde. Ihre lauteren, satteren und tieferen Töne erklingen in Hülle und Fülle.

„Weft“ ist eine Sammlung neuer Werke, die ein Netz in neue Klangterritorien mit unverwechselbaren Klangfarben auswerfen, die jedoch immer durch die verfeinerte Linse von Dungans Prisma geleitet werden. Durchdrungen von einer fortwährenden Verbindung zur Natur erweitert es darüber hinaus seine einzigartige Verschmelzung von schrägem Folk, Jazz, Country und experimenteller Ambient-Musik. „Weft“ ist das Ergebnis von Wachstum, kühneren Zielen und der Zusammenarbeit mit Gleichgesinnten. Das Blue Lake-Projekt macht einen dynamischen Schritt nach vorne, indem es sich in neue kreative Räume vorwagt und dabei einige Spuren hinterlässt. © Texte: Liner Notes

Das letzte Stück von Weft ist „Tatara“. Jason Dungan alias Blue Lake hat es zusammen mit mehreren Gästen aufgenommen. Die Instrumente der Gäste bringen viele Farben in das Stück. Genau das vermisse ich bei den anderen. Für mich ist es das Interessanteste. Die tolle Stimmung von „Weft“, dem Eröffnungsstück, rettet uns über die Zeit.

Yair Elazar Glotman & Mats Erlandsson – Glory Fades / Xkatedral

„Glory Fades“ ist ein Liederbuch, das in einer gemeinsamen musikalischen Sprache geschrieben wurde, die von Yair Elazar Glotman und Mats Erlandsson entwickelt wurde und intime musikalische Räume schafft, die sich hauptsächlich auf akustische Instrumente konzentrieren, wobei elektronische Pendants für Licht und Schatten sorgen. In den acht Liedern auf der Platte entfaltet sich jedes Stück nach seiner eigenen Logik, während es gleichzeitig die übergreifende Tonalität des gesamten Liederbuchs widerspiegelt. Die Musik konzentriert sich auf die Topographie, die durch einen melodischen und harmonischen modalen Rahmen umrissen wird, und auf die Erkundung des negativen Raums, der im Verfall und zwischen den Noten zu finden ist. . © Texte: Liner Notes

Diese Musik erzeugt eine Spannung, die durch einen reduzierten und starken emotionalen Ausdruck an der Oberfläche und die darunter verborgenen komplexen Strukturen entsteht, in denen das harmonische Material schimmert und sich verschiebt und Tempo und Taktart unmerklich modulieren. Die Instrumentierung bildet ein nicht-traditionelles Kammerensemble, das aus gezupften und gestrichenen Akustikgitarren, Zithern, Glocken, Kontrabass, Violine und Schlagzeug besteht und durch manipulierte Tonband- und Reamplifikationstechniken zusätzlich bearbeitet wird.

Mats Erlandsson ist Teil des in Stockholm, Schweden, wieder auflebenden Bereichs der Drone-Musik und mit Praktiken verbunden, die durch die extensive Verwendung von anhaltendem Klang gekennzeichnet sind. Durch die Verwendung von synthetisierten und aufgenommenen analogen und digitalen Klängen, kontaminierten Feldaufnahmen und umfangreicher Bandverarbeitung entfaltet seine Musik langsam Sätze von präzise abgestimmtem harmonischem Material, während sich die strukturellen Eigenschaften der imaginären Räume, in denen die Musik Gestalt annimmt, verschieben, schimmern und von spärlich und offen zu dicht und klaustrophobisch wechseln. Neben seiner eigenen künstlerischen Tätigkeit arbeitet Erlandsson als Studiotechniker im weltberühmten Elektronmusikstudion (EMS) in Stockholm und hat häufig elektroakustische Musik und neue Musik aus Schweden in Konzerten präsentiert.

Yair Elazar Glotman ist ein in Berlin ansässiger Komponist und Musiker. Glotman wurde in klassischer Musik als Orchestercontrabassist und in elektroakustischer Komposition ausgebildet. Seine Arbeit für den Film sowie seine unabhängigen Musikveröffentlichungen sind sowohl von klassischen als auch von elektroakustischen Traditionen geprägt und bedienen sich einer Reihe von Improvisationen, erweiterten Kontrabass-Techniken und einem besonderen Interesse an strukturellen und räumlichen Kompositionen sowie an der Kombination von analoger und digitaler Verarbeitung. Seine Kompositionen für Filme begannen durch seine enge Zusammenarbeit mit dem einflussreichen, verstorbenen Komponisten Jóhann Jóhannsson, für den er zusätzliche Musik für Mandy (2018) schrieb und an der Komposition von Last and First Men (2020) mitwirkte. Er arbeitete auch an zwei mit einem Oscar ausgezeichneten Soundtracks mit (Joker und All Quiet on the Western Front). Glotman veröffentlicht und spielt auch regelmäßig seine eigene Musik, die bei namhaften Labels wie Deutsche Grammophon, Bedroom Community und Subtext Recordings veröffentlicht wurde.

Als Duo arbeiten Glotman und Erlandsson seit 2015 zusammen und haben zuvor Musik auf den Labels Miasmah Recordings und 130701 veröffentlicht. Diese Aufnahme ist der dritte Teil einer Reihe von gemeinsamen Aufnahmen und Live-Präsentationen von Yair Elazar Glotman und Mats Erlandsson und wird ihre erste sein, die bei XKatedral veröffentlicht wird. © Texte: Liner Notes

Das Liederbuch von Yair Elazar Glotman & Mats Erlandsson ist eine Kammermusik, die in ihrer Gänze überzeugt. Es ist das Release, das mich am meisten beeindruckt hat. Die Liner Notes dazu sind sehr aussagekräftig.

Adam Coney & Richard Pike – Driftingland: For Guitar & Piano Vol. 1 / Trestle Records

Driftingland ist die erste Zusammenarbeit zwischen Adam Coney (Gitarre) und Richard Pike (Klavier), die sich auf eine Sprache des tiefen Zuhörens, der Ehrfurcht vor dem Klang, der Zurückhaltung und der Destillation von Ideen konzentriert. Ende 2021 entdeckte Pike, dass er sich zum Klavier hingezogen fühlte, als er sich mit Coney anfreundete. In seiner Freizeit filmte Pike seine Improvisationen, die er in den kälteren Monaten als eine Art Freitagabend- Session betrachtete, und lud sie dann in die sozialen Medien hoch. Hier fragte Coney, ob er bei einem der Experimente mitmachen dürfe, was zum ersten Angebot wurde, das Sie hören, „Europe At Dawn“. Nachdem dieses Stück aus der Ferne in ihren jeweiligen Heimstudios aufgenommen worden war, traf sich das Duo regelmäßig, um ihre „Echtzeit-Kompositionen“ aufzunehmen, und „Driftingland“ war geboren. © Texte: Liner Notes

„Driftingland“ bezieht sich auf die geografische Region Thanet in Kent, Großbritannien, wo die Künstler leben, dem südöstlichsten Punkt Englands. Ein Gebiet, das einst eine Insel war, heute eine Halbinsel ist und eines Tages vielleicht wieder ins Meer abdriftet.

Es bezieht sich auch auf die fließende Natur des Projekts, eine Reihe geduldiger und unaufgeregter Gespräche zwischen zwei engen Freunden, mit wenig Programm außer Zuhören, Erkunden der Tonalität und der antiphonischen Natur zweier Instrumente in einem Raum: Gitarre und Klavier.

Das Ziel war klar: einen gemeinsamen Ort der strukturellen und harmonischen Erkundung zu erreichen, mit wenig Effekten oder Nachbearbeitung, in einer Zeit, in der die meisten Aufnahmen einen gewissen Grad an Elektronik und Verarbeitung durchlaufen. Nur die beiden reinen akustischen Instrumente sind zu hören, mit allem, was dazu gehört, das Knarren, die Stille und die Luft des Raumes, die genauso wichtig sind wie die Auswahl der Töne.

Diese Aufnahmen haben eine fortlaufende Interaktion zwischen den beiden Komponisten/Musikern eröffnet, daher der Titel der ersten Sammlung „Volume 1“, mit impressionistischen, spärlichen, aber harmonisch unvorhersehbaren Ergebnissen.

Die Platte ist ein Artefakt zweier Freunde und Künstler, die gemeinsam einen neuen gemeinsamen Raum schaffen, in dessen Mittelpunkt Interaktion und Geduld stehen. © Texte: Liner Notes

Das Duo Adam Coney & Richard Pike (Gitarre und Klavier) ist ein entspanntes, ungezwungenes und intimes Gespräch. Das Verklingen der Saiten, die Stille zwischen den Tönen und vor allem das Zuhören, sind für sie das Wichtigste.

Stein Urheim – Speilstillevariasjoner / HUBRO

Der Gitarrist und Komponist Stein Urheim ist seit über zehn Jahren ein prominenter Künstler im HUBRO-Katalog. „Speilstillevariasjoner“ ist sein siebtes Album für das Label unter seinem eigenen Namen, zusätzlich zu Beiträgen zu Alben von Erlend Apneseth, Benedicte Maurseth, einem Duo mit Jørgen Træen und zuletzt dem von der Kritik gefeierten „Barefoot in Bryophyte“ mit Mari Kvien Brunvoll und Moskus.

Für „Speilstillevariasjoner“ lud Urheim eine Gruppe höchst unterschiedlicher Musiker zur Zusammenarbeit ein, was zu seinem bisher originellsten und kompromisslosesten Album führte. Das Ergebnis wird sowohl als poetisch, atmosphärisch als auch berauschend empfunden. © Texte: Liner Notes

Bereits bei seinem HUBRO-Debüt Kosmolodi (2012) und später bei Utopian Tales (2017) zeigte sich Urheims Interesse an der Mikrotonalität. Auf seinem Soloalbum Simple Pieces and Paper CutOuts (2019) entstanden die Kompositionen durch das Experimentieren mit offenen Gitarrenstimmungen.

Auf Speilstillevariasjoner steht diese Erkundung alternativer Stimmungen noch stärker im Vordergrund. Das Interesse an reiner Stimmung und Mikrotonalität dominiert sowohl den Kompositionsprozess als auch den Ausdruck. „Der eigentliche Spielstil auf der Gitarre ist sowohl von der chinesischen Gu-Qin-Musik als auch von der norwegischen Volksmusik auf der Langeleik inspiriert. Ich bin auch schon lange von Komponisten fasziniert, die verschiedene Formen reiner Stimmungen als Kompositionsmethode verwenden, wie Eivind Groven, Lou Harrison und La Monte Young“, sagt Urheim.

Die Gitarren sind bundlos und haben eine einzigartige Kombination von Saiten, die zur Stimmung passen. „Die Anordnung macht es unmöglich, wie bei einer herkömmlichen Standardgitarre zu denken oder zu spielen, sodass man nicht in bekannte Muster verfällt. Stattdessen wird man zu einer einzigartigen Art des Spielens und Schaffens innerhalb einiger weniger Grundtöne geführt. Ein Großteil der Grundlage für die Kompositionsmethode ergibt sich aus dem Zusammenspiel zwischen mir, meinen Mitmusikern und dieser unorthodoxen Gitarrenausstattung und den Möglichkeiten, die sie bietet. Die „Speilstille-Stimmung“ schafft Einschränkungen, hat mir aber auch eine ganze musikalische Welt eröffnet.“

„Die Idee für das Ensemble von Musikern war ziemlich intuitiv und spontan – aber ich habe schon mit mehreren von ihnen zusammengearbeitet und finde sie alle unglaublich interessante Künstler“, sagt Urheim. © Texte: Liner Notes

Der Norweger Stein Urheim erschafft mit seinen Gitarren einen einzigartigen Klangkosmos. Unterstützt von Künstler:innen wie Ike Mori und Sam Gendel entfaltet er eine komplexe und fröhliche Musik. Es ist ein Kaleidoskop aus Melodien, Klängen und Farben, das sich ständig verändert und mich in eine Welt voller Klangfarben entführt.

Dies ist ein Album für aufmerksame Zuhörer, für diejenigen, die sich gerne in der Klanglandschaft verlieren. Es ist für alle, die schon einmal beobachtet haben, wie sich eine Reflexion über das Wasser kräuselt, und für einen Moment dachten, dass sie eine Welt jenseits ihrer eigenen sehen. – Vito Camarretta

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Jonny Fryer – Saudade / Trestle Records

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