Kris Davis ist ein Energiebündel und ein Universalgenie
Vor ein paar Tagen hatte ich hier einen Beitrag über Ihr Label Pyroclastic Records veröffentlicht. Jetzt hat Britt Robson ein Interview mit Kris Davis geführt und ihre wichtigsten Veröffentlichungen zusammengestellt. Ich habe mal das ganze übersetzt (deepl), weil ich es so toll finde, was Kris Davis macht und denkt!
2019 veröffentlichte die Pianistin Kris Davis das Debütalbum ihrer Gruppe Diatom Ribbons, ein ehrgeiziges, originelles Projekt, das sowohl in seiner Reichweite als auch in seiner Reichweite außergewöhnlich ist. Es war ein günstiges Jahr für Davis, die jetzt Anfang 40 ist. Sie hatte gerade den Status der Gemeinnützigkeit für ihr Label Pyroclastic Records erhalten, das ihre Musik in den vergangenen drei Jahren veröffentlicht hatte, und war nun in der Lage, andere Gleichgesinnte in ihrem Umfeld zu präsentieren. Außerdem wurde sie in den Lehrkörper des neu gegründeten Institute for Jazz and Gender Justice am Berklee College of Music in Boston berufen. Und Diatom Ribbons wurde sowohl von der New York Times als auch vom NPR Jazz Critics Poll zum Album des Jahres gekürt.
Ein Jahr später wurde Davis von der Jazz Journalist Association sowohl als Pianistin als auch als Komponistin des Jahres ausgezeichnet – letzteres ist besonders wichtig, da sie sich zunächst in einem Umfeld profilierte, in dem die freie Improvisation Vorrang vor der Komposition hatte.
Kurz gesagt: Kris Davis ist ein Kraftpaket und ein Universalgenie, das nie aufgehört hat, sich weiterzuentwickeln. Als ich Diatom Ribbons im März in einem Konzert sah – dem ein ausgedehntes Set mit meist spontanen Klavierduetten zwischen Davis und Craig Taborn vorausging – hatte sich die Band zu einem anderen, aber ebenso fesselnden Klangkörper entwickelt, der Eigenkompositionen mit Songs von Ronald Shannon Jackson, Geri Allen und Wayne Shorter mischte, wobei die Turntablist Val Jeanty ihre und Davis‘ Elektronik wieder mit Gesangssamples des Komponisten oder anderen relevanten Audios unterstrich.
Eine Woche nach diesem Auftritt sprachen wir mit Davis über die Art und Weise, in der ihre zahlreichen Aktivitäten – Labelgründerin, Lehrerin, Pianistin und Komponistin – in der Tat einen Wandel für ein größeres kulturelles Bewusstsein und eine wachsende kreative Gemeinschaft bewirken.
Als Sie 2016 Pyroclastic Records ins Leben riefen, waren Sie weit weniger bekannt als heute. Warum haben Sie sich zu diesem mutigen Schritt entschlossen?
2016 habe ich ein Album mit dem Titel „Duopoly“ herausgebracht, das von einer Stiftung zur Förderung der Kunst finanziert wurde. Da ich das Album vollständig besaß, machte es keinen Sinn, es an andere Labels zu verkaufen, mit denen ich zusammenarbeitete. Also beschloss ich, einen Raum zu schaffen, der als Plattform für meine Musik dienen und sie schließlich auch anderen Künstlern zugänglich machen sollte, mit denen ich zusammengearbeitet hatte oder die Teil der kreativen Musikgemeinschaft in Brooklyn waren.
Ich wandte mich an die VLA [Volunteer Lawyers for the Arts] in New York und ließ mich beraten und belegte einige Kurse, wie man eine gemeinnützige Organisation gründet. Ich habe mit anderen Jazzkünstlern gesprochen, die Labels gegründet haben, mit Leuten wie John Zorn und Dave Douglas. Der Status der Gemeinnützigkeit wurde mir 2019 zuerkannt und ermöglichte es mir, das Label so weit auszubauen, dass ich sechs Alben pro Jahr herausbringen konnte.
Das klingt nach einer nicht-traditionellen Konstellation. Wie ist die geschäftliche Beziehung zwischen Ihnen und den Pyroclastic-Künstlern?
Da wir den Status einer Non-Profit-Organisation haben, haben wir einen Vorstand, und Organisationen können dem Label jedes Jahr für unsere Grundfinanzierung und Ausgaben spenden. Wenn wir darüber hinaus irgendeinen Gewinn mit dem Label machen, fließt dieser zurück in die Unterstützung der Künstler, und so funktioniert das Ganze.
Wenn es darum geht, was das Label veröffentlicht, schicken die Künstler meist Alben ein, die komplett fertig sind. Wir geben jedes Jahr ein paar Künstlern etwas Geld, damit sie ein Album aufnehmen und produzieren können. Aber im Allgemeinen bekommen wir so tolle Projekte, die bereits aufgenommen sind, dass wir diesen Weg gehen.
Was die Leistungen für die Künstler betrifft, so übernehmen wir in der Regel das Mastering, wenn es nötig ist, sowie den Druck und die PR – was wirklich ein großer Vorteil des Labels ist; sie können ein paar Monate lang mit einem großartigen Publizisten zusammenarbeiten, wenn das Album herauskommt.
Jetzt, wo es so viele Künstler gibt, wird es zu einem größeren Dach für bestimmte Arten von musikalischen und kulturellen Abenteuern – kreative Musik, die nicht kommerziell ist. Es beginnt, eine Fangemeinde zu schaffen.
Neben Pyroclastic und Ihrer eigenen blühenden Musikkarriere unterrichten Sie auch am Institute for Jazz and Gender Justice in Berklee. Das kam durch eine Freundschaft mit der Schlagzeugerin Terri Lynne Carrington zustande, die mit einem E-Mail-Austausch über Ihre gegenseitige Bewunderung begann, richtig?
Ja, es war kurz nach Geri Allens Tod im Jahr 2017. Terri organisierte einige Gedenkkonzerte für Geri und dachte, dass ich eine gute Wahl wäre, um zu spielen. Zur gleichen Zeit gründete sie das Institut in Berklee und fragte mich, ob ich Interesse hätte, dort mitzumachen. Ich habe die Stelle 2018 angenommen und bin dann sieben Monate lang von New York nach Boston gependelt, und dann kam die Pandemie. Ich unterrichtete anderthalb Jahre lang online von meinem Haus aus und zog dann im letzten Sommer nach Boston, um mehr mit der Gemeinschaft hier oben verbunden zu sein.
Ich habe gesehen, dass eine Ihrer Aufgaben, vielleicht sogar Ihre Hauptaufgabe, darin besteht, Programme zu entwickeln, die sich mit geschlechtsspezifischen Fragen in der Musik befassen oder diese umkreisen oder eine Perspektive bieten. Wie hat sich das entwickelt?
Wir sind dabei, eine Institution aufzubauen, haben also noch keine Antworten gefunden, nur den Willen und den Wunsch, eine Botschaft zu vermitteln. Wir hatten schon einige Gastkünstler zu Gast, die über ihre Erfahrungen in der Musikwelt und außerhalb der Musikwelt gesprochen haben. Der [Pianist] Fred Hersch kam und sprach darüber, dass er schwul ist und mit AIDS lebt, und über seinen Aktivismus; Angela Davis kam und sprach; die [Fotografin] Carrie Mae Weems kam. Dann wird es zu einem Gespräch, bei dem die Studenten Fragen zum Thema Geschlecht stellen, wie sie bestimmte Dinge in ihrer eigenen Karriere gehandhabt haben.
Außerdem unterrichten wir im Institut größtenteils in Ensembles. Deshalb haben Terri und ich die Ensembles so zusammengestellt, dass nicht mehr als 50 % eines [Geschlechts oder einer binären Bezeichnung] im Ensemble vertreten sind. Das schafft diese künstliche Erfahrung der verschiedenen Bands, was bei Auftritten außerhalb des Instituts nicht immer der Fall sein wird, aber wir wollten den Studenten die Möglichkeit geben, zu erfahren, wie sich das anfühlt, und sie haben alle einen Unterschied bemerkt.
Worin besteht der Unterschied?
Es gibt mehrere Möglichkeiten, diese Frage zu beantworten. Als ich traditionellere Formen des Jazz studierte, gab es Leitplanken dafür, was Jazz ist und was nicht. Und wenn man sich nicht an diese Regeln gehalten hat, konnte man sozusagen nicht zum Club gehören. So wie „Cherokee“ mit 260 Beats pro Minute zu spielen, oder zu einer Jam-Session zu gehen, die zu einer Cutting-Session wird, und gesagt zu bekommen, man sei nicht gut genug und solle von der Bühne verschwinden. Als ich aufgewachsen bin, habe ich versucht, mich an diese Dinge zu halten, aber vieles davon hat mich nicht angesprochen.
Als ich mich dann mehr der freien Improvisation zuwandte, ohne Komposition, stellte ich fest, dass es in dieser Welt viel mehr Vielfalt gab, vor allem in Bezug auf das Geschlecht. Ich stellte fest, dass bei der Arbeit mit Frauen der Wunsch nach Zusammenarbeit stärker ausgeprägt war als der Wunsch, einer Form zu folgen, die von einem Leiter geschaffen wurde, und deren Vision in erster Linie repräsentiert werden sollte. Und es gab auch Männer, die weniger Tradition und mehr Zusammenarbeit in ihrer Musik wollten. Ich denke, dass sich das alles auf eine gute Art und Weise zusammenfügt, so dass die Menschen letztendlich ihr authentisches Selbst sein können, Schöpfer und Mitwirkende, ohne ihre Ziele ändern zu müssen.
Ich finde es toll, dass du von Vielfalt in Bezug auf Ansatz und Stil sprichst und wie sich das mit Rasse und Geschlecht vermischt. Dieser ganzheitliche Ansatz und die organische Vielfalt sind in der Musik von Diatom Ribbons unausweichlich – sowohl in der Platte, die ihr gemacht habt, als auch als ich die Gruppe im März in einem Konzert gesehen habe. Ob gewollt oder ungewollt, die Musik scheint eine echte Verkörperung dieser vielfältigen Mischung aus Stil, Lebensstil und kulturellem Bewusstsein zu sein.
Ja, ich glaube, das stimmt, obwohl ich nicht glaube, dass ich das beabsichtigt habe. Ich mochte schon immer Leute mit anderen Erfahrungen als ich, damit wir alle etwas anderes einbringen können. Und in Berklee kommen unsere Studenten aus der ganzen Welt, und sie spielen ein Oud oder ein Gayageum – ein Instrument aus Korea – und andere Instrumente, die für sie traditionell sind, für uns aber nicht. Und sie verwenden häufig verschiedene Töne – nicht das 12-Ton-System, das in der westlichen Musik üblich ist. Aber die Menschen wollen auch an der Improvisation beteiligt sein. Und wenn wir wollen, dass die Musik weiter wächst und sich entwickelt, müssen wir diese anderen Arten, über Musik nachzudenken, einbeziehen.
Diese Neugierde steckt in Ihrer Musik. Im Konzert war es köstlich zu sehen, wie Sie einen Flügel vor sich und ein viel kleineres Klavier zu Ihrer Linken sowie eine EFX-Box auf dem kleineren Klavier spielten, und dann zu hören, wie sich die Musik umhüllte und in sich selbst faltete, wie eine Origami-Situation. Das macht mich stutzig: Wenn du in den Club hättest eintreten können, als du aufgewachsen bist, wäre diese Musik vielleicht gekommen, aber vielleicht nicht zu der Blüte, die sie jetzt hat.
In gewisser Weise habe ich das Gefühl, dass sich der Kreis geschlossen hat, weil ich mich jetzt wieder mit traditionelleren Formen beschäftige, wie dem Spielen von Melodien mit Veränderungen und über mehr feste Formen. Aber ich gehe mit einer anderen Mentalität an die Sache heran, nachdem ich den Prozess der freien Improvisation und nicht-traditionelle Denkweisen durchlaufen habe.
Ich will die Musik machen und erforschen. Das Besondere am Jazz ist, dass er die einzige Musik ist, bei der das Publikum wirklich Teil des Entstehungsprozesses sein soll, um zu entdecken, was möglich ist, während es passiert. Wenn ich diese verschiedenen Keyboards anschließe, experimentiere ich, die Band experimentiert, und das Publikum sieht zu, wie sich das Experiment entfaltet. Das ist anders als bei Popmusik oder klassischer Musik, die sehr ausgefeilt und geplant sind. Das ist eine wirklich einzigartige Erfahrung, die ich an das Publikum und an meine Schüler weitergeben möchte.
Ich habe auch das Gefühl, dass bei dieser Art von Zusammenarbeit und Erkundung all die verschiedenen Aspekte Ihres Lebens zusammenkommen – der Gründer eines Plattenlabels für unorthodoxe kreative Musik, der nicht-traditionelle Lehrer, der durch die Linse des Jazz und der Geschlechter schaut, und im Grunde der neugierige, improvisierende Musiker. Ich habe ein Zitat von Ihnen gelesen, in dem es heißt: „Risikobereitschaft ist ein bequemer Raum für mich.“ Sie gehen verschiedene Wege, um sich selbst zu erweitern und andere Erfahrungen einzubringen, die Teil der Vielfalt sind, wenn Sie die Gelegenheit dazu sehen. Und es scheint, als würdest du diese Gelegenheiten im Moment optimal nutzen.
Ja, genau. Wenn die Musik anfängt, sich zu bequem anzufühlen, dann fühle ich mich unwohl. Wir haben zum Beispiel eine Woche, nachdem du uns gesehen hast, eine Show gespielt, und wir mussten sie aufmischen und ein paar Veränderungen einführen; wir mussten uns auf die Stücke, die wir spielten, anders beziehen und uns nicht von den Stücken vorschreiben lassen, wie wir spielen sollten.
© Bandcamp Daily, 17.5.2023
