Release Date: 11.11.2022. Musik von Christina Vantzou, V.A. Beirut Adrift, Colin Stetson, ERIKM & HANATSUmiroir, Etceteral, Sinemis

Wir hören wirklich einzigartiges, schauen nach Beirut, während Drones uns zur nächsten Musik geleiten, wo Hausgeister ala Miyazaki in Unwesen treiben, welche dann durch Trommeln ausgetrieben werden.

christina vantzou – No.5 / Kranky

Als Christina Vantzou auf der Insel Syros in der Ägäis für ein Filmfestival auftrat, erlebte sie etwas, das sie als „einen Moment der Konzentration“ bezeichnete – eine spezifische Vision für die Vielzahl an Rohaufnahmen, die sie für ihr fünftes Album gesammelt hatte. Nach ihrem Umzug auf die Kykladeninsel Ano Koufonisi setzte sie sich mit Laptop und Kopfhörern an einen Terrassentisch, legte kurze Badepausen ein und begann mit dem „reduktiven Prozess“, bei dem sie das Ausgangsmaterial zu unruhigen, aber lyrischen Bewegungen rasierte und formte, die abwechselnd streng und mit seltsamen Anklängen versehen waren: glottales Stöhnen, höhlenartiges Wasser, glitzernde Wirbel von modularen Synthesizern, schmachtende Stille. Dass sie die Stücke selbst abmischte, ohne einen Tontechniker hinzuzuziehen, verstärkte die Intimität und die autobiografische Dimension der Musik; sie bezeichnet No. 5 als „fast wie ein erstes Album“.

Christina Vantzou

Vantzous Schnittinstinkt, der auf Sessions im Februar 2020 beruht, betont den Prozess und die Isolation, hebt Resonanz und Zurückhaltung, Liquidität und lange Ausläufer hervor. Die flüchtigen Konfigurationen aus Klavier, Bläsern, Streichern, Synthesizern und Feldaufnahmen sind sowohl Räume als auch Kompositionen, surreale Grotten mit wechselndem Licht, durchdrungen von einem Gefühl unsichtbarer Göttlichkeit. Obwohl 17 Musiker auf der Platte zu hören sind, fühlt sich das Werk minimalistisch und plastisch an, geformt aus einzelnen Momenten und seltsamen Synchronizitäten. Die Definition eines Komponisten als „jemand, der Dinge verbindet“ wird hier sowohl ausgelotet als auch bewiesen; Vantzou beschreibt Nr. 5 als „ein Loslassen“, einen Ort „weicher Grenzen“, unfixiert und undefinierbar. Text: Label



V.A. Beirut Adrift / Norient

Diese Zusammenstellung wurde von der libanesischen Schriftstellerin und Pädagogin Rayya Badran kuratiert. Sie versammelt einige von Badrans Lieblingsstücken, die in Beirut veröffentlicht wurden. Eine sehr persönliche Auswahl, die die Bewegungen der Trauer und des unbändigen Drangs, der Hingabe und der Flucht, der Erinnerung und der Erinnerungslücken einfängt.

Die Zusammenstellung ist Teil des Norient Online Specials Norient City Sounds: Beirut. Diese multimediale Publikation porträtiert in Worten, Klängen, Filmen und Bildern eine Stadt, die inmitten anhaltender politischer und sozialer Unruhen von einer sich verschärfenden Finanz- und Wirtschaftskrise heimgesucht wird. Die Stadt und ihre Künstler und Musiker haben in dieser schwierigen Zeit auf unterschiedliche Weise Widerstand geleistet, während sie in Dunkelheit versunken und von den traumatischen Ereignissen seit 2020 geschüttelt sind.

Rayya Badran ist Schriftstellerin, Übersetzerin und Pädagogin und lebt in Beirut. Ihre Texte und Übersetzungen wurden in verschiedenen Publikationen wie Bidoun, Ibraaz, Art Papers, Norient, The Wire und anderen veröffentlicht. Seit 2014 unterrichtet sie Kurse über zeitgenössische Kunst und Sound Studies an der Abteilung für Bildende Kunst und Kunstgeschichte der American University of Beirut und hat eine zweimonatliche Sendung auf Radio al Hara.

Norient City Sounds (NCS) ist eine multimediale Reihe von virtuellen Ausstellungen und digitalen Publikationen. Sie erforscht und kommuniziert die Musik und die Klänge von Städten auf der ganzen Welt. NCS stellt Städte in den Mittelpunkt, als einen Raum, der Musik und Klänge hervorbringt und formt, sie aber auch verändert und manchmal sogar ausschließt. NCS ermöglicht eine virtuelle Reise in eine Stadt in Zeiten, in denen physisches und individuelles Reisen zunehmend komplexer und in Frage gestellt wird. Text: Label




Colin Stetson – Chimæra I / Room40

Einem Körper sind Grenzen gesetzt. Er bewegt sich innerhalb physischer Grenzen und biologischer Zwänge. Während manche diese physiologischen Grenzen als Endstation betrachten, sehen andere wie Colin Stetson sie als einen Knotenpunkt der Möglichkeiten und vielleicht sogar der Expansion. In dieser Zone unbeständiger Spannung und Verheißung ist sein neues Album Chimæra angesiedelt.

Chimæra besteht aus einer Reihe von ausgedehnten Drone-Stücken für Saxophon und stellt einen völlig neuen Arbeitsstrang für Stetson dar. Dieser Faden hält gleichzeitig Zustände von reduktivem Minimalismus und reaktivem Maximalismus aufrecht. Das Album drängt seine physischen Fähigkeiten, sowohl als Körper als auch als Spieler, auf ein neues Terrain. Die Stücke offenbaren seine zunehmend verfeinerte Fähigkeit, Werke zu komponieren, die nach außen drängen und die Grenzen von Klangfarbe, Harmonie und auch Dichte austesten.

Colin Stetson

Jedes der beiden Stücke von Chimæra ist von einer fast geologischen Sensibilität geprägt und zeichnet die imaginären Höhlen, verborgenen Hohlräume und wogenden Magmaströme einer Unterwelt nach, die jenseits des uns bekannten Alltags existiert. Sein Instrument atmet wie der Wind, der aus den Lavaröhren strömt. Die Stücke sind fühlbar, verschlingen den ganzen Körper und die Ohren mit gleicher Heftigkeit. Es ist ein Album, das einen tief geschichteten Sinn für Klangschichten mit einer unerschütterlichen harmonischen Finesse verschmilzt.

Seit mehr als einem Jahrzehnt arbeitet Stetson an einer beeindruckenden Reihe von Werken, die sich mit der Physiologie des Klangs befassen. Seine Lungen formen den Klang durch die sich windenden metallischen Bahnen seiner Saxophone. Dieses Werk ist eine Öffnung zu einem neuen unterirdischen Strom seines Spiels und rückt ihn in den Mittelpunkt eines sich ständig erweiternden Werks, das die Möglichkeiten des von ihm gewählten Instruments definiert. Text: Label



ERIKM & HANATSUmiroir – Echoplasme / Bisou Records

Das Unsichtbare hervorholen, Geister beschwören.
Da ich meines Wissens noch nie einem Gespenst oder einem anderen Ektoplasma begegnet bin, erschien mir der Gedanke, einige von ihnen grafisch darzustellen, sehr gefährlich. Es kamen mir nur Klischees in den Sinn. Nach einigen unheimlichen Skizzen weckten diese Skizzen meine Vorliebe für Allegorien. Wie bei meiner ersten Begegnung mit dem Ensemble von HANATSUMiroir nahm ich einen Stock und zeichnete eine Grimasse in die Asche. Das Vorzimmer, in dem wir uns getroffen hatten, war ein beengter, fensterloser Raum. Um die Resonanzen dieses undankbaren Raumes zu minimieren, hatten wir schwarze Beine in Armlänge an den Wänden befestigt. Der Raum schwoll unter einem neonfarbenen Himmel an und wogte unheilvoll. In dieser gequälten Atmosphäre war das seltsame Gefühl, nicht drei, sondern vier Wesen zu sein, der Auslöser für Echoplasma. Die Flötistin Ayako Okubo schien dasselbe Gefühl zu haben: Sie vertraute mir vorsichtig an, dass es sich mit Sicherheit um einen yōkai handelte. Als Neuling auf diesem Gebiet führte mich Ayako in diesen Teil der japanischen Kultur ein. Yōkai können ein Geist, ein Objekt oder ein Tier sein. Oft zeigen sie sich zuerst durch Geräusche in der Dunkelheit.

Die Idee zu diesen Musikstücken entstand beim Hören auf das, was aus dem Nichts kam. Aus dem grauen Punkt chaos1, entweder die malerische Avantgarde von Paul Klee oder die Kämpfe mit den Geistern von Francis Bacon vor der Malerei.

„Vor der Malerei geschahen viele Dinge. Man muss sich von allem befreien, was wiegt, von allem, was vorausgeht, noch bevor man mit dem Malen beginnt.“

Erikm

Diese Aktionen sind Improvisationen, auf Papier fixierte Gesten. Sie sind eng mit meiner Praxis des Klangs, des Gehens und der Meditation verbunden. Diese Serie von Tuschen und Scans ist eine nicht erschöpfende Auswahl, die während der Pandemie 2020 entstanden ist. Mit der Trockenheit meiner Tinte haben sich diese nekromantischen Schmeicheleien aufgelöst. Text: Label



ETCETERAL – Rhizome / Glitterbeat Records

Die Idee der musikalischen Elastizität steht im Mittelpunkt von Rhizome, dem zweiten Album des slowenischen audiovisuellen elektronischen Jazztrios Etceteral, dem jüngsten Mitglied der Glitterbeat-Familie, das 2020 mit dem Album Ama Gi für Kapa Records debütierte. Nach einer Reihe von Auftritten im In- und Ausland kehrte die Band, bestehend aus Boštjan Simon (Saxophon, Synthesizer, Elektronik), Marek Fakuč (Schlagzeug) und Lina Rica (Visuals), ins Studio zurück und brachte ihren Ehrgeiz, Audio und Visuals zu verschmelzen, auf eine neue Ebene.
auf ihrem Debüt für das tak:til-Imprint auf eine ganz neue Ebene. Auf „Rhizome“ erkundet die Band die Zwischenzone zwischen groovegetriebenem zeitgenössischem Jazz, quantisierter elektronischer Musik, abstrakten modularen Erkundungen und freier Improvisation. Wie Gummi, der sich dehnen und wieder in seine ursprüngliche Form zurückbringen lässt, dehnt Etceteral seine Arrangements bis zum Punkt ohne Wiederkehr aus und treibt seine Klangarchitektur bis zum Maximum, ohne sie jemals in sich selbst zusammenfallen zu lassen. „Ich denke gerne in Begriffen von akustischen Gummibändern. Wir können unsere Musik sowohl rhythmisch als auch harmonisch dehnen, die Tonalität ändern und zum Hauptthema in einer anderen Tonart zurückkehren. Dieser Prozess eröffnet neue Räume für Entdeckungen. Wir haben in letzter Zeit viel von Joshua Abrams und Evan Parker gehört, Musiker, die es verstehen, ihre Musik luftig und weiträumig zu gestalten“, sagt Simon. Text: Label



Sinemis – Dua / Injazero Records

Die tscherkessisch-türkische Produzentin Sine Buyuka debütiert mit ihrem neuen Soloprojekt Sinemis mit dem üppigen, anmutigen Album Dua, das die uralte Sufi-Musik ihres Heimatlandes sanft mit raffiniertem, von Techno inspiriertem Ambient verbindet.

Das Leben von Dua begann mit einer lebensbedrohlichen Krankheit. „Letztes Jahr begann ich mich unwohl zu fühlen und niemand konnte den Grund dafür herausfinden“, schreibt Sine. „Es war eine beängstigende Zeit, in der ich nichts wusste und versuchte, die Symptome in den Griff zu bekommen, während sie sich langsam verschlimmerten. Ende 2021, als ich in den Weihnachtsferien meine Familie in der Türkei besuchte, wurde ich in die Notaufnahme gebracht. Nach weiteren Tests hatte ich eine Diagnose und wurde im Januar operiert. Während des Heilungsprozesses, der nicht nur körperlich, sondern auch emotional sehr anstrengend war, wurde Sine von der traditionellen Sufi-Musik der Türkei und des Nahen Ostens angezogen. Rituelle Musik zur Begleitung alter Sema-Zeremonien, bei denen wirbelnde Derwische durch ekstatische Bewegungen und Wiederholungen in ein transzendentales Bewusstsein eintreten.

Sinemis

Mit diesem Einfluss im Herzen begann Sine die Arbeit an Dua, mit einem neu gebildeten Künstlernamen, um neue, ungewohnte Musik von einem gefeierten elektronischen Produzenten zu kennzeichnen. Für sie ist das Album ein wichtiger Schritt auf dem Weg der Besserung. Es ist aber auch eine starke Verbindung von zeitgenössischen und überlieferten Transzendenzen, die Sci-Fi-Synthese und wummernde Bässe mit mystischen Bildern, Texturen und Klangfarben verwebt. Ein meditativer, spiritueller Balsam, der Feldaufnahmen, gefundene Klänge, Ambient-Soundscapes, Elektronik und akustische Instrumente miteinander verbindet, um das Leben und das Überleben unter schwierigen Umständen zu würdigen. Text: Label




Es ist schon beeindruckend, wie schnell mich die Musik von Christina Vantzou gefangenen genommen hat. Absolut einzigartig. Zum besseren Verständnis habe ich mal ein paar Referenzen zur Musik von Christina herausgesucht:

„Christina Vantzous Musikalität und die ihrer Mitstreiter lässt ihre Musik einfach und unvermeidlich erscheinen, und das zu erreichen, ist bekanntlich die schwierigste Sache von allen.“ – The Quietus

Nr. 4 von Christina Vantzou baut durch minimale Veränderungen eine erschreckende Veränderung. Es ist, als würde man sich im Vergessen, in der Langsamkeit der Dinge trösten. – Drowned in Sound

98 Prozent der Filmkomponisten sind derzeit männlich, Nr. 4 beweist überdeutlich, dass Christina Vantzou genauso viel Talent und Visionen hat wie die meisten von ihnen. – Exclaim

Ich hüte mich vor Superlativen, denn wenn man diese zu oft benutzt, verfehlen sie ihre Wirkung.
Hört euch die neue von Christina Vantzou an, unbedingt!

Rayya Badran kuratierte die Kompilation Beirut Adrift und wenn das ihre Lieblingsmusik ist, dann kann ich sagen: Respekt. Was wissen wir schon über die Kultur und Musikszene in Beirut? Nichts. Und so bleibt mir nichts anderes übrig, als danke zu sagen und Euch ihre Auswahl besonders an die Ohren zu legen.

Colin Stetson’s Musik ist eine körperliche Erfahrung, jedenfalls, wenn man diese auch mit maximaler Lautstärke hören kann. Auf Chimæra sind es nun Drones, die sich wie in Zeitlupe ausbreiten und immer mehr Raum einnehmen. Aber das ganz funktioniert wirklich nur bei maximaler Lautstärke und sehr guten Boxen!
Eine kleine Anmerkung nebenbei. Ich konnte Colin einmal im Konzert erleben und das war ein sehr kurzes und enttäuschendes Erlebnis. Ohne eine sehr gute PA und einen entsprechend guten Sound, wirkt seine Musik überhaupt nicht.

Bei ERIKM & HANATSUmiroir fühle ich mich an die Filme von Miyazaki erinnert. All die Hausgeister, die darin auftauchen und welche so selbstverständlich sind wie der Teekessel über dem offenen Feuer. Und hier liegt die Faszination dieser Musik. Wir hören geisterhafte Stimmen, die sehr gekonnt mit fluiden Klängen untermalt werden. Gerade über Kopfhörer wirkt es sehr unheimlich und spannend. Quasi ein Soundtrack, der mir viel Freude bereitet hat.

Die Musik des Trios Etceteral klingt ziemlich futuristisch, vor allem bei der Verwendung von elektronischen Effekten, was im ganzen eine spannende und rhythmisch abwechslungsreiche Musik ergibt, die irgendwo zwischen Jazz und „was“ liegt. Nun steht ja mittlerweile immer was von Krautrock in den Texten zur Musik, sobald ein Schlagzeug dabei ist. Findet es selbst heraus.

Bei Sine Buyuka alias Sinemis war der Anfang sehr vielversprechend und dann… tja. Vielleicht findet Ihr ja die Musik, die zum Labeltext passt.

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