Release Date: 13.1.2023 Musik von Akmee, Emil Strandberg und Otto Sidharta

Wir hören unerhörte Klänge aus Indien, die mich ziemlich umgehauen haben und Jazzklänge, von 2 Gruppen mit jeweils einer Trompete als Leader. Das neue Jahr fängt vielversprechend an.


AKMEE – Sacrum Profanum / Nakama Records


Akmee ist ein gemeinschaftliches Quartett, das Musik spielt, die von den unbekannten Dingen des Universums und des Geistes inspiriert ist, genauer gesagt von der Musikgeschichte: Free Jazz, zeitgenössische klassische Musik und Psalmen aus Südnorwegen.
Sacrum Profanum ist der Nachfolger von Akmee’s erstem Album Neptun (2018) und erscheint als CD, LP und digitaler Download. Alle Mitglieder der Band trugen mit Kompositionen zu dieser Aufnahmesession bei, die in der Tøyen Kirke stattfand, einer Kirche in Oslo, die auch dafür bekannt ist, Menschen in schwierigen Situationen, die eine religiöse/spirituelle Verbindung brauchen, einen Treffpunkt und Essen zu bieten. Das Quartett wurde von den Gerüchten über einen gut klingenden Flügel in einem hölzernen Kirchenraum und der Neugierde, in einer anderen akustischen Situation zu spielen, dorthin gelockt.


Akmee

Das Quartett wurde 2013 von dem Schlagzeuger Andreas Wildhagen, bekannt von Paal Nilssen-Loves Large Unit und den Gruppen Nakama, Mopti, Momentum und Lana Trio, und dem Pianisten Kjetil Jerve gegründet, der auch im Lana Trio und in anderen Gruppen wie Orter Eparg (wiederum mit Wildhagen) und Baker Hansen spielt. Zu Akmee gehören der Trompeter Erik Kimestad Pedersen, der in den letzten Projekten mit dem dänischen Pianisten Jeppe Zeeberg zusammengearbeitet hat, und der Bassist Erlend Albertsen, der in einer anderen Gruppe des Nakama-Kollektivs, Filosofer, spielt.



Obwohl Akmees Klangwelt schwebend und abstrakt erscheinen kann, beinhaltet die Musik oft einen melodischen und rhythmischen Kontrapunkt als Ausgangspunkt, der in der Improvisation ausgedehnt wird. Diese Eigenschaften führen zu einem Klang, der gleichzeitig technisch, emotional und spirituell ist, je nach Engagement und Persönlichkeit des Zuhörers und der individuellen und kollektiven Kreativität der Interpreten in dem jeweiligen Moment. Die Mitglieder haben eine starke Verbindung zueinander und entdecken musikalisch viel, aber die Band hat kein kommerzielles Potenzial oder Wert. Freiheit! Sie sind herzlich eingeladen, zuzuhören, zu einem Konzert zu kommen oder sich zu verpissen – ganz wie Sie wollen! Das Quartett wünscht Ihnen auf jeden Fall alles Gute. © Text: Label



Emil Strandberg – Tonpoem 2021-2022 / Haphazard Music


Die Grundlage dieser Musik ist die Ensemble-Improvisation: Ausgehend von einem vorgegebenen musikalischen Material gilt es, Noten im Takt und in Beziehung zu den Mitspielern zu setzen – ein Austausch von tonalen und rhythmischen Ideen, der im Handumdrehen variiert wird. Was also ist die Bedeutung der Tongedichte (Tonpoem)? Die Verbindung zwischen dieser Musik und der Poesie ist vor allem ein Interesse an der Form – an der Komposition im weitesten Sinne: ein funktionierendes Ganzes ohne unnötige Teile zu schaffen.

— Emil Strandberg

Emil Strandberg

Der Trompeter Emil Strandberg hat immer die Improvisation in den Vordergrund gestellt und hat im Laufe der Jahre mit folgenden Musikern gespielt: Umlaut Big Band, Michael Zerang, Viktor Skokic Sextet, Paal Nilssen- Love, Joakim Milder, Oskar Schönning, Sten Sandell, Seval, John Russell, Georg Riedel, Philipp Wachsmann, Fire! Orchestra (in der Originalbesetzung) und viele, viele mehr. © Text: Label



Otto Sidharta – Kajang / Sub Rosa


Otto Sidharta wurde am 6. November 1955 in Bandung, Indonesien, geboren. Ende der 1970er Jahre studierte er zunächst in Jakarta unter der Leitung von Slamet Abdul Sjukur, später am Sweelinck Conservatorium in Holland. 2015 absolvierte er sein Doktoratsstudium am Institute Seni Indonesia Surakarta und schloss es 2016 ab. Jahrelang fühlte er sich als Komponist isoliert, nicht nur, weil er in Indonesien lebte, sondern auch, weil die Art seiner Musik außerhalb des Mainstreams der elektronischen Komposition lag. Bis 2019 unterrichtete er viele Jahre lang an den Musikabteilungen mehrerer indonesischer Universitäten. Er leitete auch über fünf Jahre lang ein indonesisches Symphonieorchester und organisierte unter anderem eine Tournee durch Japan.


Otto Sidharta

Bisher unveröffentlichte Musik von Otto Sidharta, einem Pionier der indonesischen elektronischen Musik. Inspiriert von den vielfältigen Stilen der traditionellen Musik Indonesiens, die er zu bewahren versucht, drücken die vier Stücke auf Kajang eine Kontemplation des Selbst aus. Otto Sidharta liebt es, überall in Indonesien zu reisen, um fast alle Töne und Harmonien der Umgebung zu sammeln, die er als endlose Quelle für Kompositionen nutzen kann. Er ist auch tief inspiriert von Indonesiens vielfältigen Stilen traditioneller Musik, die er zu bewahren versucht, da in einigen abgelegenen Gegenden die eigene Tradition sehr stark gepflegt wird.

Was Sidharta wirklich interessiert, ist, dass die Musiker nicht mit anderen Arten von Musik interagieren, wie in den tief gelegenen Dörfern, wo man Klänge findet, die sich sehr natürlich“ anfühlen. Das Ergebnis sind Werke, die Sidhartas persönlichen Eindruck von ihrer Musik zum Ausdruck bringen: „Ich benutze einfach mein eigenes Gefühl, ohne Berechnung“, ohne das Motiv oder den Stil der Stämme zu verwenden. Kajang ist der Name eines Stammes, der im Süden von Sulawesi lebt, einer riesigen Insel im Osten Indonesiens, einer geschlossenen Gemeinschaft, die Sidharta zweimal besuchte: „Sie haben ihre Kommunikation mit der Außenwelt abgeschnitten. Sie leben sehr traditionell und versuchen, jede neue kulturelle Entwicklung zu vermeiden, die ihre Lebensweise beeinträchtigen könnte. © Text: Label

Woher kommt für Sie der Impuls, etwas zu schaffen? Welche Rolle spielen die oft zitierten Inspirationsquellen wie Träume, andere Kunstformen, persönliche Beziehungen, Politik usw.?

Eine kreative Idee entspringt bei mir meist meiner reinen Vorstellung von einem Strom von Klängen.

Sie wird nicht durch eine Erzählung, eine textliche Geschichte oder einen visuellen Aspekt ausgelöst.

Gibt es eine Vorbereitungsphase für Ihren Prozess? Müssen Sie Ihre Werkzeuge auf eine bestimmte Art und Weise vorbereiten, müssen Sie zum Beispiel „recherchieren“ oder „frühe Versionen“ erstellen?

Nein. Das Einzige, was ich tun muss, ist, den passenden Sound für die Idee, die mir vorschwebt, zu entwickeln und auszuwählen. Das herauszufinden, wie man das macht, kann ziemlich lange dauern. Aber wenn erst einmal alle Klänge feststehen, geht der Kompositionsprozess so fließend vonstatten wie das Fließen eines Flusses.

Es sind auch keine Rituale erforderlich. Für mich ist die Tätigkeit des Komponierens selbst das Ritual.

Oft eröffnen sich während des Schreibens neue Ideen und alternative Wege, die den Schöpfer in eine andere Richtung ziehen und drängen. Passiert Ihnen das auch, und wie gehen Sie damit um? Was machen Sie mit diesen Ideen?

Ja, das, was du hier beschreibst, ist tatsächlich manchmal passiert.

Ich würde sagen, solange diese alternative Idee nicht zu weit von der ursprünglichen Idee entfernt ist, werde ich ihr folgen. Wichtig ist, dass die Hauptidee der Klangstrom bleibt, den ich mir ursprünglich vorgestellt habe.

Es gibt viele Beschreibungen des kreativen Zustands. Wie würden Sie ihn für sich persönlich beschreiben? Gibt es ein spirituelles Element in Ihrem Tun?

Komponieren ist für mich wie Beten. Ich fühle mich dem göttlichen Geist sehr nahe, wenn ich komponiere und wenn ich es mir wieder anhöre.

Wie war dein Ansatz für deine aktuelle LP auf Sub Rosa, Kajang? So wie ich es verstehe, hast du für diese Stücke die Kajang besucht, ein Stammesvolk, das im Süden von Sulawesi im Osten Indonesiens lebt.

Die Kajang haben ihre Kommunikation mit der Außenwelt abgeschnitten. Sie leben sehr traditionell und versuchen, jede neue Entwicklung in ihrer Kultur zu vermeiden, die ihre Lebensweise beeinträchtigen könnte.

Es waren keine anderen Musiker an der Arbeit an Kajang beteiligt. Was man auf der fertigen Platte hört, ist nur ich selbst mit dem von mir aufgenommenen Tonmaterial und meinen eigenen ‚Eindrücken‘ von den Menschen, die ich besucht habe, und ihrer Kultur.

Wenn du von Eindrücken sprichst – bedeutet das, dass die resultierenden Stücke keine Samples oder konkrete Themen aus ihrer Musik verwenden?

Richtig, ich habe ihre musikalischen Elemente nicht übernommen.

Selbst wenn ich einige Klänge aus der von ihnen gespielten Musik verwendet habe, waren diese Elemente nur sehr kurz. Sie verraten nichts von ihren spezifischen rhythmischen Mustern oder Motiven.

Was machen Sie dann konkret vor Ort?

Wenn ich einen Ort besuche, wie ich es für diese Platte getan habe, laufe ich normalerweise einfach herum, höre auf die Geräusche um mich herum und nehme sie auf. Ich spreche mit jedem, mit dem ich mich unterhalten möchte, beobachte alles, was mein Interesse weckt – Menschen und Natur.

Bei einem Projekt wie diesem versuche ich normalerweise, so viele Eindrücke wie möglich zu sammeln und ihre Kultur zu verstehen. In gewisser Weise habe ich in dieser frühen Phase noch nicht wirklich über die Idee nachgedacht oder einen Plan gemacht, wie ich aus den gesammelten Eindrücken etwas erschaffen könnte.

Die Musik entsteht also viel später.

Ja, sie entsteht in der Regel, nachdem ich nach Hause zurückgekehrt bin, und nachdem eine ganze Weile vergangen ist – das kann bis zu einem Jahr dauern. In gewisser Weise entsteht sie, wenn ich meine Erinnerungen an die Reise wieder aufrufe.

An diesem Punkt kommt mir eine Idee und ich habe das Bedürfnis, meine Gefühle und Gedanken darüber auszudrücken. Das heißt aber nicht, dass es immer so abläuft.

Wie haben die Kajang nach der Fertigstellung von Kajang auf Ihre Arbeit reagiert?

Wenn ich mit den traditionellen Völkern darüber spreche, was ich auf der Grundlage ihrer Musik oder Klanglandschaft geschaffen habe, sind sie meist erstaunt und dankbar. Sie fanden ihre Freiheit und ihr Selbstvertrauen in Bezug auf ihre Musik wieder.

Besonders im digitalen Zeitalter tendiert der Schreib- und Produktionsprozess ins Unendliche. Was markiert das Ende des Prozesses? Wie beenden Sie ein Werk?

Genau wie beim Beten folge ich meinem eigenen Gefühl, um zu entscheiden, wie lange ich den Prozess fortsetze oder wann ich ihn beende.

Wie wichtig ist es für Sie, ein Werk nach seiner Fertigstellung ruhen zu lassen und es später zu bewerten? Wie viel Verbesserung und Verfeinerung erlauben Sie persönlich, bis Sie mit einem Stück zufrieden sind? Wie sieht dieser Prozess in der Praxis aus?

Normalerweise gibt es nicht so viele Verfeinerungen, wenn es einmal fertig ist. Das einzige, was ich gelegentlich mache, ist eine Korrektur der Balance.

Wenn man ein Stück oder ein Album fertiggestellt und in die Welt entlassen hat, kann ein Gefühl der Leere entstehen. Können Sie das nachempfinden – und wie kehren Sie in den Zustand der Kreativität zurück, nachdem Sie diese Erfahrung gemacht haben?

Nachdem ich ein Stück veröffentlicht habe, verspüre ich sogar den Wunsch, noch mehr zu komponieren. Wenn ich ein Projekt abgeschlossen habe, steigert das normalerweise meine Kreativität.



Sidhartas vorheriges Album sammelte frühe Stücke unter dem Titel Indonesian Electronic Music 1979-92, erschienen 2017 bei Sub Rosa. Kajang versammelt ein Quartett von Kompositionen aus den Jahren 2015 bis 2020. © Text: Label




Vier Freunde kommen aus ganz Norwegen zusammen um Jazzmusik zu spielen. Jeder hat seinen Teil zu den Kompositionen beigetragen und das ist eine intelligente und offene Mischung aus notierter Musik und Improvisation. Auch wenn es mitunter recht abstrakt klingt, ist ihre Musik doch eher lyrisch und melodisch, ohne ausufernd zu werden. Mir gefällt besonders das lyrische Spiel von Trompeter Erik Kimestad Pedersen, der einen ganz eigenen Ton besitzt. Überhaupt haben Ihre Kompositionen einen eigenen Charme, der mir ausgesprochen gut gefällt.

Mehr der Jazztradition verhaftet ist die Musik des schwedischen Trompeters Emil Strandberg. Was aber nicht abwertend gemeint sein soll. Seine musikalischen Vorstellungen unterscheiden sich nur gänzlich von der Musik von Akmee. Auch wenn improvisiert wird, geht es hier ganz anders auf. Spannend ist auch die Art, wie die Brüder Agnas an Gitarre und Cello im musikalischen Kontext mitklingen. Aber vor allem ist es eine sehr poetische Musik geworden, die mit vielen Farben zu überzeugen vermag.

Die Musik von Otto Sidharta war für mich die größte Überraschung. Das ist eine so komplett anders klingende elektronische Musik, die mich noch immer fasziniert. Da ist ein stetiges Flirren oder Zirpen. Es gibt ein sehr aufschlussreiches Interview auf 15questions. Das ist wirklich eine komplett eigene Musikwelt, die euch da erwartet. Höchst spannend und lohnenswert!

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