Wir hören Lieder ohne Worte, Worte ohne Gesang, Steve Bates am Casio SK-1, elektronische Rhythmen von Mathias Delplanque, Samuel Rohrer allein am Schlagzeug, ziehen mit Lawrence durch seine unendlichen Hallräume und entdecken die Musik von Elif Yalvaç.
Siavash Amini & Eugene Thacker: Songs for Sad Poets / Hallow Ground
Der Komponist und Klangkünstler Siavash Amini arbeitet mit dem Autor Eugene Thacker an „Songs for Sad Poets“ zusammen. Die Sammlung von acht Stücken lässt sich vom Erbe der sogenannten verfluchten Dichter („poètes maudits“) sowie von der deutschsprachigen Tradition der Liederzyklen inspirieren und erweitert die Struktur des klassischen Kunstlieds durch einen Prozess der lyrischen Abstraktion. Interdisziplinäre Zusammenarbeit ist Amini nicht fremd, wie man an A Mimesis of Nothingness sieht, seiner Zusammenarbeit mit dem Fotografen Nooshin Shafiee aus dem Jahr 2020, die ebenfalls über das Schweizer Label Hallow Ground veröffentlicht wurde. Doch während bei Aminis früheren Kollaborationen Musik und andere Medien in einen Dialog gesetzt werden, sind bei „Songs for Sad Poets“ Thackers Gedichte und Aminis Klanglandschaften eng miteinander verwoben. Tatsächlich wird auf dieser Doppel-LP keines der im Booklet abgedruckten Worte laut ausgesprochen, sondern durch den Einsatz von Klang greifbar gemacht. Poesie und Musik korrespondieren nicht so sehr miteinander, sondern verschwören sich miteinander – als Lieder ohne Worte, Worte ohne Gesang.
Songs for Sad Poets entstand aus der gegenseitigen Bewunderung für die Arbeit des anderen, und es ist leicht zu erkennen, wie sich der Musiker und der Schriftsteller künstlerisch zueinander verhalten können. Der in Teheran lebende Amini hat in den letzten zehn Jahren über 20 Alben veröffentlicht – darunter TAR und FORAS on Hallow Ground -, die die physische Welt erkunden, aber auch nach etwas jenseits davon suchen. Seine Kompositionen stützen sich auf Feldaufnahmen sowie auf akustische und elektronische Klänge und verwischen die Grenzen zwischen dem, was konventionell als real oder authentisch wahrgenommen wird, und dem Abstrakten oder Jenseitigen. Der in New York lebende Thacker wiederum ist als Schriftsteller bekannt, dessen philosophische Werke wie Infinite Resignation sich wie Poesie lesen, während seine Lyrik und andere literarische Werke von Natur aus philosophisch aufgeladen sind. Was sie bei diesem Projekt eint, ist das Interesse an der Idee der Fragilität des menschlichen Wesens vor dem weiten Hintergrund des Klimas, des Planeten und des Kosmos, der eine „Traurigkeit ohne Grund“ hervorbringt. Die Stücke auf Songs for Sad Poets übersetzen diese fast unaussprechliche Raummelancholie in dichte und manchmal klaustrophobische Stücke, die von inneren Spannungen und sich langsam entfaltender Dynamik geprägt sind.
Die Struktur und Inspiration für die Texturen dieses Stücks (und des gesamten ersten Bandes) stammen direkt aus Eugens Text, allerdings nicht in der genauen Reihenfolge, in der sie im Gedicht vorkommen. Man stelle sich einen Chor vor, der einige Teile des Textes gleichzeitig singt – in diesem Fall entsprechen 1|5, 2|3 den ersten drei Minuten, 3|4|6 dem ruhigeren Mittelteil und 7|8 dem Schluss. In einigen Teilen werden gleichzeitig zwei Stimmungen verwendet, um diese Überlagerung besser hörbar zu machen.
Siavash Amini über A Quiet Glow
Die acht Gedichte sind weder nur Ausgangspunkt noch nur Nebenprodukt der Kompositionen, oder umgekehrt. Vielmehr ist die gesamte Platte ein einziges Ergebnis eines kohärenten kreativen Prozesses. Thackers Texte, die den poètes maudits Gérard de Nerval, Chūya Nakahara, Sadeq Hedayat, Alejandra Pizarnik, Giacomo Leopardi, Mário de Sá-Carneiro, Zhu Shuzhen und Jean-Joseph Rabearivelo gewidmet sind, zeichnen sich durch eine verblüffende formale Strenge, aber auch durch eine weitreichende Anziehungskraft aus. Wenige Zeilen mit noch weniger Worten genügen, um ein allumfassendes Gefühl von kosmischer Trauer zu beschwören. Der rhythmische Charakter der Gedichte spiegelt sich in Aminis Musik wider, die den Schwerpunkt auf Klang und Stimmung, aber auch auf Bewegung und Dichte legt. All dies macht Songs for Sad Poets zu einem Kunstwerk, das die Affekte seiner Zuhörer direkt anspricht, eine unterschwellige Melancholie zum Ausdruck bringt und durch die Überschreitung der Grenzen zwischen Musik und Literatur ein Gefühl des Grauens hervorruft.© Text: Label
Steve Bates: All The Things That Happen / Constellation Records
Steve Bates ist ein Künstler und Musiker, der für seine Arbeit mit dem Post-Rock-Kollektiv Black Seas Ensemble, Duos mit Timothy Herzog und Sophie Trudeau von Godspeed You! Black Emperor, sowie für eine Reihe digitaler Klangforschungen auf seinem eigenen Label The Dim Coast. All The Things That Happen ist sein erstes Album in voller Länge für Constellation.
Abseits der ausgetretenen Pfade der Hardcore-Szene in Winnipeg begann Steve Bates‘ Beschäftigung mit Klangkunst und -experimenten, die oft in den Momenten und Ereignissen angesiedelt sind, in denen die konzeptionelle Praxis auf den Klang trifft, als sein Vater ihm ein Kurzwellenradio kaufte.
„Ich glaube, das war das erste Mal, dass mich seltsame Klänge begeisterten“, sagt Steve. „Ich mochte den Lärm, das Pfeifen und die seltsamen Töne und das Rauschen ebenso wie die fernen Stimmen und die seltsame Musik.“
Steve Bates
Für All The Things That Happen erforschte Bates das geräuschvolle Terrain der billigen Klangfarben und Tonalität des beliebten Casio SK-1 Keyboard-Samplers. Diese Klänge wurden durch eine Vielzahl von elektronischen Geräten, Effekten, Verstärkern und Kassettenrecordern gejagt, um ihre heutige Form zu erreichen, die auf diesen Tracks zu hören ist. Steve merkt an, dass alle Tracks als Ambient-Tracks begannen, „aber ich habe immer nach mehr Textur und Geräuschen gesucht.“
Wie in seinem Kompositionsprozess angedeutet, scheint diese Musik die Grenzen zu überschreiten – zwischen Ambiente und Geräusch, zwischen Nacht und Tag, Glückseligkeit und gespannter Spannung. „These problems are multiplied by the difficulty I have in front of a tape recorder“ schwillt an wie ein geisterhafter Kirchenchor und kehrt immer wieder unweigerlich zum Grundakkord zurück. Der dritte Track „Glistening“ ist von Obertönen durchzogen, die immer wieder in reines Feedback und scheppernden Nachhall zu zerplatzen drohen, so dass die Musik nicht ganz den Status eines Ambient-Stücks erreicht. In „Destroy the palace“ sind Geräuschfragmente zwischen hauchdünnen Motiven zu hören, die wie um den Rand eines Glases schweben, während „Bring on black flames“ sich stark an die Geräusche anlehnt, da wechselen Kanäle und Frequenzen mit schroffer Intensität.
Nur der letzte Song des Albums, „September Through September“, verwendet ein anderes Instrument als Kernstück. Dieses Stück enthält eine Hammond-Orgel, die während eines Aufenthalts in Valparaiso, Chile, aufgenommen wurde, und ist dem chilenischen Lehrer, Singer-Songwriter, Akademiker und Aktivisten Victor Jara gewidmet. Laut Bates fühlt sich Chile an wie „ein Ort, an dem Poesie und Dichter wichtig sind“. © Text: Label
Mathias Delplanque: Ô Seuil / Ici d’ailleurs/Minds Travels Series
Sieben Jahre nach Drachen lädt die Minds Travels Series Sie ein, das neue Album von Mathias Delplanque aus Nantes zu entdecken: Ô Seuil. Als Experte für Klanglandschaften ist Mathias Delplanque vor allem ein vielseitiger Künstler: Komponist elektronischer Musik, Performer, Improvisator, Designer von Klanginstallationen, Klanggestalter für Tanz und Theater. All diese Fähigkeiten haben es ihm ermöglicht, seine musikalischen Reisen zu vervielfachen und seinen kreativen Prozess ständig weiterzuentwickeln.
Ô Seuil wurde als direkter Nachfolger von Drachen (seinem letzten Soloalbum, das 2015 auf Mind Travels erschien) konzipiert. Die gleiche Vorliebe für kraftvolle eindringlichen Klangstücken, die auf elektronisch bearbeiteten akustischen Instrumenten basieren, findet sich hier wieder. Das Album ist eine Ausstellung von ständig wechselnder Klanggemälde, die abwechselnd einfach und komplex sind und ständig zwischen Licht und Schatten oszillieren. Mathias Delplanque entwickelt seine matieristische Herangehensweise an den Klang weiter, den er wie eine zusammengesetzte Skulptur immer wieder bearbeitet, aushöhlt, schneidet und modelliert.
Heller als sein Vorgänger, präsentiert „Ô Seuil“ einen neuen melodischen Charakter und eine angereicherte harmonische Arbeit. Das Instrumentarium wurde erweitert: Bass, Gitarren, Drehleier, Veuze…, auf die analoge Synthesizer reagieren und versuchen, wie akustische Instrumente zu klingen. Die Tracks (und das Album selbst) sind stark erzählerisch aufgeladen und ähneln verschlungenen Geschichten, deren Ende stets unvorhersehbar erscheint. Trotz der extrem sorgfältigen Produktion ist das Zufällige der beste Teil. Ô Seuil ist ein umfangreiches Werk, das die Vorliebe seines Autors für „symphonische“ elektronische Musik nicht verleugnet, die mit Kontrasten spielt: bluesig oder rasend, statisch oder aufgewühlt, chaotisch oder geordnet… © Text: Label
Samuel Rohrer: Hungry Ghosts / Arjunamusic Records
Mit seinem Arjunamusic-Label und einem wachsenden Katalog von Veröffentlichungen, die sich von anderen Kategorien abheben, macht sich Samuel Rohrer still und doch selbstbewusst einen Namen als eine wirklich einzigartige Figur im Bereich der europäischen elektronischen Musik. In den letzten zehn Jahren hat er ein Repertoire an Musik zusammengestellt, das eine leider vernachlässigte Lücke in der modernen Musiklandschaft füllt. Das heißt, er hat eine Reihe von „elektronisch“ unterstützten Werken geschaffen, bei denen das „Elektronische“ nie zum Hauptverkaufsargument oder zur Daseinsberechtigung zu werden scheint. Sein neuestes Soloalbum Hungry Ghosts zeigt erneut die hohe Qualität der Klanggestaltung, die erreicht werden kann, wenn man musikalische Passagen als lebendige, atmende Wesenheiten begreift und nicht als Wegweiser zu einer noch fernen Realität.
Hungry Ghosts ist vielleicht mehr als alle anderen bisherigen Soloalben Rohrers diejenige, die den Künstler am eindeutigsten als eine Art inspirierten Sound-„Kultivator“ oder Landschaftsgestalter und nicht nur als reinen „Produzenten“ zeigt. Der Schwerpunkt scheint hier auf biologischen Wachstumsprozessen zu liegen, die in musikalischer Form wiedergegeben werden, und einige Track-Titel, die die Artenvielfalt der Außenwelt („Slow Fox“, „Ctenophora“) und die Neurochemie („Serotonin“) erwähnen, verleihen dieser Interpretation zusätzliche Glaubwürdigkeit.
Es ist besonders bemerkenswert, dass fast das gesamte Material solo und im „live / no overdubs“-Modus aufgenommen wurde, wenn man bedenkt, wie sehr es sich wie ein eingespieltes Ensemblespiel anfühlt, und wenn man das tadellose Timing bedenkt, das mit dem ständigen Austausch der Klänge in der vordersten Reihe der Mischung einhergeht. Und hier schließt sich der Kreis zu der eingangs erwähnten Idee der „elektronischen Musik“: Statt uns das Gefühl zu geben, wir befänden uns in der Gegenwart einer vollendeten Form, die aus der „Zukunft“ zurückgebracht wurde, lädt Rohrer uns stattdessen ein, faszinierenden Prozessen des Übergangs und der Mutation beizuwohnen und sie für das, was sie jetzt sind, ebenso zu schätzen wie für das, wohin sie sich entwickeln. © Text: Thomas Bey William Bailey
Lawrence English: Approach / Room40
1985 verfasste der Mangaka Yoshihisa Tagami „Grey“. Heute scheint es fast vergessen zu sein, aber es bleibt historisch, da es die Avantgarde der Mangas anführte, die in den Westen übersetzt und in Serienform veröffentlicht wurden. Approach ist die Hommage von Lawrence English an den bleibenden Eindruck, den der Manga bei ihm als 13-Jährigem hinterlassen hat. Nachdem er ihn 2021 wiederentdeckt hatte, fiel ihm auf, wie sehr er einige der Themen des Mangas verinnerlicht hatte, und er sah sich gezwungen, einen Soundtrack als eine Art Zerrspiegel zu den Seiten des Mangas zu schaffen. Das Ergebnis ist eine intensive, episodische Studie von Tagamis Darstellungen der Menschen, Landschaften und Technologien, die die spekulative Welt, die er beschreibt, heimsuchen. Approach ist ein starkes und gefühlsbetontes Werk, das wie ein entfernter Klangscheiterhaufen einer schwelenden Zukunft wirkt, die sich deutlich greifbarer anfühlt als zu der Zeit, als Tagami sie sich zum ersten Mal vorstellte.
Ich muss oft an die erste Zeile von William Gibsons Neuromancer denken: „Der Himmel über dem Hafen hatte die Farbe des Fernsehens, das auf einen toten Kanal eingestellt war.
Als das Buch in den frühen 1980er Jahren geschrieben wurde, war ein toter Fernsehkanal ein abgestumpftes Grau des Rauschens. Betrachtet man das Buch heute jedoch erneut, so hat sich sein Charakter verändert, denn im digitalen Zeitalter ist ein toter Kanal ein reich gesättigtes Himmelblau. Der Verweis auf die Zeit ist nicht mehr zeitgemäß.“
Sondern sie provozieren vielmehr neue Perspektiven und im Idealfall neue Verständnisse. Dieses Album, Approach, ist ein Echo, das mich seit 33 Jahren begleitet, auch wenn ich mir dessen nicht ganz bewusst war. Es ist eine Platte über Erinnerung, darüber, wie scheinbar flüchtige Begegnungen uns prägen und wie sich Erfahrungen mit der Zeit ansammeln. Es ist ein verzerrter Spiegel, der den schwindenden Schein der Feuer auffängt, die mich geschmiedet haben.
Diese Platte ist also auch eine Art klangliche Postkarte, die ich im Nachhinein für diese sehr unsichere und unbeständige Version von mir selbst geschrieben habe. Es ist natürlich mehr als das, aber ich möchte diese streitlustige junge Person, die mir jetzt so weit entfernt erscheint, anerkennen und ihr danken. Ich erkenne an, dass ihre Art der Orientierung, ihre Entschlossenheit, neugierig zu sein und zu versuchen, herauszufinden, wer sie sind, und nicht, was ihnen gesagt wurde, wer sie sein sollen, es ermöglicht hat, dass diese Version von mir heute existiert. Es ist auch eine Hommage an die Familie und die Freunde, die geholfen haben, diesen jungen Körper und Geist zu stützen und zu lenken. Ohne sie ist es schwer zu sagen, wie ich im Hier und Jetzt sein könnte.
© Auszug aus einem Text den Lawrence English zu „Approach“ geschrieben hat.
Elif Yalvaç: Green Drift / Expert Sleepers
Green Drift ist der Nachfolger von Elif Yalvaçs international gefeiertem Album Mountains Become Stepping Stones (NNA Tapes, Dezember 2020). Nachdem sie eine Unterstützung vom Arts Council England erhalten hatte, zog Elif Yalvaç mit einem Global-Talent-Visum von der Türkei nach Großbritannien, und dieses Album ist eines der ersten kreativen Produkte, die durch diesen Umzug möglich wurden.
Nachdem sie jahrelang auf Distanz musiziert hatten, trafen sich Elif und Andrew Ostler im April 2022 in Edinburgh, um dieses Album als Live-Improvisationen mit Bassklarinetten, Gitarren und modularem Synthesizer aufzunehmen, gefolgt von einer sorgfältigen Bearbeitung und Neukomposition. Über mehrere Tage dauerten die Aufnahme und über mehrere Wochen des Zuhörens und Diskutierens entstand ein kohärenter Sound aus ihren unterschiedlichen und kontrastreichen klanglichen Ansätzen.
Green Drift steht für die besonderen Orte, die für Elif oft unerreichbar waren. Die Musik wurde auch direkt von den grünen Aussichten in Edinburgh und ihrer derzeitigen Heimat in Südengland inspiriert, wo alles aufgenommen und fertiggestellt wurde. Aber es gibt einen Grund für Grün“: Wie das Cover und der Albumtitel andeuten, ist dieses lebendige, schöne Grün auch zerbrechlich und zunehmend gefährdet. © Text: Label
‚Songs for Sad Poets‘ hätten eigentlich einen eigenen Beitrag bekommen müssen. Aber bei der Masse an neuer Musik, die auf uns zukommt, fällt zu viel hinten runter und das wäre für den Rest einfach schade und ungerecht.
Die Musik von Siavash Amini beeindruckt mich immer wieder aufs neue und hier ist es nicht anders. Von einem Kunstwerk zu sprechen, in dem die Texte nie gesprochen werden, aber immer mitschwingen, trifft es genau.
„Der rhythmische Charakter der Gedichte spiegelt sich in Aminis Musik wider, die den Schwerpunkt auf Klang und Stimmung, aber auch auf Bewegung und Dichte legt. All dies macht Songs for Sad Poets zu einem Kunstwerk, das die Affekte seiner Zuhörer direkt anspricht, eine unterschwellige Melancholie zum Ausdruck bringt und durch die Überschreitung der Grenzen zwischen Musik und Literatur ein Gefühl des Grauens hervorruft.“ schreibt das Label und besser kann ich es nicht beschreiben. Das ist ein Kandidat für die Best of Liste des Jahres!
Die Sounds von Steve Bates sind schroff, irgendwie knistert es immer und da Steve mit Radiohören begonnen hat, fühle ich mich an meine Jugend erinnert. Da hatte ich einen kleinen Weltempfänger und was auf Kurz und Langwelle los war, war unglaublich und klang mitunter wie von fernen Welten. Seine Sounds erinnern mich sehr an diese Klänge. Sehr schön.
Mathias Delplanque war in diesem Jahr als Release Tipp mit Francoise Robin schon dabei. Und bei den Recherchen entdeckte ich `Drachen‘ aus der faszinierenden ‚Minds Travels Series‘, die ich allen sehr empfehlen kann und welche auch optisch ein Highlight ist. Auf ‚Ô Seuil‘ erkenne ich einige Sounds aus diesem Projekt ‚L’Ombre de la bête‘ wieder, aber das ist kein Nachteil. Es gibt ein gutes dramaturgisches Spannungsverhältnis zwischen stark rhythmischen Stücken oder eher getragenen. Auch seine Neigung zum Orchestralen Klang mag ich sehr.
Samuel Rohrer hat sich einen guten Namen mit genreübergreifenden Projekten gemacht. Diese Liste liest sich wie das ‚Who is Who‘ der momentanen Avantgarde. Dark Star Safari dürfte einigen bekannt sein. Ich kann diesen vermeintlichen Supergroups nicht viel abgewinnen. Zu viel heiße Luft, für mein Empfinden. Dafür kann er mit dieser Solo-Veröffentlichung voll überzeugen. Zumal man sich vor Augen/Ohren halten muss, dass fast alles Live aufgenommen wurde. Es ist schon verblüffend, wie sicher er sein Instrumentarium aus Schlagzeug und elektronischen Effektgeräten einsetzten und damit auch sehr schöne Geschichten erzählen kann.
Zu Lawrence English selbst muss ich hier nichts mehr schreiben. Er sollte allen bekannt sein, die auf meinem Blog unterwegs sind.
Die Musik von Lawrence English ist ein Erinnern in langen, sehr langen Echoräumen, dem eine tiefe Melancholie innewohnt. Sie hat etwas Erhabenes und sich darin fallenzulassen ist eine sehr schöne und einzigartige Erfahrung. Faszinierend!
Überraschend war die Begegnung mit der Musik der türkischen Komponistin Elif Yalvaç. Ihre auf elektronischen Sounds basierenden Improvisationen, dazu Einspielungen von Gitarren und der Bassklarinette, gespielt von Andrew Ostler, haben mich genauer hinhören lassen. Und damit ist sie hier dabei. Ich bin gespannt, wie es bei Ihr weitergeht.
Alle anderen, die nicht im Einzelnen genannt wurden, sind hier mit Ihren Releases dabei und vielleicht findet der eine oder andere etwas für sich!