Richard Williams: R.I.P. Barre Phillips 1934-2024

Barre Phillips, der am 28. Dezember im Alter von 90 Jahren verstarb, war ein Poet des Kontrabasses und gehörte einer Generation von Musikern an, die aufbauend auf den Errungenschaften von Jimmy Blanton, Oscar Pettiford, Charles Mingus und Paul Chambers das Instrument auf ein neues Niveau der Flexibilität und des Ausdrucks brachten.

Einer der größten Beiträge des Jazz zur Musik war die Erweiterung des instrumentalen Vokabulars, ein Prozess, der durch die rasante stilistische Entwicklung des Idioms im letzten Jahrhundert beschleunigt wurde. Kein Instrument hat sich spektakulärer entwickelt als der Bass, und Barre – der in San Francisco geboren wurde, aber die letzten 55 Jahre seines Lebens in Europa verbrachte – spielte eine bedeutende Rolle in diesem Prozess.

Sein erstes Album mit unbegleiteten Soloimprovisationen wurde 1968 in London in der Kirche St. James Norlands in Notting Hill aufgenommen. Ursprünglich als Journal Violone in einer Auflage von 500 Exemplaren auf dem Opus One-Label veröffentlicht, kam es mir im folgenden Jahr in die Hände, als es erneut in einer Auflage von 500 Exemplaren als Unaccompanied Barre im Music Man-Imprint neu aufgelegt wurde. Ich glaube, mein Exemplar stammt vom Produzenten Peter Eden.

Es war eine Pionierleistung und eine sehr beeindruckende noch dazu. Ich meine mich zu erinnern, dass ich es zum Jazzalbum des Monats im Melody Maker gemacht habe, was für einige Verwunderung sorgte. Völlig Soloalben von improvisierenden Instrumentalisten (außer Pianisten) waren damals noch nicht üblich. Jetzt schauen Sie sich an, wie viele es davon gibt. Allein unter den Bassisten ebnete Barres Album den Weg für unbegleitete Aufnahmen von Gary Peacock, Dave Holland, Barry Guy, William Parker, Henry Grimes, John Edwards und anderen, darunter zuletzt auch Arild Andersen.

Barre nahm mehrere weitere Alben im gleichen Format auf, darunter Call Me When You Get There (1984) und End to End (2018) für das Label ECM. Dort erschienen auch die Soloalben von Peacock, Holland und Andersen, was kaum überraschend ist, da der Gründer des Labels, Manfred Eicher, selbst als Bassist angefangen hatte.

Ich hörte Barres Spiel zum ersten Mal auf Bob James‘ ESP-Album „Explosions“ und Archie Shepps „On This Night“. 1964 kam er zum ersten Mal mit George Russells Sextett nach Europa und kehrte später im selben Jahrzehnt zurück. Er blieb zunächst in London, bevor er schließlich Frankreich zu seiner Heimat machte. Zeugnisse seiner frühen Zusammenarbeit mit britischen oder in Großbritannien ansässigen Musikern finden sich auf John Surmans „How Many Clouds Can You See?“, Mike Westbrooks „Marching Song“ und seinen beiden Sessions mit Chris McGregors Sextett (Up to Earth) und Trio (Our Prayer), die alle 1969 aufgenommen wurden.

1970 schloss er sich Surman und dem Schlagzeuger Stu Martin im Trio an und nahm ein selbstbetiteltes Debüt mit der Basis-Combo und Conflagration! mit einer erweiterten Besetzung auf. Danach spielte er mit allen möglichen Partnern, von Derek Bailey bis Robin Williamson, und war festes Mitglied im London Jazz Composers Orchestra seines Freundes Barry Guy. Zwei ECM-Alben mit Paul Bley und Evan Parker, Time Will Tell (1995) und Sankt Gerold (2000), sind seine Favoriten. Seine letzte Veröffentlichung war ECM’s Face à Face, eine Duo-Aufnahme mit der Elektronik von György Kurtág Jr., die 2022 erschien.

Er war sehr intensiv, wenn es um Musik und das Schaffen von Musik ging, was offensichtlich wurde, als ich ihn 1970 in London interviewte.

„Mich interessiert der Prozess des Musikmachens“, sagte er. “Das Produkt interessiert mich eigentlich überhaupt nicht, denn ich habe genug Selbstvertrauen, um zu wissen, dass das Produkt wirklich in Ordnung sein wird, wenn ich dahinterstehe. Das ist mein persönlicher Grund – neben dem Produkt auch etwas zu haben, das ich einem Publikum mitteilen kann. Wenn ich den Leuten meinen Prozess zeigen kann, können sie sich vielleicht selbst viel besser verstehen.“

Die konventionelle Rolle des Bassisten, sagte er, interessiere ihn wenig.

„Das ist Produkt-produzierend. Ich komme von einem Ort, an dem das Produkt wichtig war, und ich habe gearbeitet und gearbeitet, bis ich auf die Bühne gehen und es produzieren konnte. Aber was wirklich wichtig ist: Wie bin ich von der Geburt zum Produkt gekommen? Wenn ich auf eine tiefere Ebene gehe, auf der die Reaktionen von meinem zentralen Nervensystem reflektiert werden, dann lebe ich mein ganzes Leben in jedem Augenblick. Denn du lebst im Prozess des Musikmachens, und für mich ist das Größte, was ich spiele, meine Geburt.“

© https://thebluemoment.com/, Richard Williams