Liam Noble's Text:
Ich war noch nie in den Rainbow Studios in Oslo, aber ich habe den Eindruck, dass man, wenn man dort als Trio hingeht, zu einem Quartett wird. Dieser Sound ist euer viertes Mitglied, ein Partner, mit dem man taktvoll und pragmatisch zusammenarbeiten muss.

Question

Accepted Answer

Rosslyn, das ECM-Album, das John Taylor, Marc Johnson und Joey Baron nach dieser Live-Aufnahme produzierten, zeigt die Band, wie sie kleine Gesten in den hallenden Raum einfließen lässt, und ist auf seine Weise ein sehr schönes Album. Diese Musiker sind mit der ECM-Ästhetik bestens vertraut, aber unter Musikern gab es lange Gerüchte, ob es vielleicht einige Outtakes gibt, in denen die Dinge etwas … fruchtiger geworden sind. Diese Konzertmitschnitte aus Birmingham, die 2002 von Toningenieur Curtis Schwartz gekonnt aufgenommen wurden, sind daher eine große Entdeckung, vergleichbar mit dem Fund von verschütteten Fragmenten antiker römischer Raumfahrt.
Diese Band ist voller Geschichte. Taylor orientiert sich stark an Bill Evans, einem Pianisten, mit dem Marc Johnson am Ende seiner Karriere eine fruchtbare Zusammenarbeit pflegte. Baron mag für diejenigen, die ihn vor allem aus seiner Zusammenarbeit mit Bill Frisell, John Zorn und Tim Berne kennen, wie eine Wildcard erscheinen, aber er spielt auch mit Fred Herschs Trio. Johnsons Band „Bass Desires“ hatte Barons Arbeitgeber Bill Frisell in ihrer Besetzung. Dieser kollektive Stammbaum hat viele Verzweigungen, und da es keinen Produzenten gibt, der die allgemeine Ausrichtung des Konzerts verfeinert, breitet er sich in fröhlicher Unordnung in alle Richtungen aus.
Von Beginn an, mit „Pure and Simple”, scheint Taylor sich in diesem brodelnden Topf zu suhlen: Nach einer typisch impressionistischen Einleitung verbinden sich Johnsons gewaltiger Sound und Barons disziplinierter Groove im Kopf, um sich dann in den Soli in drei separate Stimmen aufzuspalten. Das erinnert sehr an den Ansatz des Trios Evans/LaFaro/Motian, aber hier sind die Wechsel sprunghafter und bewegen sich schnell von einer Geste zur nächsten. Reinheit und Einfachheit beschreiben nicht wirklich das Labyrinth, das dieser Song eröffnet, und dann taumeln Baron und Johnson in einen Walking-Groove, und wir sehen wieder eine andere Dimension: einen gitterartigen „Giant Steps”-Charakter in seiner harmonischen Unruhe. Barons Austausch mit Taylor bleibt im Puls, wechselt aber frenetisch zwischen dichten Tom-Wänden und weiträumigem Witz. Als der Kopf zurückkehrt, merkt Taylor, dass das Tempo bei all dieser Aktivität gesunken ist, und beschleunigt es einfach (sehr offensichtlich) … das ist einer meiner Lieblingsmomente auf der ganzen Platte.
„Between Moons“ ist eine Evans-ähnliche Kadenzsequenz, eingerahmt von Taylors charakteristischen Klangwänden. Barons Präsenz erhellt alles – Andeutungen von Backbeat und Splashes suggerieren Asymmetrien, indem sie den Raum einfach nicht ausfüllen, und am Ende darf ein klingendes Becken noch lange nach dem Ende des Stücks weiterlaufen: Jede Idee, sobald sie eingeführt ist, bekommt ihren Raum.
„Up Too Late“ von Steve Swallow ist, wie so viel von seiner Musik, entwaffnend einfach und geradlinig schräg. Barons Backbeat wirft alles aus dem Takt, Johnson geht gegen ihn, während Taylor das Thema mit komplexen Resonanzen ausmalt. Im Verlauf des Solos geht Taylor bis an die Grenzen seiner Sprache, und sowohl auf rein technischer als auch auf musikalischer Ebene ist dies ein erstaunliches Klavierspiel. Johnsons violaähnlicher Bogen-Einstieg veranschaulicht sowohl die Seltsamkeit seiner Vorstellungskraft als auch sein schieres Können. Und Baron scheint wieder einmal einen einzelnen Ton zu nehmen und ihn allmählich explodieren zu lassen, wobei sanfte Hi-Hats sich in einen Drum-‚n‘-Bass-Groove verwandeln, der mit seltsamen, kratzenden Geräuschen gespickt ist. Johnsons seltsame, schräge Artikulation entführt uns dann in eine weitere Klangwelt, unheimlich und zum Mitwippen. Es ist ein Tribut an die Großzügigkeit von Swallows Musik, dass man sich damit auseinandersetzen muss, um ihren wahren Wert zu erkennen, als würde er den Musikern die Ehre überlassen. Die haben sie sich hier auf jeden Fall verdient.

„Tramonto“ ist fast schon eine Erleichterung, eine wunderschöne Melodie, die ohne Ego gespielt wird und etwas betont, das im Jazz oft übersehen wird: dass die einfache Wiedergabe eine der einfachen Freuden des Musizierens ist.
„Ambleside“ könnte irgendwo im Nahen Osten spielen: Taylor ist ein Meister des präparierten Klaviers, und seine Hände könnten hier die von Baron sein, die Rhythmen auf den gusseisernen Rahmen und die schwingenden Saiten des Klaviers schlagen: Der Schlagzeuger überlässt ihm das Feld, aber er spielt ein Solo, das wie ein eigenständiges Stück wirkt. Es ist eine verschachtelte Geschichte eines Meisterkomponisten in Echtzeit, ebenso wie Taylors düstere Coda. Man spürt die Aufregung der sich entfaltenden Ereignisse, die Kombination aus Selbstsicherheit und Feinfühligkeit, die nötig ist, um das zu schaffen.
Ich könnte noch weitermachen: Dies ist die Art von Platte, bei der man während des Hörens mitschreiben muss, sonst verpasst man etwas. Sie ist eine Fundgrube an Ideen, Gesprächen, Virtuosität und einfühlsamem Austausch. Bei der durchweg exzellenten Klangqualität frage ich mich, warum es so lange gedauert hat, bis dieses Dokument erschienen ist. Ich vermute, wenn es sich um einen Zwei-Set-Gig handelte, dass noch mehr Musik auf der Festplatte von jemandem irgendwo vergraben ist, mehr exquisite Klänge, die darauf warten, entdeckt zu werden.

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