Question 1

Accepted Answer

Anstatt von einer Geste zur nächsten zu wechseln, entfaltet sich die Musik als kontinuierliches Klangfeld. Der Klang verweilt. Er dehnt sich aus, zieht sich zusammen und offenbart langsam seine innere Struktur. TWEE ist Musik der Zurückhaltung und Präsenz. Sie positioniert die Snare Drum neu als in sich geschlossene harmonische Welt. Durch anhaltende Aufmerksamkeit entsteht allmählich eine Form, die es ermöglicht, die Tiefe des Materials im Akt des Zuhörens hörbar werden zu lassen.

Etienne Nillesens Erkundung der Snare-Drum hebt die vielfältigen klanglichen und harmonischen Feinheiten des Instruments hervor, wobei er ausgedehnte Spielzeiten einsetzt, die allmähliche Variationen in der Textur und der Komplexität der Obertöne betonen. Durch eine Kombination aus traditionellen und erweiterten Techniken enthüllt er eine Reihe unerforschter und unerwarteter klanglicher Dimensionen innerhalb des scheinbar begrenzten Bereichs der Snare Drum. Indem er kreisende Bewegungen nutzt, um verschiedene Bereiche des Trommelfells zu erkunden, und die Kontaktpunkte bewusst variiert, erzeugt Etienne eine vielfältige Palette an Tonhöhen, Obertönen und Oberwellen, aus denen sich eine rhythmische Makrostruktur herausbildet.

Seine Musik erreicht trotz ihres minimalistischen Ansatzes eine bemerkenswerte klangliche Komplexität. Jede sorgfältig ausgearbeitete Note und Nuance verlangt sowohl vom Interpreten als auch vom Zuhörer ungeteilte Aufmerksamkeit und Konzentration und fördert so eine tiefe Verbindung zwischen beiden. Der Akt des Zuhörens wird zu einem integralen Bestandteil des Erlebnisses.

Question 2

Accepted Answer

Die Musik lotet das Gleichgewicht zwischen Unabhängigkeit und Interaktion, Trennung und Verbindung aus und lässt den Klang durch Zusammenarbeit und Experimentieren organisch entstehen.
„Independent / Interdependent“ ist ein Album über das Zuhören, das Reagieren und den dynamischen Raum zwischen den Musikern, in dem Struktur und Spannung ganz natürlich aus der Darbietung hervorgehen.
Savina Yannatou ist eine unverwechselbare Stimme in der zeitgenössischen improvisierten Musik, gefeiert für ihre stimmliche Flexibilität und den Einsatz erweiterter Techniken. Verwurzelt in mediterranen Traditionen und doch über diese hinausgehend, verbindet sie Folk, Avantgarde und freie Improvisation zu einer höchst persönlichen Sprache. Als langjährige Mitwirkende bei Primavera en Salonico ist sie international aufgetreten und hat die Stimme als Instrument mit grenzenlosem Ausdruckspotenzial neu definiert.
Gonçalo Almeida ist eine herausragende Persönlichkeit der europäischen Improvisationsszene, bekannt für seine kraftvolle Präsenz am Kontrabass und seinen explorativen Ansatz. Indem er freie Improvisation mit Elementen aus Jazz, Rock und experimenteller Musik verbindet, schafft er hochdynamische und strukturierte Klanglandschaften. Durch zahlreiche internationale Kooperationen hat er sich sowohl als Interpret als auch als Komponist einen Namen gemacht und die Grenzen des Kontrabasses in der zeitgenössischen Musik erweitert.
Costis Drygianakis ist eine Pionierfigur der experimentellen und elektroakustischen Musik, bekannt für seine Arbeit mit Feldaufnahmen, Tonbandmanipulation und Klangcollagen. Seine Praxis bewegt sich zwischen Komposition und Improvisation und schafft immersive Klangwelten, die die Grenze zwischen strukturiertem und spontanem Klang verwischen. Er ist sowohl als Solokünstler als auch in Kollaborationen aktiv und hat maßgeblich zur Entwicklung der zeitgenössischen Klangkunst beigetragen, indem er das Ausdruckspotenzial von aufgenommenem und transformiertem Ton erforscht.

Question 3

Accepted Answer

Aus dieser Perspektive geht es beim Komponieren weniger darum, Material von Grund auf zu formen, als vielmehr darum, einen lebendigen Prozess zu begleiten – d. h. ihn „in Gang zu setzen“. Dabei werden Klangelemente hinzugefügt, verknüpft, getrennt oder übereinandergeschichtet, um der Bewegung zu folgen, durch die sie fast wie von selbst ein autonomes Universum zu erschaffen scheinen. Wie jedes Experiment beginnt auch diese Forschung mit dem Sammeln und Erstellen der Materialien, aus denen dieses Klanglabor bestehen wird. Allzu oft vergessen wir, dass Wissenschaftler im Rahmen eines Experiments niemals die Realität entdecken, mit der sie es zu tun haben. Sie provozieren die Elemente, die sie untersuchen wollen, indem sie sie in künstliche Situationen versetzen, sie dazu bringen, neue Dimensionen zum Ausdruck zu bringen, und sie in von ihnen konstruierten Umgebungen testen. Wir entdecken nur in dem Maße, wie wir Situationen schaffen.

Die experimentellen Wissenschaften entstanden im frühen 17. Jahrhundert, unter anderem als Ergebnis von Galileos Entwicklung eines beispiellosen Apparats, der dazu diente, gleichmäßig beschleunigte Bewegung präzise zu beobachten. Da diese Art von Bewegung in ihrer reinen und präzisen Form in der Natur nicht vorkommt, musste er sie hervorrufen, um sie beobachten zu können. Galileo entwarf daher ein Artefakt: eine schräge Ebene, auf der er eine Kugel rollen ließ. Entlang der Bahn wurden Glocken platziert, die in regelmäßigen Zeitabständen läuten sollten. Handwerker wurden beauftragt, die Holzkonstruktion so zu gestalten, dass eine möglichst gleichmäßige Oberfläche und eine möglichst glatte Metallkugel erzielt wurden. Galileo rief zudem Beobachter herbei. Der Versuchsapparat war bereit: eine Schräge, ein sich bewegendes Objekt, Messinstrumente. Und ein Aspekt der Natur offenbarte sich.

Musica Mosaica schließt sich dieser Vision des Experimentierens als Praxis der Konstruktion eines künstlichen Systems bereitwillig an. Sie suchen nach ihren Klängen, wie nach den Materialien, aus denen sie eine Klangwelt komponieren können. Diese Materialien, die bereits tiefgreifend verändert sind und die sie zu unterschiedlichen Zeitpunkten – manchmal in großem zeitlichen Abstand – erschaffen, werden aufbewahrt, so wie ein Botaniker ein Herbarium anlegt, wobei sie auf ihre Einzigartigkeit und ihr Potenzial achten. In diesem Sinne ernten sie im Verhältnis zu den Eingriffen, die sie vornehmen.

Für jedes Stück schöpft Musica Mosaica aus diesen geduldig angesammelten Sammlungen, belebt diese in unterschiedlichen Zeitlichkeiten gefangenen Klangwesen wieder, bringt sie in Beziehung zueinander und konfrontiert sie mit anderen, um die unerwarteten Effekte zu beobachten, die sie erzeugen, und die neuen Dimensionen, die sie durch ihre Interaktion gewinnen. Darüber hinaus erfordert jedes Experimentieren experimentelle Protokolle, Regeln – seien sie auch noch so minimal –, die den Ablauf eines Experiments ermöglichen und innerhalb dieses begrenzten Raums Formen der Improvisation zulassen, die Platz für die vielfältigen Unwägbarkeiten von Situationen schaffen. Die Protokolle können variieren, und vielleicht spielt die Art des Protokolls hier keine Rolle, solange eine Einschränkung festgelegt, geteilt und ausgehandelt wird und es jedem Teilnehmer ermöglicht, einzugreifen und den klanglichen Raum mitzugestalten, während er entsteht.

Eine ihrer beständigsten Praktiken beinhaltet den Einsatz eines Metronoms, eines gängigen und klassischen Geräts in der modernen westlichen Musiktradition, das sie unterlaufen, da sie keineswegs danach streben, einen gemeinsamen Rhythmus zu etablieren, sondern vielmehr nach einem Mittel, diesen zu vervielfachen. Die Festlegung von Klangmaterialien, das Erfinden von Protokollen und das Artikulieren von Sequenzen sind die drei konstituierenden Gesten dieser kleinen Klanglabore, die sie zu schaffen versuchen.

Wenn jedes Stück tatsächlich, wie Emmanuel und Xavier sagen, eine Erzählung ist, dann konstruiert sich diese Erzählung direkt aus den Klangmaterialien und durch die Artikulation zwischen den Sequenzen. Das Experimentieren beinhaltet daher ein nicht reduzierbares Element der Improvisation, jedoch innerhalb eines vollständig konstruierten künstlichen Raums: Die gesamte Herausforderung besteht darin, dem sich wandelnden Fluss zu folgen, ihm zuzuhören und sich darauf einzustellen, durch den diese Klangwelten in Echtzeit konstruiert werden – ähnlich wie bei fragilen Ökosystemen, deren Entfaltung begleitet, statt gelenkt werden muss.

— Didier Debaise

radiohoerer

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