Question 1

„Senderkennungen“ ist die erste Zusammenarbeit der Hamburger Klangkunst-Veteranen Asmus Tietchens und Felix Kubin, deren Freundschaft in den frühen 1990er Jahren begann. Das Doppelalbum versammelt 25 originale „Senderkennungen“ sowie deren künstlerische Verformung und Weiterverarbeitung.

Accepted Answer

Langwelle, Mittelwelle, Kurzwelle und Ultrakurzwelle – längst verschwundene Radiowellen in vergessenen Äthern, in denen verlorene Seelen auf der Suche nach einer Musik verweilen, die es bisher nicht gab und im Grunde gar nicht existieren kann. Sie suchen nicht nach kosmischer Harmonie – das ist altbekannt –, sondern sehnen sich nach Klängen jenseits der Sphären. Felix Kubin und Asmus Tietchens, Eckpfeiler der Klangkunst, sind vereint im jahrzehntelangen Kampf für eine Musik von übermorgen. Mit diesem Album haben sie versucht, diesen verlorenen Seelen zu helfen.

Um Radiosender akustisch erkennbar zu machen, benötigen sie eine sogenannte Senderkennung. Dieses akustische Signal ist gleichbedeutend mit einem sichtbaren Logo. Sowohl Logo als auch Senderkennung schaffen Identitäten. Das deutsche Wort für Senderkennung lautet „Senderkennung“. Für das Album komponierte Felix Kubin eine Reihe einzigartiger Senderkennungen – jeweils ca. 5 Sekunden lang –, die von verschiedenen Radiosendern in Auftrag gegeben wurden, die entweder eine Senderkennung benötigten oder ihr bestehendes akustisches Branding neu gestalten wollten. Die meisten dieser Miniaturkompositionen sind tonal, doch einige tendieren zu einem atonalen oder geräuschvollen Charakter. Immer wieder diskutierten Kubin und ich die Möglichkeit, aus diesen extrem komprimierten und kurzen Senderkennungen Stücke zu schaffen. Dies wurde für das Album umgesetzt, wobei die Regel galt, Kubins ursprüngliches musikalisches Material erkennbar zu lassen und gleichzeitig bei der Entwicklung der neuen Stücke jede Form der Manipulation, Modifikation, Dehnung, Verkürzung oder Erweiterung zu nutzen. Eine Einschränkung: Diese neuen Stücke sollten jeweils nicht länger als drei Minuten sein. Aus diesen neuen Werken wählten Kubin und Tietchens eine Auswahl aus, die nun auf ihrem Album „Senderkennungen“ zu hören ist.
Asmus Tietchens

Question 2

Zusammen mit Serrat treten die katalanische Saxophonmeisterin Liba Villavecchia und der renommierte Schlagzeuger und Perkussionist Vasco Trilla in einen intensiven und kompromisslosen Dialog, in dem freie Improvisation zu einer Sprache des Instinkts, der Erinnerung und des reinen Ausdrucks wird.

Accepted Answer

Als zentrale Figur der iberischen Avantgarde-Jazzszene seit über fünf Jahrzehnten erweitert Villavecchia das Erbe der großen Alt-Saxophon-Pioniere von Ornette Coleman und Thomas Chapin bis hin zur grenzenlosen europäischen Improvisationstradition und schafft so eine persönliche Stimme voller roher Emotionen, lyrischer Intensität und furchtloser klanglicher Erkundung. Vasco Trilla, eine der markantesten Stimmen der zeitgenössischen freien Improvisation, bringt ein breites Spektrum an Texturen, Klangfarben und dynamischen Kontrasten ein und schafft gemeinsam mit Villavecchia eine sich ständig wandelnde Landschaft aus Spannung, Stille, Energie und Entladung.
„Serrat“ ist nicht bloß ein Zusammentreffen von Saxophon und Schlagzeug, sondern ein Ritual spontaner Schöpfung: eine Musik, die bis in die tiefsten Tiefen der Jazztradition reicht und deren ursprüngliche Schreie, ihre Freude, ihre Wut und ihren unendlichen Entdeckungsdrang in sich vereint.

Question 3

Vincent Grimaldis „Amorce De Champ“ ist eine klangliche Erkundung von Studio- und Feldaufnahmen.

Accepted Answer

Ausgehend von einem besonderen Fokus auf die technischen Modalitäten der Tonaufnahme und -wiedergabe befasst sich das Werk mit wiederkehrenden Motiven verschiedener elektroakustischer Konstellationen: übertriebene Artefakte analoger Medien, Manipulationen an Tonbandgeräten, „Hors-Champ“-Studioaufnahmen, hallende Räume, Rückkopplungen, Klangtreue, Phonographie und Ausschnitte aus verstaubten Soundeffekt-Platten. Die Klänge werden entweder mithilfe analoger Bandtechniken überarbeitet oder als rohe Collage zusammengesetzt, was die Zuhörer dazu anregt, Klangfarben und klangliche Kontraste zu untersuchen.
Wiedergabe über Lautsprecher empfohlen.

Question 4

Anhören!
Klara Lewis’ einzigartiges Talent, Klänge so zu verzerren, dass sie dennoch erkennbar liedhaft bleiben, erreicht hier einen neuen Höhepunkt. Ihr neues Album „Opening“ ist eine trügerische Aufnahme mit verschleierten Melodien und heimlichen Knallern.

Accepted Answer

Lewis, die Schöpferin von Welten, behandelt Musik wie einen Spiegel, der eine Perspektive widerspiegelt, die nicht mit dem tatsächlichen Bild übereinstimmt. Ihre Musik bewegt sich auf ungewöhnliche und oft überraschende Weise. Akustische Instrumente wie Ukulele und Klavier werden Prozessen der Dekonstruktion und Rekonstruktion unterzogen, wobei ihre ursprünglichen Formen ständig neu geformt werden.

Die Titel auf „Opening“ bieten eine Vielzahl verwirrender Mittel; beschädigte Feldaufnahmen werden plötzlich in bedrohliche rhythmische Muster zerlegt, während trügerisch einfache Mittel unheilvolle Angst schüren. Oft zunächst befremdlich, kann die Entwicklung eines Stücks in überraschender Zärtlichkeit münden – oder umgekehrt. Die Dynamik wächst als körperlicher Zustand, aber auch als ein Zustand des Hinterfragens, des Begehrens, der ein Gefühl einfängt, um einen weiteren Ausdrucksweg zu erkunden und letztendlich eine Verbindung herzustellen: Eine neue Nähe, eine neue Perspektive.

„Opening“ ist ein Album, auf dem die Manipulation klanglicher Materie durch den Protagonisten über die Musik selbst hinauszugehen scheint und zu einer entsprechenden Beeinflussung des aktiven Zuhörers führt. Klänge verschieben sich, lösen sich auf und tauchen in veränderter Form wieder auf, wodurch eine Erfahrung entsteht, die sich zugleich intim und verwirrend anfühlt. Lewis hält ein feines Gleichgewicht zwischen Abstraktion und emotionaler Unmittelbarkeit aufrecht und entführt den Zuhörer in eine Welt, in der vertraute musikalische Gesten ständig auf überraschende Weise neu konfiguriert werden.

Die Werke auf „Opening“ werden durch eine explorative und transformative Linse gebrochen und lassen einen Künstler erkennen, der die Möglichkeiten der Musiksprache als einen Raum, in dem das Unmittelbare und das Ewige zusammenkommen, immer wieder neu definiert.

Question 5

In eine Richtung zu blicken bedeutet zwangsläufig, andere Seiten zu verpassen. Das muss nicht unbedingt etwas Schlechtes sein. Manchmal ist es gut, einfach nur in eine Richtung zu schauen und dorthin zu gehen. Es kann sehr lohnend sein, sich vorgegebene Ziele auf solch effektive Weise zu verwirklichen. Zu anderen Zeiten jedoch kann es durchaus vorkommen, dass Zweifel an einem bestimmten Weg aufkommen.

Accepted Answer

Es stellen sich Fragen zur eingeschlagenen Richtung, zum eingeschlagenen Kurs und zu den getroffenen Entscheidungen. Dann könnte es von Vorteil sein, irgendwo eine plötzliche Abzweigung zu nehmen, die zu einem unbekannten Ziel führt. Und noch ein weiterer möglicher Weg besteht darin, umzukehren, auf dem Weg, der ursprünglich hierher geführt hat, umzudrehen und von vorne zu beginnen. Welchen Weg man auch einschlägt, es besteht immer die Möglichkeit, zuvor getroffene Entscheidungen und Wahlmöglichkeiten zu überdenken, und sei es nur, um das Gegenteil zu beweisen. Dies setzt eine gewisse intellektuelle und emotionale Flexibilität voraus; Dinge sind sehr selten nur schwarz oder weiß. Häufiger sind sie wie Grautöne, die sich gegenseitig ergänzen. Das ist in Ordnung, solange es zu neuen und unentdeckten Bereichen führt, die es zu erforschen gilt. Ein bestimmtes Gebiet zu erforschen, nur um sein Gegenteil zu entdecken, ist spannend, auch wenn es anfangs ein gewisses Unbehagen oder Unglauben hervorruft. Folge diesem Weg und beobachte, wie das eine zum anderen und zu einem weiteren führt und so weiter. Diese gegensätzlichen Entitäten sind nur scheinbar antipodisch, denn sie sind in ihrem Ursprung von Natur aus vereint.

Wir Menschen sind Teil eines riesigen Ökosystems, das die Entwicklung in viele verschiedene Richtungen ermöglicht. Viele dieser Verzweigungen scheinen Interessen zu verfolgen, die unseren entgegenstehen, doch das ist nur eine oberflächliche Beobachtung – so, als würde man lediglich Schatten sehen. Blickt man in die andere Richtung, ist es möglich, den Ursprung des Schattens und das Licht dahinter zu erkennen.

Auf dieser Veröffentlichung sind sechs Titel zu hören, die eine antithetische Einheit bilden. Fünf Titel, die hauptsächlich auf zeitlichen Klangereignissen basieren, bilden einerseits ein dynamisches System von Thesen. Andererseits gibt es einen einstündigen Drone-Track, der vollständig aus granulierten Klängen komponiert ist. Das ist kein Paradoxon, sondern eher eine Antithese, eine Erforschung von Gegensätzen und ihrer Anziehungskraft. Eine Synthese ist bislang noch nicht erreicht worden, aber das ist in Ordnung, denn sie war ohnehin nicht das ursprüngliche Ziel. Wer weiß, wohin uns zukünftige Wege führen werden.

Roel Meelkop, Rotterdam, 2026

Question 6

Eine Anmerkung von Werner und Eliad
Lange Zeit hatten wir an einem ganz anderen Album gearbeitet, geleitet von einer Reihe einfacher Methoden: Feedback, das Überlagern kurzer Klangfragmente und ein Prozess des wiederholten Zuhörens, durch den sich Erinnerung und Reaktion nach und nach ansammelten.

Accepted Answer

Irgendwann verspürten wir das Bedürfnis, uns von diesem Rahmen zu lösen, wenn auch nur vorübergehend. Wir beschlossen stattdessen, uns auf einen freien musikalischen Austausch einzulassen und durch Improvisation einen Dialog zu erkunden. Aus dieser Begegnung entstand dieses Musikwerk.

Als wir uns die Aufnahmen erneut anhörten, waren wir beide überrascht, wie stark sie uns berührten. Fast sofort waren wir uns einig, dass die Musik, so wie sie eingefangen worden war, zu fesselnd war, um sie beiseite zu legen. Vielleicht fand sie bei jedem von uns auf unterschiedliche Weise Anklang; tatsächlich haben wir ihre Bedeutung nie im Detail besprochen. Wir beschlossen einfach, diese Aufnahmen als „Fray Field“ zu präsentieren.

Für uns bedeutet die Arbeit mit abstrakter, klangfarbiger Musik ohne klar definierte melodische oder harmonische Erzählung, die Möglichkeit vielfältiger Interpretationen anzunehmen. Diese Offenheit besteht sowohl im Spiel als auch im Zuhören: darin, wie wir aufeinander reagieren, und darin, wie ein Publikum dem Werk begegnen könnte. Ein gemeinsames Konzept oder eine zugrunde liegende Perspektive hinter dieser Platte lässt sich nur schwer definieren – und vielleicht muss es gar nicht definiert werden.

Was uns an dieser Art des Musizierens reizt, ist genau dieses Gefühl der Offenheit: der Raum, den sie für Reflexion, Assoziation und das Sich-treiben-Lassen schafft. Wir hoffen, dass diese Aufnahmen den Zuhörern die Freiheit bieten, sich durch Gedanken und Erinnerungen, durch Träume und Fantasie zu bewegen und ihre eigene Verbindung zu dem zu entdecken, was hier ist.

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