Release Tipps: Klangräume

Musik von An Moku & Stefan Schmidt, Francesco Aroni Vigone, David Lee Myers, Barre Phillips & Giancarlo Nino Locatelli, Pascal Comelade + Lee Ranaldo + Ramon Prats.

An Moku | Stefan Schmidt – Raum im Raum / Karlrecords

das dritte und abschließende kapitel der „raum“-trilogie von an moku und stefan schmidt – „raum im raum“ serviert fein gearbeitete ambient / soundscapes und ist das intensivste und dunkelste album der serie.

die „raum“-trilogie (benannt und inspiriert von einem satz aus david foster wallaces unkonventionellem bestseller-roman „infinite jest“) ist ein kind der jüngsten pandemie: als das öffentliche leben mehr oder weniger zum stillstand kam, kontaktierte dominik grenzler aka an moku, ein in zürich lebender klangkünstler und bassist, stefan schmidt (gitarrist, komponist und improvisator aus baden-baden) mit der idee, zusammenzuarbeiten. Die Idee erwies sich als fruchtbar und innerhalb weniger Wochen entstand nicht nur „raum“, sondern so viele Ideen, dass es unmöglich war, sie alle in einem Album unterzubringen, eine Trilogie war die logische Konsequenz. Mit „raum im raum“, dem vielleicht intensivsten und dunkelsten Kapitel der Trilogie, das sich mit der Abstraktion eines möglichen Raumes in einem möglichen Raum beschäftigt, geht diese Serie nun in ihren dritten und letzten Teil.

grenzler und schmidt setzen ihre abenteuerliche klangreise in abstrakte leerräume fort, die sie mit fein bearbeiteten klängen unterschiedlicher herkunft wie synthesizer oder bundloser gitarre, field recordings und einer vielzahl elektronischer geräte gestalten – wie schon zuvor, aber ohne das bewährte rezept einfach nachzukochen, sondern mit neuen gewürzen wie einer saz oder kalimba (schmidt ist ein vituose auf vielen saiteninstrumenten). die atmosphäre ist düster und fremdartig, mit verweisen auf hauntology und musique concrète, und doch organisch und vielfältig. © Text: Label (die kleinschreibung wurde übernommen)

Francesco Aroni Vigone – Orbita / We Insist! Records

Zwei Freunde in einer Kirche, der Mann mit dem Saxophon und der Mann mit dem Mikrofon. Der eine redet und der andere hört zu. Der eine spielt, der andere nimmt auf. Januarmorgen, kalte Sonne und Menschen, die zum Gebet kommen. Die Gläubigen werden zum Publikum? Ein Konzert, das zur Liturgie wird. Der Mann mit dem Saxophon beginnt zu gehen und zu spielen. Auf seine Weise, in einem Strom musikalischen Bewusstseins, eins mit den Geräuschen, die von draußen kommen.
Kurz gesagt, als würde er allein beten. Seit er diesen Ort entdeckt hat, ist er viele Male zurückgekehrt, um seinen kostbaren Nachhall zu genießen, und jetzt ist er endlich hier: er klettert die Säulen hinauf, folgt den Kurven des Gewölbes, steigt schnell hinab, hält in der Mitte des Kirchenschiffs inne und kehrt wie hypnotisiert zur Heiligen Katharina an der Wand zurück. Ein Lied für seinen Freund, der inzwischen mit seinem Mikrofon den Klängen nachjagt.

Francesco Aroni Vigone führt uns in das dreifache Herz der liturgischen und musikalischen Erfahrung: die melodische Meditation, die tanzende Prozession, das ekstatische Karussell. Polyphonien für Solostimme. Akustische Spiritualität. Zeit der Musik, die zum Tempelraum wird. Der Atem als ewige Wiederkehr. Linear und kreisförmig. Ost und West. Horizontal und vertikal. Aufstiege. Unweigerlich denkt man an Garbarek und sein „Officium“. Aber hier sind wir weit entfernt von dieser erhabenen Beredsamkeit und dieser chorischen Instanz. Hier gibt es nur ein intimes und individuelles Gebet, eine wandernde Bewegung auf der Suche nach dem Sacrumano, eine Sprache, die zugleich gebrochen und ununterbrochen ist. Aber Dante-Zone, Paradies-Zone. In einem Versuch, sich dem Geheimnis der mystischen Rose zu nähern, der bewegungslosen Drehung des glückseligen Himmels, jenen Regenbogenmandeln, das Erwachen und die Hoffnung. Bis zur Quadratur des Kreises, die ganz am Ende der Komödie beschworen wird:
So ging es mir bei diesem neuen Anblick:
Ich wollte sehen, wie es sich einfügt
Das Bild in den Kreis, und wie man es betritt.

— Francesco Brugnetta

David Lee Myers – Strange Attractors / Crónica

Strange Attractors ist ein Beispiel für das, was man Zeitverschiebungsmusik nennen könnte. Eine wechselnde Mischung aus Rückkopplungen, anderen Geräuschquellen und gefundenen Klängen wird in eine Reihe von digitalen Stereo-Verzögerungseinheiten eingespeist, deren Parameter (Verzögerungszeit, Reverse, Freeze usw.) in Echtzeit über LFOs, Sample- und Hold-Regler usw. sowie durch manuelle Live-Anpassungen manipuliert werden, um ein sich ständig weiterentwickelndes Sammelsurium von Sound-Washes zu erzeugen. Wenn man sich in Ruhe hinsetzt (vor allem spät in der Nacht) und diesen Kompositionen lauscht, kann das auf seltsame Weise berauschend sein.

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Meine erste Berührung mit Elektronik in der Musik war die Einführung von Bandverzögerungsgeräten. Sie haben mich völlig fasziniert: einen Moment der Zeit nehmen und ihn speichern, ihn bewegen, ihn in verschiedene Formen biegen. Unglaublich! Ich verbrachte Stunden damit, die Möglichkeiten zu erforschen. Jahre später hat der technologische Fortschritt viel komplexere Möglichkeiten in diesem Bereich ermöglicht, und moderne Versionen der Zeitverzögerung standen immer im Mittelpunkt meiner klanglichen Erkundungen. Daher Time Displacement Music.

– David Lee Myers

Der Taoismus, der Buddhismus und sogar die zeitgenössische Physik behaupten, dass es im Grunde keine Zeit gibt, sondern nur ein unbegreifliches, ewig existierendes Jetzt, von dem wir wenig bis nichts verstehen. Aber als Komponist spiele ich mit der Zeit. Anders als zum Beispiel die Malerei ist jede Musik zeitbasiert. Daraus ergibt sich ein Rätsel: Wenn es die Zeit nicht gibt, womit arbeitet ein Komponist dann, woran arbeitet er? Ich kann darauf keine sinnvolle Antwort geben, aber ich spiele weiter… Vielleicht können wir William Blake zustimmen, der sagte: „Der Narr, der in seiner Torheit verharrt, wird weise werden“.

– David Lee Myers

Ulrich Krieger – Aphotic I – Hadal / Room40

Ulrich Krieger über diese Aufnahmen:

„Seit langem bin ich von der „Fremdheit“ der ozeanischen Tiefen fasziniert. Zusammen mit ihrem Gegenteil, den großen Wüsten, sind sie einer außerirdischen Umgebung und möglichem außerirdischen Leben am nächsten, das wir hier auf der Erde finden.
Die aphotischen Zonen (aus dem Griechischen: lichtlos) beziehen sich auf die ozeanischen Tiefen, die etwa zwischen 1.000 und 11.000 Metern liegen. Während in den epipelagischen (sonnenbeschienenen, 0-200 m) und mesopelagischen (dämmerungsbeschienenen, 200-1000 m) Zonen Sonnenlicht und damit Photosynthese stattfindet, dringt kein Licht in die endlose Dunkelheit der drei aphotischen, „mitternächtlichen“ Wasserschichten der Tiefsee vor: Bathyal (1.000-4.000 m), Abyssal (4.000 – 6.000 m) und Hadal (6.000 – 11.000 m). Es ist das Reich der riesigen, unglaublich flachen Abyssal-Ebenen und der großen Tiefseegräben, wie dem Marianengraben.„

Die Fauna der Tiefsee ist größtenteils noch unerforscht. Hier unten sind viele Fische leuchtend, sie produzieren ihr eigenes Licht, um Beute anzulocken oder sich vor Räubern zu schützen. Und je tiefer wir gehen, desto stärker wird der Druck, desto kälter wird das Wasser und desto weniger tierisches Leben ist zu finden. Die Möglichkeit, sich in drei Dimensionen zu bewegen, ist eine der neuen Erfahrungen beim Tauchen, ebenso wie das Gefühl des wechselnden Drucks und seiner Auswirkungen auf unser Nervensystem. Als Sporttaucher bin ich im Rahmen meiner speziellen Tieftauchausbildung nur bis zu einer Tiefe von 53 m in einem Canyon im Roten Meer getaucht. Das ist schon ziemlich tief, wenn man bedenkt, dass die normale Tiefe für die meisten Sporttaucher bei 18 m liegt. Aber schon in geringer Tiefe kann man Veränderungen in der Wahrnehmung und die Verlangsamung der Gehirnfunktion spüren, subjektiv fühlt sich alles langsamer an. Meine 60-Minuten-Tauchgänge fühlen sich für mich wie 20-30 Minuten an.

Unter Wasser gibt es aber auch eine eigene, andere Akustik, die unsere Sinne irritiert und eine neue, einzigartige Erfahrung schafft. Die Schallgeschwindigkeit in Salzwasser ist viermal so hoch wie in Luft, was zu einem Verlust des Richtungshörens führt – Geräusche scheinen von überall her zu kommen, was bedeutet, dass wir uns nicht mehr nach Geräuschen orientieren können. Hinzu kommt der Filtereffekt des Wassers, der die Unterwasser-Klangwelt gefiltert, dunkler und leiser macht.

Barre Phillips, Giancarlo Nino Locatelli – Danze degli scorpioni / We Insist! Records

„Wir sind keine Band auf dem Marktplatz“, sagte mir Barre nach unserem Konzert in Ulrichsberg. Wir waren sehr zufrieden mit uns und der Musik, sie verlangten zwei Zugaben, aber jedes Festival, das wir als Duo bestreiten würden, wäre eine Gelegenheit weniger, den noch nicht abgeschlossenen Kurs mit dem Trio, das er mit Urs Leimgruber und Jaques Demierre hatte, zu beenden… So viel Ernsthaftigkeit, Respekt vor der Arbeit, vor den Menschen! Barre konnte die Verpflichtung, eine neue Gruppe zu betreuen, nicht auf sich nehmen. Ich habe mich geärgert und bewundert zugleich. Ich habe es sehr bedauert, dass ich unser Duo nur gelegentlich und außerhalb der Festivals bekannt machen konnte. Aber gleichzeitig verstand ich seine Beweggründe gut und konnte ihm nur zustimmen. Die Praxis, die Zahl der Zusammenarbeit unverhältnismäßig zu vervielfachen, war die Ursache für die mangelnde Tiefe so vieler Auftritte und Veröffentlichungen, und ist es heute noch mehr. Ich wusste, dass ich die Begegnung mit einem Musiker vermissen würde, der stärker war als ich, wie ich ihm in unserem Gespräch nach dem Konzert sagte. Wir sind uns musikalisch nicht mehr über den Weg gelaufen, aber wir haben von Zeit zu Zeit voneinander gehört, immer mit viel Zuneigung. Barre hat mir so viel vermittelt und beigebracht. Auch wenn er nicht mit mir spielte. Ich wünschte, ich könnte noch mit ihm spielen, aber „wir sind keine Band auf dem Marktplatz“.

-— Giancarlo nino Locatelli, February 2023

Dunkle Mondmusik.

Wenn Sie sich für den Mond interessieren.

Musik konzentriert in den Prozess der Entdeckung der Musik, wobei jedes Risiko.

Extrem.

Wie extrem ist die Erforschung der eigenen Instrumente, Körper, Erinnerungen und Geschichten.

Lebendige, schnelle und gleichzeitig ruhige Musik; langsam. Auf der Suche nach dem Klang.

Der Bewegung, die zum Klang wird. Vom Klang, der Stimme wird.

Die zur Bewegung wird.

Wir widmen diese Musik dem Meisterimprovisator Coleman Hawkins.

Pascal Comelade + Lee Ranaldo + Ramon Prats – Velvet Serenade / Staubgold

Anlässlich seines 25-jährigen Jubiläums präsentiert das Label Staubgold stolz Velvet Serenade. Lee Ranaldo von Sonic Youth und der französische Außenseiter Pascal Comelade lassen The Velvet Underground wieder aufleben – eine nicht-nostalgische Neuerfindung eines musikalischen Vermächtnisses, die eine einflussreiche Vergangenheit in die Zukunft trägt.

Für die Weltpremiere seines neuesten Buches Linger On: The Velvet Underground – herausgegeben von Eva und Thurston Moores Ecstatic Peace Library – wollte der katalanische Musikjournalist Ignacio Julià die ursprüngliche Dynamik der New Yorker Band nachempfinden, die kreative Reibung zwischen dem amerikanischen Noise-Gitarristen und Dichter Lou Reed und dem radikalen, lyrischen europäischen Pianisten und Songschreiber John Cale.

Lee Ranaldo von Sonic Youth und der französische Außenseiter Pascal Comelade nahmen die Herausforderung an, und das Konzert fand am 28. April 2022 in Banyoles, Katalonien, statt. Eine nicht-nostalgische Neuerfindung eines musikalischen Erbes, die eine einflussreiche Vergangenheit in die Zukunft trägt. Comelade und Ranaldo trafen sich zum ersten Mal an dem Tag, an dem die Musik von Grund auf neu geschaffen wurde, im Auditori del Ateneu in Banyoles, und nach ein paar Probeaufnahmen war die Magie sofort da. Der einheimische Schlagzeuger Ramon Prats schloss sich problemlos an, und die drei entwickelten das, was Ignacio Julià sich gewünscht hatte: kein Tributkonzert aus mehr oder weniger originalgetreuen Covers, sondern etwas Neues.
Pascal kam mit einer klaren Vorstellung von den Liedern und legte sie mit seinem minimalistischen, persönlichen Stil am Flügel und am Toy Piano nieder, Lee malte – mit Gitarren, akustischen und elektrischen sowie einen Bogen, wie sie bei Streichinstrumeneten benutzt werden und seltsamen Perkussionsinstrumenten – die breite Palette von Emotionen, die diese klassischen Lieder transportieren. Nach monatelanger Vorstellungskraft war sie da, eine vollständig realisierte Velvet Serenade. Spontan, lebendig und getreu dem Geist der Band.

Ich glaube daran, etwas zurückzugeben. Ich bin vielleicht der einzige Autor, der der alle Mitglieder von The Velvet Underground im Laufe der Jahre interviewt hat, von 1978 bis 2022, und all diese Gespräche, Artikel und Erfahrungen sind nun in Linger On: The Velvet Underground gesammelt, einem Buch, das hoffentlich von den nächsten Generationen geteilt werden wird. Dieses Konzert in Banyoles, Girona, war eine weitere Möglichkeit, das zurückzugeben, was die Band und ihre Mitglieder mir seit Mitte der siebziger Jahre gegeben haben, nicht nur große Kunst in Form von Rock’n’Roll in seiner tiefsten und herausforderndsten Form, sondern eine eine Einladung, die Schönheit der Wahrheit zu suchen und zu versuchen, menschliches Verhalten zu verstehen.

— Ignacio Julià, Banyoles, December 2022

Der Titel der CD „Raum in Raum“ von An Moku und Stefan Schmidt, die Aufnahmen von Francesco Aroni Vigon in einer Kirche und Ulrich Krieger, der 53 Meter in die Tiefe getaucht ist, waren Ideengeber für den Titel Klangräume dieser Release Tipps. Die Räume, in denen wir etwas hören oder in denen Musik entsteht, sind wichtig. Sie machen einen großen Teil unserer Rezeption aus. Es ist auch immer eine Interaktion mit dem Raum. Allein die vielen Beispiele von Aufnahmen in Räumen mit langem Nachhall. Ich denke da zum Beispiel an „Vor der Flut“ von Goebbels und Harth. Sicher kennt man noch andere Beispiele.
Aber dass jeder Saxophonist, der in einer Kirche spielt, an Jan Garbarek gemessen wird, halte ich für maßlos übertrieben.
Hat denn vor Herrn Garbarek niemand in einer Kirche Saxophon gespielt?

Die Räume, die An Moku und Stefan Schmidt erschaffen, haben mich auf Anhieb überzeugt, auch wegen der Vielfalt ihrer Kreationen und das Miteinander von Gitarren und Elektronik. Ja, manches ist düster und bedrohlich. Aber es überwiegt auch das spielerische und so verliert sich die Tiefe in der Fülle der Stücke. Die anderen Teile dieses Duos warten darauf, entdeckt zu werden.
Wunderbar finde ich diesen Satz: „Ein Lied für seinen Freund, der währenddessen mit seinem Mikrophon den Klängen nachjagt“. Und das in einer Kirche! Ich frage mich: Ist nicht jedes Musizieren in einer Kirche auch ein Gebet? Mir jedenfalls haben die Gebete von Francesco Aroni Vigone und seine kurzen Musikstücke sehr gut gefallen. Und die Musik wurde sehr gut eingefangen!
Bei David Lee Myers ist das etwas anderes. Seine Musik entsteht in „Maschinen“. Ich übertreibe ein bisschen, aber im Prinzip stimmt es. Und dann das: „Wenn man sich in Ruhe hinsetzt (vor allem spät nachts) und diesen Kompositionen lauscht, kann das auf seltsame Weise berauschend sein“. Nun, berauscht war ich nicht. Das lag wohl aber an der Uhrzeit. 😉 Aber seine Erkundungen, die Klangräume, die er schafft, sind faszinierend. Ich würde auch gerne mal einen Abend mit seinen „Maschinen“ verbringen. Wohin mich das wohl führen würde?
Und dann ist da noch Ulrich Krieger, der tief in die Meere eintaucht und seine Erfahrungen mit diesem „Raum“ und seinen Eigenheiten macht. Neulich habe ich wieder „Das tiefe Blau“ gesehen. So schöne Bilder unter Wasser. Er beschreibt sehr anschaulich, was die Tiefe mit sich bringt und was sich wie verändert. Und er geht mit seinem Saxophon richtig tief runter. Spannend sind auch die Unterschiede zwischen den einzelnen Titeln. Man bekommt eine ungefähre Vorstellung davon, wie es ist, tief im Wasser zu sein. Magisch.

Jetzt haben wir einen Bruch. Ein Dialog zwischen einem Bassisten und einem Klarinettisten, Barre Phillips und Giancarlo Nino Locatelli, die zusammen eine freie Improvisation spielen. Aber was heißt das schon? Jedenfalls ist eine Bühne, auf der Musik gemacht wird, auch ein besonderer Raum. Das ist der Ort, an dem die Musik entsteht, das mag man beim Jazz anders sehen, aber ich habe schon oft wunderbare Jazzkonzerte erlebt. Wenn ein Dialog entsteht, der vom Zuhören geprägt ist. Von gegenseitigem Respekt. Das sind ganz besondere Momente. Gerade Jazzmusiker sind viel unterwegs, weil sie in verschiedenen Projekten spielen, und so sehen sich befreundete Musiker nicht oft. Wie der Text von Giancarlo Nino Locatelli so schön beschreibt. Ein schönes Konzert wurde hier festgehalten.

Zum Schluss noch etwas ganz Besonderes.
Wenn es um Velvet Underground und ihre Songs geht, gehe ich davon aus, dass wir sie alle schon einmal gehört haben. Die einen lieben sie und für viele gehören sie zum Standard, sind All Time Favorites.
Und sie wurden unzählige Male gecovert. Aber hier entsteht etwas Besonderes, weil Neues. Ich glaube, das liegt vor allem an Pascal Comelade. Die Art und Weise, wie er die Songs von Velvet Underground neu interpretiert, hat viel von seinem eigenen Sound. Aber ihn als Außenseiter zu bezeichnen, halte ich für abwegig. Und das Buch über Velvet Underground klingt auch sehr spannend. Also viel Spaß beim Hören und Erinnern.