Release Date: 19.9.2025
Musik von Arvin Dola, Brunhild Ferrari, Ben Frost, SANAM, what we do when in silence, The Shell und Kenneth Lien & Center of the Universe.
Es geht wieder quer durch alle Genres. Der spanische Musiker Arvin Dola präsentiert mit seinem Debütalbum eine von Ambient-Einflüssen geprägte Musik, die von einer nebeligen Atmosphäre und traumähnlichen Momenten geprägt ist. Brunhild Ferrari setzt ihre Arbeit im Sinne von Luc Ferrari fort und überzeugt durch eigene Werke, darunter Hörspiele. In „Errant Ear“ kombiniert sie alte Aufnahmen mit neuen und eigenen Aufnahmen und schafft damit ein spannendes Hörabenteuer. Kaum zu glauben, dass es 20 Jahre her ist, dass Ben Frost seine erste Musik herausbrachte. Lawrence English lässt „Steelwound“ wieder erstrahlen – oder, wie er es formuliert, „Steelwound bleibt ein pulsierender Leuchtturm in einem Meer aus Geräuschen, der nun schon seit zwei Jahrzehnten flackert.“ SANAM ist mir mit ihrem Mix auf The Wire sehr positiv aufgefallen. Allerdings kann ich mit ihrer Mischung aus traditioneller Musik und Rock- und Pop-Einflüssen nicht viel anfangen. Mir fehlt einfach der Bezug oder der Zugang. Das hat Gerhard Emmer besser gemacht, weshalb ich hier auf sein Review verweise. Dagegen hat mir das Konzert im Cafe OTO von 2023 viel besser gefallen! „Was wir tun, wenn wir schweigen“ ist eine Veröffentlichung, bei der Musik bewusst aus der Stille entsteht. Ihre Selbstfindung vermag mich nicht in vollem Umfang zu überzeugen. Das schottische Trio The Shell kreiert eine kräftige Melange aus Saxofon, Schlagzeug und modularen Synthesiser, die mit viel Power zu überzeugen weiß. Ich schätze mal, dass sie im Konzert einen Saal zum Kochen bringen können. Die Folk-Pop-Variante von Kenneth Lien & Center of the Universe finde ich einfach nur gruselig.
Ausgehend vom philosophischen Konzept der Hauntologie – erstmals vorgeschlagen von Jacques Derrida und später erweitert vom Kulturtheoretiker Mark Fisher – lädt O Ghost die Zuhörer in einen Raum ein, in dem das Vergangene weiter nachwirkt, nicht vollständig verschwunden, aber auch nicht ganz präsent ist. „Erinnerung ist eine lebendige Beziehung. Sie sagt uns mehr darüber, wer wir sind, als über diejenigen, die nicht mehr da sind“, sagt Dola. Seine Kompositionen bewegen sich zwischen Ambient, Drone und Filmmusik und sind geprägt von seiner kontinuierlichen Arbeit im Kino und in den darstellenden Künsten. Analoge Synthesizer, Feldaufnahmen und bearbeitete Gitarren und Vocals flackern auf und verschwinden wieder – ohne jemals ganz anzukommen oder ganz zu verschwinden. Auf dem gesamten Album wiederholen sich Texturen und verändern sich wie Erscheinungen, losgelöst von linearer Zeit, aber verwurzelt in emotionaler Unmittelbarkeit. Hauntologie ist hier nicht nur konzeptionell, sondern wird gelebt. Die Idee von verweilenden Zukünften und unterbrochenen Geschichten erstreckt sich vom Persönlichen bis zum Politischen. Das Album fragt, welche Art von Zukunft sich abzeichnet, wenn die ungelösten Traumata der Geschichte weiter nachhallen – wenn Gräueltaten wie der Völkermord an den Palästinensern, zunehmender Autoritarismus und globale Ungerechtigkeit nicht verblassen wollen. Welche Geister werden bleiben? Welche Versionen von uns selbst werden auf uns zurückblicken – zu spät?
Durchgehend untersucht Dola Identität als etwas Fließendes und Spukendes. „Die Vergangenheit verschwindet nie ganz, und die Zukunft wirkt bereits auf uns ein. Wir sind eine Überlagerung von Versionen unserer selbst: denen, die wir waren, denen, die wir verloren haben, und denen, die noch kommen werden“, sagt er. O Ghost bietet keine Antworten, sondern hält Raum für die Fragen. Mit jedem langsamen, aufmerksamen Hören tauchen seine Erscheinungen auf – zart, unsicher und immer noch bei uns.
Ich habe mit Pierre Schaeffer in der Forschungsabteilung der ORTF an der Beziehung zwischen Ton und Bild gearbeitet. Als Deutscher habe ich als Dolmetscher und Übersetzer gearbeitet. Ich folgte Luc Ferraris Ratschlägen in Bezug auf das Leben, die Musik und die Komposition und arbeitete 40 Jahre lang mit ihm zusammen. Ich produzierte meine eigenen Hörspiele, die auf France Culture, in den Vereinigten Staaten und in den wichtigsten deutschen Radiosendern ausgestrahlt wurden. Seit Luc uns 2005 verlassen hat, kümmere ich mich um die Aufbewahrung seines umfangreichen Archivs, habe die „Association Presque Rien – Friends of Luc Ferrari” gegründet, initiiert und organisiert den alle zwei Jahre stattfindenden Wettbewerb PRESQUE RIEN Prize, bei dem
Künstlern Original-Tonmaterial aus Lucs Tonaufnahmen zur Verfügung gestellt wird, und habe ein Buch mit seinen Schriften und Dokumenten (Musiques dans les spasmes, erschienen bei les Presses du Réel, Frankreich) sowie ein weiteres Buch in englischer Sprache zusammen mit Catherine Marcangeli (Luc Ferrari: Complete Works, erschienen bei Ecstatic Peace Library) herausgegeben. Ich habe Musik komponiert; ich mache weiter.”
In den frühen 2000er Jahren arbeitete Ben an Cut-up-Elektronik, die von schwebenden Rhythmen, summenden Streichersamples und Klavier-Splices nur so strotzte. Dieser Sound entstand zum Teil durch die Subversion von Fruity Loops und ist auch Ableton Live zu verdanken, das Ende 2001 auf den Markt kam. Seine bis dahin entstandenen Werke, die sanft gesättigt und manchmal von einer sprudelnden Verzerrung durchzogen waren, deuteten auf eine andere Klangwelt hin, auf die er sich im Sommer 2002 und bis ins Jahr 2003 hinein konzentrieren würde. Er schloss sich in Johanna’s Beach ein, einem abgelegenen Ort im Süden entlang der Great Ocean Road in Victoria, und konnte dort zum ersten Mal ohne Einschränkungen aufnehmen. Diese Öffnung der Klangpalette brachte eine völlig neue harmonische Sprache mit sich, die in früheren Aufnahmen bereits angedeutet, aber noch nicht verwirklicht worden war. Mit einer einfachen Beschränkung der Instrumentierung, der Gitarre als Palette, erschloss Frost eine gewisse Vertikalität in seiner Arbeitsweise, die bis heute Bestand hat.
Steelwound ist von seiner Konzeption her ein einzigartiges Album in Ben Frosts Diskografie. Es ist eine Aufnahme, die unter besonderen Bedingungen, aber auch aus besonderen Interessen entstanden ist. Es war das erste Mal, dass Ben sich in eine Situation begab, in der Sättigung, Lautstärke und Dichte in einem Raum und zu einer bestimmten Zeit realisiert werden konnten und nicht als Prozess der Postproduktion. Klang im Raum wirken zu lassen, ist etwas wirklich Schönes und ermöglicht darüber hinaus eine gewisse Unvorhersehbarkeit, die für neue Entdeckungen von zentraler Bedeutung ist. Bei der Arbeit mit einem Fender Twin, oft mit maximal eingestelltem Hall, fand er eine Sprache aus Schimmern und Sättigung, aus Kompression und Kollision, die den Grundstein für ein anhaltendes Interesse daran legte, wie Klang bei Lautstärke wirkt und wahrgenommen wird. Es ist auch das erste Mal, dass viele der klanglichen und melodischen Nuancen, die als seine Kompositionssprache anerkannt sind, zum Vorschein kommen.
Steelwound ist meiner Meinung nach ein Wegweiser in die Zukunft für Ben. Es ist ein Portal, eine Chance für neue Erkenntnisse, die sich herausbilden und festigen können, und es sind diese Erkenntnisse, die Bens Arbeit in den folgenden Jahren geprägt haben. Steelwound bleibt ein pulsierender Leuchtturm in einem Meer aus Geräuschen, der nun schon seit zwei Jahrzehnten flackert.
Ob man diesen Ausdruck nun als unheimlich oder spirituell versteht, er spricht für die Fähigkeit von Klang und Sprache, uns innehalten zu lassen, unsere Aufmerksamkeit zu fesseln und uns für den Moment zu öffnen. Ebenso verschmilzt die Musik von SANAM zarte Raserei und feurige Balladen und lässt frei fließende Rock- und Jazzstrukturen in tief verwurzelte arabische Traditionen einfließen. Wenn man sie in voller Fahrt hört, wird man in der Gegenwart festgehalten und auf einen offenen Horizont ausgerichtet.
Die Arbeit an Sametou Sawtan begann Anfang 2024. Die ersten Ideen, die in den Tunefork Studios in Beirut entstanden, wurden im April während eines Aufenthalts in Beit Faris, einem mittelalterlichen Haus in der Küstenstadt Byblos, konkretisiert. Das Sextett: Sandy Chamoun (Gesang), Antonio Hajj (Bass), Farah Kaddour (Buzuq), Anthony Sahyoun (Gitarre, Synthesizer), Pascal Semerdjian (Schlagzeug) und Marwan Tohme (Gitarren) wurden von dem Produzenten Radwan Ghazi Moumneh (Jerusalem In My Heart) unterstützt. Die letzten beiden Titel des Albums sind Aufnahmen aus den Beit Faris-Sessions, während der Rest während der Europa-Tournee der Band im Sommer 2024 in den La Frette Studios in Paris aufgenommen wurde.
Das Album verarbeitet Gefühle der Distanz und Entwurzelung. „In den letzten fünf Jahren hat man das Gefühl, dass alle den Libanon verlassen“, erklärt Chamoun. „Das Album handelt nicht wörtlich davon, sondern von der Vorstellung, dass etwas dich verlässt … Eine Distanz zu den Ereignissen, obwohl du sie erlebst, eine Distanz zu deinem Haus, obwohl du darin wohnst.“ Ob in der sehnsüchtigen Ballade „Goblin“ oder dem langsam brennenden, mit Autotune übergossenen Freakout von „Habibon“ – Sametou Sawtan fängt das Streben nach stabilem Boden in einer Welt ein, die diesen selten bieten kann. Es reitet auf der hypnotisierenden Intensität des SANAM-Live-Erlebnisses und verleiht ihrer Musik Nuancen, Tiefe und einen enormen Dynamikumfang. Wie bei ihrem Debüt sind die Texte vieler Stücke entlehnt, Worte, die in einen neuen Kontext gestellt werden, um die Gegenwart zu verarbeiten. „Hamam“ interpretiert ein ägyptisches Volkslied neu. In „Hadikat Al Ams“ treibt der knackige Hardrock-Stomp den Text des zeitgenössischen libanesischen Schriftstellers Paul Shaoul voran. Und sowohl „Sayl Damei“ als auch der Titeltrack verwenden Gedichte des iranischen Dichters und bahnbrechenden Mathematikers Omar Khayyam aus dem 12. Jahrhundert. „Wenn man etwas von Omar liest, spürt man eine Verbindung zur Gegenwart”, sagt Chamoun.
„Das Gefühl, dass es keinen klaren Weg gibt.” Sametou Sawtan enthält auch zwei Songs mit Chamouns eigenen Texten, darunter der Opener „Harik”. Er war der Keim des Albums, geschrieben von Chamoun im Februar 2024, wobei die Band den Track um ihre Worte herum aufgebaut hat. Er beginnt mit einem Schaudern, scharfen Elektronikklängen und einer keuchenden Stimme, die die hämmernden Trommeln durchdringt, bevor die Band zu einem triumphalen Aufstieg ansetzt. Es geht um das Eintauchen in „ein unendliches Feuer“, verrät Chamoun. Sie schrieb den Text zu „Tatayoum“ allein, bevor sie ihn der Band vorstellte. Er spiegelt eine andere Art von Intensität wider, „eine Schleife, eine Obsession“, meint sie. Buzuq webt sich durch schwebende Elektronik und drängende Trommeln, während Chamoun arabische Worte rezitiert, die Liebe beschreiben. Die unaufhörliche Energie, die in diesen Tracks zu spüren ist, ist nicht unbedingt negativ. Sie vergleicht ihre Intensität mit einem Schriftsteller, der in seinen Gedanken gefangen ist, zum Guten oder zum Schlechten. „Es geht nicht darum, depressiv oder traurig zu sein“, sagt Chamoun. „Es ist eine Falle, aber es kann auch magisch sein.“
Draußen warten Menschen auf die Menschen, denn was wir tun, ist nicht sichtbar, da wir es in Stille tun und hier keine Stille herrscht. Was wir in Stille tun ist der Name des Gemeinschaftsprojekts von Nicola Ratti, Alessandra Novaga und Enrico Malatesta. Die Konzerte des Trios sowie ihre Aufnahmen bieten Musik, deren Struktur und Musikalität sich wiederholt um Themen und Rhythmen dreht, wobei Pausen und Stille das Hauptmaterial der Komposition bilden. Die E-Gitarre, der Synthesizer und die Percussion verschmelzen klanglich miteinander und schaffen eine rhythmische Musikalität, in die man sich durch Zuhören und Sich-Verlieren hineinbegeben kann.
Enrico Malatesta ist Percussionist und unabhängiger Forscher, der in experimentellen Bereichen zwischen Musik, Performance und territorialer Untersuchung tätig ist. Seine Praxis erforscht die Beziehung zwischen Klang, Raum und Bewegung sowie die Vitalität von Materialien mit besonderem Augenmerk auf Oberflächen, die Art des Zuhörens und die Definition vielfältiger Informationen durch einen ökologischen und nachhaltigen Ansatz für das Perkussionsinstrument.
Alessandra Novaga ist eine Gitarristin, die seit Jahren die möglichen Territorien erforscht, in die ihr Instrument sie führen kann. Sie hat die klassischsten Welten durchquert, bis sie zu immateriellen Abstraktionen gelangte, ohne sich auf das eine oder andere zu beschränken. Klang, Bedeutungen, Begegnungen und Erzählungen sind die Elemente, die sie leiten.
Nicola Ratti ist ein vielseitiger Musiker und Sounddesigner, der seit Jahren in verschiedenen experimentellen Bereichen tätig ist. Seine Klangproduktion schafft Systeme, die durch Wiederholung und Erweiterung Gestalt annehmen, mit besonderem Augenmerk auf die Konstruktion von Umgebungen, die in Beziehung zu dem Raum und der Architektur stehen, in denen wir leben, und die die emotionalen und wahrnehmungsbezogenen Orientierungen, an die wir gewöhnt sind, ausbalancieren.
Musikalisch bewegen sie sich nahtlos zwischen Ambient, Free Jazz, Minimalismus, treibenden kosmischen Rhythmen und einem allumfassenden apokalyptischen Sound, der in den drei Stücken hier auf- und abebbt.
Um ihre einzigartige Klangpalette zu schaffen, verwendet The Shell Musikinstrumente, die von der Synthesizer-Firma Expert Sleepers speziell für die Band entwickelt wurden. Diese sind Teil von Kirbys modularem Synthesizer, verleihen Chorltons Schlagzeug mehr Textur und sind in Ostlers Saxophon-Pedalboard integriert. Diese Zusammenarbeit zwischen Band und Instrumentenbauer ermöglicht es The Shell, reichhaltige improvisierte Orchestrierungen live ohne vorab aufgenommene Sequenzen oder Samples zu spielen. Jede Seite dieses Albums wurde in einem einzigen Take aufgenommen, damit die Band die spontane Energie ihrer Bühnenauftritte nachbilden kann.
„Um Klangwelten zu schaffen und die Zuhörer auf eine Reise durch diese zu führen …“
Mit diesem Album macht das Duo einen bedeutenden Schritt nach vorne, nachdem es seinen unverwechselbaren Sound auf Bühnen im ganzen Land präsentiert hat. Das Ergebnis ist eine Platte, die den Eindruck vermittelt, als sei norwegische Volksmusik schon immer elektronisch gewesen – und vielleicht hätte sie das auch sein können?
Mit Spuren von Electro-Halling, Disco-Gangar und Springar Drum’n’Bass erkunden Lien und Center of the Universe eine faszinierende Idee: Was wäre, wenn elektronische Volksmusik eine ununterbrochene Tradition wäre, die sich von den Experimenten von Folque, Saft und Sigbjørn Bernhoft Osa in den 1960er Jahren über die frühen Veröffentlichungen von Annbjørg Lien bis hin zum heutigen florierenden Interesse an norwegischer Volksmusik, Wurzeln und Tradition erstreckt? Das neue Album des Duos kombiniert traditionelle Slåtter- und Tanzrhythmen aus Gangar, Springar und Halling mit traditionellen Instrumenten wie der Maultrommel (Munnharpe) und der Hardangerfiedel (Hardingfele), gepaart mit elektronischen Klassikern aus House und Techno wie dem TB-303 und dem Roland 909. Es ist Musik, die man nicht nur hören, sondern auch tanzen kann – mit dem Ziel, die Tradition fortzuführen, anstatt mit ihr zu brechen. Dies ist keine nostalgische Reise, sondern ein lebendiges Experiment, wie elektronische Produktion die norwegische Volksmusik bereichern und neu beleben kann.
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