Question 1

Ein Beitrag von Lawrence English

Accepted Answer

Akio Suzuki war schon immer ein Künstler auf der Suche nach unerwarteten Klängen, und Neugierde war stets sein Leitprinzip.

Ob es sich nun um Neugierde für Objekte, Räume oder Orte handelte – sein Schaffen war von einer Offenheit und Flexibilität geprägt, die es ihm ermöglichte, ein riesiges klangliches Terrain zu erkunden. Diese Freiheit ermöglichte es ihm zudem, eine Klangsprache zu entwickeln, die ganz und gar seine eigene ist.

Nirgendwo wird dies deutlicher als in seiner Herangehensweise an den Instrumentenbau. In den 1970er Jahren entwickelte Akio Suzuki eine Reihe von Instrumenten, die zu seinen klanglichen Markenzeichen werden sollten. Das Analapos und das De Koolmees sind vielleicht seine am leichtesten zu identifizierenden Instrumente, und genau diese beiden bilden den Kern des Materials, aus dem Soundsphere entstanden ist.

„Soundsphere“, 1990 im Hut Apollphuis in Eindhoven aufgenommen, fängt Suzuki auf dem Höhepunkt seiner Schaffenskraft ein. Es ist ein Dokument seiner Musik, das gleichermaßen von Geduld und Dynamik geprägt ist. Nur wenige andere Aufnahmen fangen sowohl die Zärtlichkeit als auch die Präsenz von Suzukis Art und Weise ein, Klänge in seinen Instrumenten zu entdecken.

In Stücken wie „Analapos A: Voice“ erzeugt er einen schwankenden, ozeanischen Vokal-Drone, der auf und ab hallt und den Windungen der Analapos-Federn folgt. Das Ergebnis ist zugleich minimalistisch und weitreichend und erinnert uns daran, dass Klang sowohl in der vertikalen als auch in der horizontalen Ebene existiert. Ähnlich zeigt seine Darbietung auf „De Koolmees: Suzuki Type – Glass Harmonica“ diese intensive Konzentration. Suzukis Schläge und Striche auf den Glasröhren erzeugen eine sich endlos entwickelnde Vielfalt an klanglichen Nuancen und Impulsen.

„Soundsphere“, das sein 45-jähriges Jubiläum feiert, ist eine unverzichtbare Dokumentation der klanglichen Wege, die Akio Suzuki im Laufe seiner nun sechs Jahrzehnte währenden Praxis entwickelt hat.

Question 2

Ein Wort von Lawrence English

Accepted Answer

„TripleAkuma“ ist der dritte Teil einer Reihe unverzichtbarer Live-Aufnahmen von Merzbow.

Bühne und Studio sind nicht dasselbe, und Merzbow hat ein ausgeprägtes Verständnis für diesen Gegensatz. Auch wenn die schiere Dichte der Musik in beiden Bereichen erhalten bleibt, ist das Live-Erlebnis von Merzbow etwas zutiefst Körperliches und darüber hinaus ausgesprochen Performatives.

Merzbows Live-Methodik speist sich nicht nur aus einer Sättigung der Frequenzen auf allen Ebenen, sondern auch aus der Erkenntnis, wie Frequenzen eingesetzt werden können, um den Körper zu beeinflussen. Indem er an den Extremen sowohl tiefer als auch hoher Schallenergien arbeitet, schafft er eine Situation, in der die Ganzheitlichkeit des Körpers auf die Probe gestellt werden kann: der akustische Körper, der unserer Ohren (und vor allem des geistigen Gehörs), sowie der physische Körper (schließlich ist der Körper selbst ein Ohr).

TripleAkuma, aufgenommen in seiner Heimatstadt Tokio, fängt eine besonders wilde und freie Performance ein. Die Klänge, die er hier erzeugt, haben etwas Morphisches und Lava-artiges, und der Raum selbst dringt in die Aufnahme ein und verleiht der Art und Weise, wie sich die Klänge in Raum und Zeit ausbreiten, eine gewisse übermäßige Intensität.

Es gibt keine einzelne Aufnahme, die die wahre Kraft und Präsenz von Merzbow live einfangen könnte, aber jede Aufnahme wie diese vertieft unser Verständnis seines wahrhaft einzigartigen und provokativen Klanguniversums.

Question 3

Eine Anmerkung von Gabriella

Accepted Answer

Parasymbiose – die Fähigkeit zweier getrennter Organismen, eng miteinander zu existieren

Ich habe lange über das Konzept der Verbundenheit im Zusammenhang mit der Existenz des Lebens nachgedacht. Der Dalai Lama lehrt, dass die Zerstörung des Nächsten der Zerstörung des eigenen Selbst gleichkommt. Im Gegensatz dazu hat die moderne westliche Kultur das Individuum in den Mittelpunkt der Existenz gestellt – zum Nachteil von Nicht-Menschen und Menschen gleichermaßen. Das ökologische Gedächtnis beeinflusst die gegenwärtigen oder zukünftigen Reaktionen einer Gemeinschaft; es ist dieses gemeinsame Gedächtnis, das es Organismen, Objekten und der Umwelt ermöglicht, sich miteinander und mit dem Anderen zu verbinden. Was geschieht, wenn eine Gemeinschaft oder ein ökologisches System dieses Gedächtnis, diese Verbindung verliert? Die Systeme beginnen zu zerfallen; das generationsübergreifende Gedächtnis entwickelt sich in raschen, kleinen Schritten, Kultur und Verbundenheit werden unerkennbar. Die Zeit beschleunigt sich.

Doch mit bloßem Auge spiegelt das Universum langsame Zeit wider. Gerade seine Entfernung vermittelt ein Gefühl der Stasis. Das Verständnis des Nachthimmels könnte sehr wohl die Weite der Zeit sein, die wir durch unser ökologisches Gedächtnis vergessen haben, unseren Verlust des sichtbaren Unterschieds zwischen Nacht und Tag; nicht referenzierbar und diktiert von immateriellen Rhythmen, die jenseits der zyklischen Elemente der Natur existieren.

Durch „Parasymbiosis“ habe ich mir Klänge der innewohnenden Verbindung zwischen der Erde und dem Universum vorgestellt. Die heutige Gesellschaft hat das Erbe des Nachthimmels und das, was er uns lehrt, unsichtbar gemacht. Das Staunen und die Ehrfurcht, die er in seiner reinen, unverfälschten Form, unberührt von Lichtverschmutzung und moderner Satellitenaktivität, hervorruft, haben seit jeher die Lebenszyklen von Mensch und Nicht-Mensch sowie die menschliche Kultur geprägt. In der heutigen Zeit können nur noch 40 % der Menschen die Milchstraße sehen. Wir haben vergessen, dass der dunkle Himmel und die Erde einander widerspiegeln – sie sind, metaphorisch gesprochen, parasymbiotisch.

Das Electric Cristal (EC) spielt in „Parasymbiosis“ eine wichtige Rolle. Es ist ein mikrotonales, elektroakustisches Instrument, das meine Fantasie durch seine tiefe und zerbrechliche Resonanz beflügelt hat, die durch das Berühren von in Aluminium eingefassten Glasstäben entsteht. Das 2019 von Dylan Crismani (AUS) geschaffene EC zaubert weitläufige Klanglandschaften hervor. Die Elektronik nutzt die flüchtigen Schwingungen und zufälligen Frequenzen, die das Instrument erzeugt.

Question 4

Eine Anmerkung von Oskar…

Accepted Answer

„Stellen wir uns vor, wir sitzen bequem da und
blicken durch ein Fenster in die Ferne.
Der Blickwinkel ist begrenzt, doch das Verhältnis zwischen Innen- und Außenbereich des Raumes stimmt.
Ein eher gewöhnlicher Moment.
Es sei denn, wir schalten alle Prozesse der Situationsbewertung aus.
Und nun stehst du auf und näherst dich langsam dem Fenster.

Die gesamte Landschaft, die es einrahmt, vergrößert sich und füllt dein Sichtfeld aus.
Mehr Details von draußen treten zutage.
Der Raum verschwindet.
Dann gehst du zurück.
Du kehrst diese kurze Szene von vorhin um.
Du lehnst dich am Anfang wieder bequem zurück.“

Die beschriebene Situation stellt buchstäblich den Moment dar, in dem ich unbewusst das verborgene formale Konzept der Kompositionen verstanden habe, aus denen dieses Album besteht. Dies geschah 2024 in Kopenhagen während meines Masterstudiums am Rytmisk Musikkonservatorium. In dieser Zeit hatte ich die Gelegenheit, mich mit der Akustik des verlassenen Gefängnisgebäudes Vridsløselille zu beschäftigen, wo ich räumliche Impulsmessungen durchführte. Im kreativen Prozess versuchte ich, den Charakter des einzigartigen Nachhalls nachzubilden, der in der Haupthalle des Gebäudes, dem sogenannten „Panoptikum“, mitschwingt. So können wir diesen Ort auf dem gesamten Album in ähnlicher Weise erleben. Es war eine außergewöhnlich eindringliche Erfahrung, allein an diesem Ort zu sein und die wiederverstärkten Fragmente der damals entstehenden Kompositionen zu hören.

Mein Aufenthalt in Stockholm im November 2024 trug zur Ausgestaltung der endgültigen Form aller vier Kompositionen bei, da ich im Rahmen von Praktika die Gelegenheit hatte, im legendären Elektronmusikstudion (EMS) zu arbeiten.

Der tägliche Kontakt mit der rauen Natur und das Lauschen auf den unaufhörlichen Wind, der durch die Straßen und Vororte rund um Stockholm wehte, schärften meine Sinne. Der einzigartige Charakter des EMS-Raums ermöglichte es mir, tief in die Kompositionen hineinzuhören und die Tiefen klanglicher Details zu erfassen. Ich danke allen, die ich in den letzten zwei Jahren im Zusammenhang mit meinem Aufenthalt in Skandinavien kennenlernen durfte.

Der Norden hat meine Arbeit, die auf diesem Album präsentiert wird, definitiv geprägt. Ich möchte mich ganz besonders bei der großartigen isländischen Sängerin Björg Catherine Blöndal bedanken, die der Eröffnungskomposition des Albums ihre bezaubernde Stimme geliehen hat.

portfuzzle

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