Question 1

Anmerkungen von Brad Rose

Accepted Answer

„The Sound Leaves” begann als interaktive Klangperformance und Installation, die sich mit dem Einfluss des Menschen auf die Umwelt und dessen Auswirkungen auf die Klanglandschaft unserer Welt befasste. Wenn sich Ökosysteme aufgrund des Klimakollapses verändern, verändert sich auch der Klang dieser Ökosysteme. „The Sound Leaves“ nutzte eine verstärkte Ansammlung von Herbstblättern, um die Teilnehmer dazu anzuregen, genau zu lauschen, wie ihre Handlungen die Geräusche der abgefallenen Blätter verändern, wenn sie eine Zeit lang darauf und durch sie hindurch laufen. Durch die Verstärkung dieser Geräusche, ihre Live-Bearbeitung und -Mischung sowie ihre Wiedergabe über eine Reihe von Lautsprechern, die auf die Installation gerichtet waren, verstärkte die Performance die klanglichen Veränderungen, die durch die Handlungen der Teilnehmer hervorgerufen wurden.

Aus dieser Performance entstand ein gleichnamiges Klangstück, das aus den aufgenommenen Klängen und zusätzlichen Instrumenten komponiert wurde. Es wurde im Winter 2023 als temporäre Ausstellung im Philbrook Museum of Art installiert und erklang aus einem Hain aus Eichen und Ulmen. Ein Jahr später, als sich die Klimakrise verschärfte, wurden dieselben Klänge neu verarbeitet und überdacht, wodurch ein eher geisterhaftes Werk entstand: „In Collapse“.

Question 2

Liner Notes zu Tempered Tempus

Accepted Answer

Tempered Tempus präsentiert Rytis Mažulis in seiner prägnantesten Form und erweitert seine langjährige Auseinandersetzung mit mikrointervallischen Schnitten durch Schisma und Solipse. Das von Anton Lukoszevieze interpretierte Album offenbart eine akribische Erforschung mikroskopischer Tonhöhen und zeitlicher Segmentierung: Schisma bricht den Halbton auf und erzeugt einen polyphonen Mikrokanon für Cello und 14 virtuelle Instrumente, während Solipse eine statistisch abgeleitete Abfolge von Mikrointervallen entfaltet, die eine monistische Drift für Cello und Phonogramm erzeugt.

Tempered Tempus verkörpert Mažulis' radikalen Minimalismus und seine Fähigkeit, asketisches Material in ein hypnotisches Klangfeld zu verwandeln. Das Album unterstreicht auch Mažulis' Position als einer der meistgespielten Komponisten Litauens im In- und Ausland. Eine jüngere Generation von Musikern spielt seine Werke als Teil der zeitgenössischen Praxis und nicht als historische Kuriosität. Obwohl die Musik dem Zuhörer Ausdauer abverlangt, macht ihre Intensität das Erlebnis fesselnd.

Das Huddersfield Contemporary Music Festival hat kürzlich (21.11.2025) Mažulis' neue Version von Canon Mensurabilis (1998 / 2025) in einer Aufführung des Explore Ensemble uraufgeführt. Darüber hinaus wurde der Komponist in diesem Jahr für den Musikkompositionspreis der Prince Pierre of Monaco Foundation nominiert. Als erster Teil eines zweiteiligen Albumzyklus ist Tempered Tempus das erste Porträtalbum von Mažulis, das seit 1999 in Litauen veröffentlicht wurde (weitere wurden 2004, 2005, 2007 und 2010 von Megadisc Classics veröffentlicht). Der zweite Teil des Zyklus wird 2026 zusammen mit Apartment House aufgenommen.

Question 3

Ein Text zu Rytis Mazulis

Accepted Answer

Rytis Mazulis (geb. 1961) und sein Werk repräsentieren eine neue Generation litauischer Komponisten. Mazulis studierte Komposition bei Bronius Kutavicius und Julius Juzeliunas und ist heute ein Anhänger der intellektuellen Neo-Avantgarde. Seine Kompositionstechnik zeichnet sich durch konsequenten Minimalismus, die Weiterentwicklung der mensuralen Kanontechnik, Anklänge an die Spektralmusik sowie eine Vorliebe für die Werke von Josquin des Prés, Giacinto Scelsi, Conlon Nancarrow, Horatiu Radulescu, Silvia Fómina und Alvin Lucier aus. Gleichzeitig wirken in Mazulis' Musik die Fantasie des Künstlers und das scharfe Auge des Forschers paradoxerweise doch harmonisch zusammen. Der Komponist versucht intuitiv, die Unausweichlichkeit der narrativen (linearen) Zeit zu überwinden, die Tiefen eines Klangs zu erforschen und neue Projektionen musikalischer Zeit und Raum zu entdecken.
Nachdem er sich mit den kompositorischen Problemen von Guillaume Dufay, Josquin des Prés und Johannes Ockeghem auseinandergesetzt hatte, studierte Rytis Mazulis alte Polyphonie, Musiknotation der Renaissance, Techniken, mensurale Kanons und Möglichkeiten der Strukturierung komplexer kontrapunktischer Texturen. In seinen Werken hören wir jedoch fast keine Rekonstruktionen solcher Musik (außer vielleicht in der Komposition Canon solus, 1998, die auf dieser CD enthalten ist). Die von ihm angewandten technologischen Verfahren spiegeln zwar die theoretischen Erkenntnisse des 20. Jahrhunderts wider, jedoch werden nur diejenigen Ideen ausgewählt und dann kreativ reproduziert, die die Reinheit des Stils, die Kraft der intellektuellen Konstruktion und die streng determinierte Form garantieren. Der Komponist hat ein charismatisches Kanonmodell, das als Markenzeichen von Mazulis' Schaffen angesehen werden sollte, als universelle Kompositionstechnik legitimiert. In den letzten zehn Jahren vertieft sich der Komponist in eine außergewöhnliche Klangmikroskopie und schafft dabei seine eigenen Rituale: Er teilt ein Halbtonintervall oder eine grundlegende Rhythmus-Einheit in Elemente irrationaler und utopischer Werte auf und komponiert für jede Stimme die individuelle Bewegung von Tempi und Dauer. Das Zusammenspiel dieser Stimmen führt zu mensuralen, polytemporalen und fraktalen Kanons. Mazulis betrachtet die „zerbröckelten“ Mikrointervalle und Mikrodauern wie durch ein Vergrößerungsglas und formt aus diesen abstrakten Formen seine Kompositionen – symmetrisch, palindromisch, spiralförmig. Die Tatsache, dass seine gesamte Komposition manchmal innerhalb eines Halbtonintervalls angesiedelt ist, dessen Umfang von 100 Cent ein unendlicher Klangraum ist, zeugt vom Ausmaß von Mazulis’ Klangmikroskopie. Seine Opusse entstehen aus einem einzigen Element, aus einer einzigen Melodie und anschließend aus einem einzigen Klang. Rytis Mazulis erstellt grafische Prototypen seiner Partituren, die nicht nur die kompositorischen Erkenntnisse disziplinieren, sondern auch zur Grundlage für originelle Fragestellungen werden. Diese Prototypen (die manchmal über die vollständigen „einseitigen” Partituren hinausgehen) sind grafische Blaupausen von Klängen, teleologische Schemata mit den Abdrücken des Autors. Ihre anmutige Architektur offenbart die Integrität geometrischer Formen. Wunderbare Interpreten – das Ensemble Court-Circuit, die Neuen Vokalsolisten Stuttgart und die Lettischen Radio-Kammersänger – haben Mazulis die Möglichkeit gegeben, diese utopischen Mikrointervalle live aufzuführen. In den letzten Jahren haben Solisten mit Kopfhörern die Live-Aufführungen von Mazulis' Musik visualisiert. Elektronische Metronome, Tonsynchronisierer und Pilot-Tracks helfen nicht nur den Interpreten, sondern sind auch zu einem untrennbaren Bestandteil von Mazulis’ Kompositionsmethode geworden. Nach der Uraufführung seiner Komposition „ajapajapam” in Berlin beim MaerzMusik Festival (2003) erklärte der Komponist Tilman Künzel, er habe „humanisierte Computermusik” gehört.

Question 4

Liner Notes

Accepted Answer

Seit fast einem Jahrzehnt ist das Passepartout Duo ständig unterwegs. Ohne ein Studio, in das sie zurückkehren können, wird ihre kreative Welt stattdessen von einem sich ständig verändernden Horizont geprägt. Pieces from Places, eine Serie von 12 Tracks, die über ein Jahr hinweg monatlich veröffentlicht wurden, fasst dieses Wanderleben in einer Reihe von Vignetten zusammen, die aus verschiedenen Ecken der Welt stammen.

Passepartout Duo zu sein bedeutet ständige künstlerische Neuerfindung: Mit jedem neuen Stück kommt eine Instrumentierung, die aus der Notwendigkeit heraus entsteht, agil und kreativ zu sein. Die charakteristischen Setups der Stücke, bestehend aus selbstgebauten Synthesizern und DIY-Percussion-Instrumenten, werden oft von den beiden Interpreten als ein Instrument geteilt, was die für ihren Stil charakteristische Zusammenarbeit und Koordination unterstreicht.

Pieces from Places ist eine Übung zweier Künstler, der Welt zuzuhören: von der feuchten Stille des Künstlerdorfes in Taipeh bis zu den urbanen Rhythmen von Belgrad oder Tiflis, von der stillen Küste von Ayvalik bis zur labyrinthischen Akustik von Fes, von der pulsierenden Dichte Kalkuttas bis zur zeitlosen Winterlandschaft von Trondheim – jeder Ort bietet ein Fragment einer Atmosphäre aus der besonderen Perspektive des Duos.

Jeder Track funktioniert wie ein akustisches Tagebuch: eine Auseinandersetzung zwischen einer Idee, einer Erfahrung und einer Erinnerung, die sich keiner einzigen Interpretation unterwerfen will. Die Mischung aus ungewöhnlichen perkussiven Grooves und zart leuchtenden Synth-Melodien prägt das Projekt mit einer Sprache, die sowohl unverkennbar als auch unplatzierbar ist: Musik, die überall und nirgendwo zugleich zu Hause ist. Pieces from Places ist eine Hommage an die Neugier und das Lauschen auf die Welt als gemeinschaftliche, kontinuierliche Erfahrung.

Das Artwork ist ein manipuliertes Bild des Rostocker Pfeilstörchs, eines in Deutschland entdeckten Storchs, der mit einem Pfeil im Hals aus Zentralafrika eingewandert war. Es lieferte einen frühen Beweis für die Migration von Vögeln – das eindrucksvolle Bild dient als Referenz für die unterschiedlichen Konnotationen, die Reisen und Migration annehmen können.

Question 5

Liner Notes

Accepted Answer

Getrennt durch einen Ozean und eine Generation, sind der deutsche Reedspieler Werner Durand und der amerikanische Streicher John Krausbauer seit vielen Jahrzehnten Anhänger des kosmischen Ur-Drones. Ihre neue Aufnahme bei Moving Furniture Records, „Black Seraphim“, vereint zum ersten Mal ihre einzigartige Vision und Herangehensweise in einem halbstündigen Drone-Totenmarsch. Krausbauer spielt wie so oft seine Violine, während Durand weiterhin die Möglichkeiten seiner selbst erfundenen Reed-Instrumente auslotet.
Die gleichen Grundlagen, die auch im Zentrum ihrer Musik stehen: (elektro-)akustische Instrumentierung, lange Dauer, alternative Stimmungssysteme – all das findet sich in diesem harmonisch dichten und reichhaltigen Werk wieder. Ein unerbittlicher, summender Chor aus Obertönen und Harmonien entführt den Hörer auf eine zeitverzerrte, halluzinatorische Reise in den schwarzen Sumpf des tranceartigen Bewusstseins.

Question 6

Eine Notiz von Philip Samartzis

Accepted Answer

Im Januar 2006 hatten Sean Baxter, David Brown und ich die Gelegenheit, während der Sommerpause im West Space – einer von Künstlern betriebenen Initiative in Melbourne – Aufnahmen zu machen. In der leeren und stillen Galerie verbrachten wir zwei Abende damit, ihre akustischen und räumlichen Dimensionen durch eine Reihe improvisierter Performances zu erkunden. Mit Percussion, elektroakustischer Gitarre, Elektronik, Feldaufnahmen und Fundstücken reagierten wir direkt auf die materiellen Eigenschaften des Raumes – seine Betonböden und -wände, hallenden Oberflächen und den Aufzugsschacht, der wie ein Resonanzkörper wirkte.
Die Aufnahmen wurden bald darauf archiviert und blieben unberührt, bis die COVID-19-Pandemie zu Lockdowns führte und mich die Stille dieser Zeit dazu veranlasste, sie mir noch einmal anzuhören. Was ich fand, war eine beeindruckende Intimität – eine Klangaufnahme, die ebenso sehr von der Architektur wie von unseren Handlungen geprägt war. Raumklang, Nachhall, Geräusche aus Lüftungskanälen und Elektrik sowie zufällige Geräusche prägen die Performances mit der stillen Präsenz des Raumes.
Ursprünglich von Thomas Couzinier und mir aufgenommen und im April 2025 neu abgemischt und gemastert, ist After Hours sowohl ein Dokument als auch eine Erinnerung. Es fängt einen flüchtigen Moment ein, in dem Western Grey sich auf West Space einstimmte – und ihm erlaubte, zurückzusprechen.

Question 7

Liner Notes

Accepted Answer

Zwei einzigartige Stimmen der Avantgarde, Phew und Danielle de Picciotto, haben Details zu ihrer ersten Zusammenarbeit bekannt gegeben: „Paper Masks“ soll am 20. Februar 2026 über Mute erscheinen. Was als Experiment unter Freunden begann, entwickelte sich über fast fünf Jahre hinweg zu einem Album in voller Länge, das Phews Elektronik und Gesang mit Danielle de Picciottos Poesie und Stimme verbindet. Phew komponierte und arrangierte die Musik in ihrem Studio in Japan und verwob sie mit den Gesangsparts, die Danielle aus Berlin schickte.
Phew erklärt: „Ich habe die Tracks komponiert, ohne mir die Texte anzusehen, sondern nur ihre Stimme zu hören. Ich glaube, dass es die Aufgabe der Kunst ist, die Kraft zu wecken, sich das Unausgesprochene, die unhörbaren Klänge vorzustellen. Ich weiß nicht, ob das funktioniert hat. Ich habe dieses Album in der Hoffnung gemacht, dass es einen Butterfly-Effekt in der Welt auslösen würde.“

Danielle de Picciotto fährt fort: „Ich habe schon sehr früh angefangen, Gedichte zu schreiben. Ich liebe Sprache, ich liebe es, Wörter zu dehnen und zu neuen Formen zu kneten, vor allem, weil ich dreisprachig aufgewachsen bin. Phew macht das mit Klängen, und der Gedanke, meine gesprochenen Worte radikal zu verzerren, war eine Einladung, die ich nicht ablehnen konnte.“

Hören Sie sich HIER das erste veröffentlichte Stück „Paper Memories“ an, in dem Phews Elektronik mit de Picciottos Gesang kommuniziert und über Zeit und Raum hinweg übertragen wird. An anderer Stelle auf dem Album verflechten sich de Picciottos deutsche Spoken-Word-Stücke mit Phews Gesang in immensen Klangwelten, die von Kommunikation und Entwurzelung erzählen. In Stücken wie „Der Verpasste Kaffee“ weichen minimalistische Passagen heftigen elektronischen Ausbrüchen, während in „Amnesie“ Phews und Danielles gesprochene und gesungene Stimmen umeinander kreisen und gelegentlich mit etwas kollidieren, das sich wie mitgehörte Übertragungen anfühlt. Die bearbeiteten Stimmen in „Sugar Sprinkles“ verwirren, während ungezügelte Gesänge und Elektronik aufeinanderprallen.

Das Ergebnis ist ein faszinierendes Album, ein exploratives Werk des intimen Dialogs über Distanz, Sprache und Klang hinweg und eine überzeugende Ergänzung zum Katalog dieser beiden Schwergewichte der Musikszene.

Question 8

Liner Notes

Accepted Answer

Der renommierte finnische Musiker und Produzent Timo Kaukolampi (bekannt für K-X-P und Op:l Bastards) markiert mit der Veröffentlichung seines ersten Solo-Soundtracks einen entscheidenden Moment in seiner Karriere. Diese fesselnde Filmmusik begleitet eine spannende, hochkarätige Erzählung aus der nahen Zukunft, die sich mit technologischer Sucht und der Sehnsucht nach authentischer Verbindung auseinandersetzt.
Der Soundtrack zeichnet ein lebhaftes Bild einer hoffnungslosen technologischen Dystopie und spiegelt damit die Kulisse des Films wider, in der die Besessenheit von Maschinen zum gesellschaftlichen Standard geworden ist. Kaukolampi verwendet fragmentierte und verzerrte Minimal Music, ein charakteristisches Klangbild, das der viszeralen Gefahr innerhalb der Geschichte eine zusätzliche beunruhigende Ebene verleiht, insbesondere den rasanten Verfolgungsjagden durch klaustrophobische Tunnel.
Die Filmmusik begleitet die turbulente Reise des 17-jährigen Toni, der den kybernetisch reparierten Rennlegenden Max (gespielt von Laura Birn – Foundation, The Crow) zu einem gefährlichen Rennen herausfordert. Inmitten des Chaos aus gestohlenen Autos und hochoktaniger Gefahr führt die Filmmusik einen Moment komplexer Emotionen ein: Ein Stück, das „fast als Liebesthema bezeichnet werden kann“, porträtiert Tonis angespannte Bewunderung für Max.
Diese Veröffentlichung ist mehr als nur eine Filmmusik, sie ist ein umfassendes akustisches Dokument des Projekts. Die Platte enthält auch verworfene Ideen und rohe Work-in-Progress-Tracks und bietet den Hörern einen exklusiven Einblick in Kaukolampis kreativen Prozess bei der Definition des Sounds dieser intensiven, maschinengetriebenen Welt.

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