Question 1

Liner Notes ...

Accepted Answer

FUU Records präsentiert das zweite Album von Ava Rabiat, einer multidisziplinären Künstlerin, die in Danzig geboren wurde und in Berlin lebt. Ihr Schaffen umfasst Klang, experimentelle elektronische Musik, bildende Kunst sowie Produktions- und Kostümdesign für Film und Theater.

Mit ihrem zweiten Album „Szał Wirtualnych Ciał“ (Rausch virtueller Körper) verlagert Ava Rabiat den Fokus vom introspektiven Innenraum ihres Debüts nach außen – hin zu einer Analyse der menschlichen Existenz im Kontext virtueller Körper und maschineller Logik. Das Album untersucht die Beziehung zwischen Mensch und Maschine – nicht als Gegensätze, sondern als strukturelle Verflechtung. Menschliche Verhaltensmuster wiederholen sich wie programmierte Schleifen; Emotionen erscheinen als instabile, aber dennoch berechenbare Muster: verschlüsselt und algorithmisch lesbar.

Die klangliche Architektur von „Szał Wirtualnych Ciał“ spiegelt diese Themen durch ihre Komposition wider. Feldaufnahmen als direkte Zitate der Welt treffen auf computergenerierte Klänge. Stimme und Atem markieren das organische Element, werden jedoch so weit transformiert, dass die Grenze zwischen menschlichem Ausdruck und Maschinensprache verschwimmt.

Question 2

Liner Notes ...

Accepted Answer

Kassel Jaeger (alias François J. Bonnet) kehrt nach „Swamps / Things“, „Shifted in Dreams“ und der jüngsten Neuauflage des Klassikers „Zauberberg“, den er gemeinsam mit Akira Rabelais und Stephan Mathieu komponiert hat, zu Shelter Press zurück. Mit diesem bedeutenden neuen Album mit dem Titel „Sub Re“ setzt Bonnet seine langjährige Erforschung der musikalischen Möglichkeiten von Klang fort. Dabei erweitert er den konkreten Ansatz, der bei der Groupe de Recherches Musicales – dem historischen und bedeutenden Pariser Studio, das Bonnet seit 2018 leitet – entwickelt wurde, und belebt ihn neu durch eine Herangehensweise, die sich weniger auf die klare Manifestation von Klangmaterial als vielmehr auf dessen mehrdeutige Evokation konzentriert.

„Sub re“ kann im Lateinischen „unter dem Ding, unter der Substanz, unter der Materie“ bedeuten. Genau dieser direkte Zugang zur Musik, der sich auf die Gewinnung von rohem Klangmaterial stützt, bildet die Grundlage dieses Albums. „Under the Matter“ verweist somit auf den konkreten Aspekt der Musik, jedoch nicht auf das Konkrete, das verklärt wird und zu Dampf und Form wird, zum Substrat einer Idee. Vielmehr verweist es auf das Konkrete unter dem Konkreten, in der Immanenz der Klänge, in ihrem Werden, als treibende Kraft, wie eine Flut, wie ein Gewölbe aus gebieterischer und mächtiger Materie. Um dies zu erreichen, greift Bonnet auf eine Vielzahl von Klangquellen (akustisch, elektronisch, natürlich oder künstlich, absichtlich erzeugt oder zufällig gefunden) sowie auf eine Vielzahl von Kontexten und Anlässen zurück, um ihnen Gestalt zu verleihen.

Der Satz „a shell, a bell, a spell“ beispielsweise war erstmals während eines Konzerts in Venedig zu hören, das im Zusammenhang mit Latifa Echakhchs Beitrag zum Schweizer Pavillon an der Kunstbiennale 2022 organisiert wurde, während der letzte Satz der Aufnahme, „signalmirror“, ein Stück abschloss, das 2023 an der ersten Sound-Biennale in Sion (Schweiz) präsentiert wurde. Diese Elemente, die aus ihrem ursprünglichen Kontext – den Orten und Menschen, die sie ermöglicht und gehört haben – herausgelöst wurden, tragen zu einer komplexen Schichtung von Stimmungen und Klangwelten bei und helfen dabei, ein kontrastreiches Album zu schaffen, auf dem Dichte und Zartheit in einer Abfolge bewegter Wellen nebeneinander bestehen – mal voller Erinnerungen, mal voller Bedauern, stets durch ihre eigene Morphologie in Bewegung gesetzt.

Question 3

Liner Notes ...

Accepted Answer

Es stellt keine verlorene Ganzheit wieder her, sondern greift die Fragmentierung als Methode wieder auf – indem es degradierte Sequenzen von Erinnerung, Wahrnehmung und Affekt in umgekehrter Reihenfolge nachzeichnet. Zeit ist weder linear noch vollständig zerstreut, sondern wird durch Akte aufmerksamer Wiedererfahrung rekursiv neu zusammengesetzt. In diesem Rahmen ist der Fehler keine Unterbrechung, sondern eine strukturelle Bedingung des Übergangs; die Träumerei ist kein Realitätsflucht, sondern ein funktionaler Modus der Neukonfiguration. Jede Phase wird sowohl zum Überrest als auch zum Instrument: Glätte, Bruch und Erinnerung koexistieren als umkehrbare Zustände desselben zerfallenen Kontinuums.

„Reverie Reverse“ beschreibt somit eine postfragmentarische Praxis der Rückkehr: eine langsame Reaktivierung der Wahrnehmung durch die kontrollierte Wiederbesetzung zerbrochener zeitlicher und emotionaler Strukturen.

Question 4

Liner Notes ....

Accepted Answer

Akusmi kündigt „Terra Incognita“ an, das am 3. Juli bei Tonal Union erscheint und auf dem Sarathy Korwar, Dudú Kouate, Marysia Osu und weitere Künstler zu hören sind. Kartographen und multinationale US-Technologiekonzerne mögen zwar glauben, den größten Teil unseres großen, wunderschönen blauen Planeten bereits kartografiert zu haben, doch es gibt immer noch mehr zu entdecken, wenn man weiß, wo man suchen muss. Der in Frankreich geborene und in London lebende Komponist und Musiker Pascal Bideau macht dies zur zentralen Prämisse seines neuen Albums, das eine unerschrockene klangliche Erkundung darstellt und das Gefühl vermittelt, an einem Ort zu sein, an dem man noch nie zuvor war. „Terra Incognita“ entführt uns in sieben ferne Klangwelten, in denen globaler und spiritueller Jazz mit lebensbejahendem Minimalismus zu einer hypnotischen, polyrhythmischen Odyssee verschmelzen. Diesmal ist die Klangpalette des Albums lebendiger, erdiger und reichhaltiger; sie schöpft Inspiration aus dem strahlenden Optimismus und den energiegeladenen Quellen von Afrobeat, Highlife und elektronischem Afro-Pop, klingt lockerer, freier und konzentriert sich vor allem auf rohe Empfindungen.

Im Gegensatz zu den präzisen Ostinati und Gamelan-Mustern des gefeierten Debüts „Fleeting Future“ (2022) und „Lines“ (2023). „Terra Incognita“ ist somit eine hybride Mischung aus traditioneller Musik und moderner Elektronik, eine Reise ins Unbekannte, die sich frei bewegt, Freude an ihren Wiederholungen findet und niemals stillsteht. Bideau deutet an, dass dieses unerforschte Gebiet ebenso sehr ein Fantasieland sein könnte wie eine Reise ins Innere des Selbst.

„Das ist wahrscheinlich das Gefühl, das ich im Leben am meisten liebe“, schwärmt Pascal. „Es versetzt dich in einen Zustand des Staunens und der Naivität, der dich daran erinnert, wie sich alles angefühlt hat, als du noch ein Kind warst.“ Er spricht von „dépaysement“, einem französischen Wort, das wörtlich übersetzt „Entfremdung vom eigenen Land“ bedeutet, für das es aber kein englisches Äquivalent gibt. „Es ist das Gefühl, das man bekommt, wenn man einen Ort besucht, an dem man noch nie zuvor war, wo nichts Sinn ergibt und man alles von Grund auf neu lernen muss. Es gibt keine kulturellen Bezugspunkte, keine Vertrautheit, nur einen ständigen Strom neuer Farben, Gerüche, sozialer und moralischer Codes.“ In einer Zeit, in der das Konzept der Nationalstaaten und deren Schutzbedürfnis den politischen Diskurs dominiert, begrüßt „Terra Incognita“ das Abenteuer ohne Grenzen, sucht das im Titel angesprochene unerforschte Gebiet auf, bewundert atemlos die Ausblicke und dreht sich im Kreis, um die grenzenlosen Panoramen in sich aufzunehmen.

Zu Beginn ist das schimmernde, phosphoreszierende „A Waking Dream“ eine Hommage an die Meister des Spiritual Jazz, insbesondere an Alice Coltrane und Pharoah Sanders. „Anima“ folgt, während das Tempo in einen langen, vielschichtigen, tranceartigen Groove ansteigt. Die Musik strahlt eine ansteckend erhebende Qualität aus, während ein wiederkehrendes, tanzbares Thema das Album frei durchdringt, begleitet von einem zukunftsorientierten Ethos, das an Sun Ra erinnert. Bideau ist nicht der einzige Musiker auf „Terra Incognita“. Da ist der in Indien geborene Tabla-Virtuose Sarathy Korwar, der „Rain Dance“ eine fast schon Drum-and-Bass-artige Dynamik verleiht, und Dudú Kouate, der gefeierte senegalesische Musiker, der durchweg eine Vielzahl von Percussion-Instrumenten, Ngoni und Flöten einbringt und mit seinem temperamentvollen, mehrere Oktaven umfassenden Gesang dem Album bei „Dawning Dusk“ einen klimatischen Abschluss verleiht. Das äußerst perkussive „Drongo’s Flute“ steigert sich Schritt für Schritt zu ineinandergreifenden, komplexen Rhythmusmustern, die aus Pygmäenflöten und Vogelgesang aufgebaut sind, bevor es in den Kosmos aufsteigt. Marysia Osu vom Levitation Orchestra und Lluís Domènech Plana steuern Harfe bzw. Flöten bei, während die pulsierende Elektronik auf „Anima“ von dem langjährigen Mitwirkenden Daniel Brandt stammt.

Ekstatische Improvisationen wurden mit einer Vielzahl von Instrumenten unterlegt, die ihm zur Verfügung standen – viele davon aus aller Welt, von Afrika über Südostasien und Lateinamerika bis hin zu Osteuropa, gesammelt auf seinen eigenen Reisen oder von Familie und Freunden mitgebracht. Pascal spielt Flöten, Klarinette, Gitarren, Bass, Mbira, Balafon, Dutars, Marimbas, Zither, Adungu und viele andere Perkussionsinstrumente. Am prominentesten ist das Altsaxophon, das durchgehend im Vordergrund steht: „Es ist das Bindeglied, das alles miteinander verbindet, halb Erzähler, halb Entdecker, der gemächlich dahinschlendert und in Echtzeit reagiert.“

Question 5

Eine Nachricht von Miko

Accepted Answer

Ich hatte mich etwa ein Jahrzehnt lang von der Musik ferngehalten.
Einfach gesagt: Ich habe auf dem Land ein Kind großgezogen, aber es gab eine Zeit, in der ich das Gefühl hatte, mit anderen Menschen und meiner Umgebung zu verschmelzen. Die Grenzen zwischen mir und der Welt verschwammen, und ich hatte das Gefühl, nicht mehr zu wissen, wo ich aufhörte und die Welt anfing. Das war meine Freude.
Ich glaube, es war ungefähr zu der Zeit, als meine Tochter neun Jahre alt wurde. Ich hatte einfach wieder Lust, Musik zu machen. Ich war neugierig, welche Art von Musik aus der Person entstehen würde, die ich geworden war – einfach eine ganz normale Person, die auf dem Land lebt. Nachdem ich mein Werk „Across the Water Mirror“ in Eigenregie veröffentlicht hatte – inspiriert von der Natur, die ich liebe: Berge, Seen, Blumen und der Wechsel der Jahreszeiten –, spürte ich, wie meine Kreativität – instinktiv und exzentrisch – wieder in Bewegung kam. Und so entstand dieses Werk „Petals and Marbles“ ganz natürlich.
In der Entwurfsphase des Songwritings kamen mir folgende Stichworte in den Sinn: elektrisch, Sync, Tanzmusik, Sampling, Leichtigkeit. Ich hatte das Gefühl, dass ich vielleicht wieder etwas mit derselben Energie schaffen könnte, die ich bei der Arbeit an meinem ersten Album hatte. Durch Zufall versorgte mich mein ehemaliger Bandkollege mit einigen Vintage-Drumcomputern, Sequenzern und Sample-Material. Diese Elemente spielten eine wichtige Rolle bei der Gestaltung der Lo-Fi- und irgendwie futuristischen Beats, die ich mir vorgestellt hatte. Außerdem habe ich viele meiner alten Lieblingssynthesizer verwendet, und ich glaube, das Ergebnis ist ein Sound, der sich sehr nach mir anfühlt.

Question 6

Liner Notes ...

Accepted Answer

Aus den Klängen, die aus früheren Auftritten im Tokoro Studio geborgen und wiederverwertet wurden, hören wir, wie völlig neue Energien zum Leben erwachen – von dicht hallenden Gitarren, die sich wie im Zeitraffer anwachsende Teiche nach oben sammeln, bis hin zu Glockenspielen, die wie Insekten aus hohem Gras emporsteigen. Jedes dieser vier Stücke ragt in die Luft. Die Gegenwart ersetzt die Vergangenheit nicht, sondern legt sich darüber, wird immer höher und steigt als reichhaltige, schwindelerregende Zeitlichkeit in den Himmel empor.

Im Mittelpunkt der Platte steht der Einfluss der Schieferhalden in West Lothian, riesiger Abraumhalden von bis zu 95 Metern Höhe, die als Überreste der florierenden schottischen Schieferölindustrie des 19. und frühen 20. Jahrhunderts fortbestehen. Im Laufe der Zeit hat sich die Natur diese Massen zu eigen gemacht, die roten Kiesflächen mit grünen Akzenten versehen und die lebendige Präsenz von Feldlerchen, Dachsen und Schwalbenschwanzmotten angezogen.
„The Bing Industries“ ist ein Zeugnis dieser schönen Ironie: dass das als tot geltende Nebenprodukt der Energieerzeugung still und leise jene industriellen Strukturen überdauert hat, die vorgeben, die Welt am Laufen zu halten. Passenderweise lassen die beiden ihre Texturen – jene zufälligen, nebensächlichen Reste früherer Performances – nicht nur den Zahn der Zeit überstehen, sondern ihm sogar trotzen. Drones erstrecken sich über trillernde Stränge verwelkten Tonbands und rufen geduldig alle möglichen neuen Schwingungen in ihre auferstandene Ökologie herbei. Alles verweilt. -- Jack Chuter

Question 7

Liner Notes ...

Accepted Answer

KITCHEN. LABEL präsentiert „Tsuioku“, ein neues Album in voller Länge von Tokyo Bedroom Orchestra, dem Soloprojekt des japanischen Komponisten Hiro Nakamura. „Tsuioku“, was so viel wie „eine ferne Erinnerung“ bedeutet, schöpft aus den Landschaften, denen Nakamura während seines Aufenthalts in Saitozaki begegnete, einer von Meer und Bergen umgebenen Halbinsel in Fukuoka. Es handelt sich dabei nicht um direkte Darstellungen, sondern um Eindrücke, in denen Licht, Entfernung und die subtilen Bewegungen der Natur im Laufe der Zeit gesammelt und neu geformt werden.
Ausgehend von Aufnahmen aus seiner unmittelbaren Umgebung, die oft auf Kassette festgehalten wurden, lässt Nakamura den Klang zwischen verschiedenen Zuständen schweben. Feldaufnahmen, analoge Synthese und akustische Fragmente bewegen sich durch eine aus Tonband gewebte Textur, in der Gitarre, Streicher und Stimme auftauchen und wieder in den Hintergrund treten und so eine Sprache bilden, die ebenso sehr von der Atmosphäre wie von der Melodie geprägt ist. Hier entsteht eine pastorale Qualität, die jedoch nie feststeht, sondern eher ein Gefühl ist, das am Rande der Wahrnehmung nachklingt.
Sein Ansatz bleibt nah und haptisch. Mit Minisynthesizern, Effektpedalen und kleinen, oft skurrilen, handgefertigten Setups nehmen die Kompositionen durch Wiederholung, Variation und aufmerksames Zuhören Gestalt an. Klänge dürfen sich verschieben und verzerren, wobei sie gelegentlich eher durch ihre Bewegung überraschen, als dass sie sich in festen Formen einpendeln. Unvollkommenheiten werden mitgeführt, sodass Textur und Zeit das Werk bestimmen. Eine sanfte Lo-Fi-Sensibilität zieht sich durch das gesamte Werk, nicht nur als ästhetisches Mittel, sondern als eine Art, dem Moment der Schöpfung nahe zu bleiben. In diesem Raum hat sich das Tokyo Bedroom Orchestra still und leise ein internationales Online-Publikum aufgebaut, das von Musik angezogen wird, die sich zwischen abgenutzten Tonbandoberflächen und einem langsamen, emotionalen Treiben bewegt.
Das Album entfaltet sich als eine Abfolge von Szenen, nicht als Erzählung, sondern als Anhäufung. Licht auf dem Wasser, abendliche Wärme, ferne Berge, Nachtluft. „Shikijitsu“ und „Minamo“ bringen eine von Gitarre und Streichern geprägte Klarheit mit sich, während „Yoko“ sich zu einer sanfteren, diffusen Wärme entfaltet. Das Titelstück „Tsuioku“ kehrt zu dieser Idee der Erinnerung zurück, in der sich Fragmente sammeln, verschieben und allmählich auflösen.
Nakamuras Arbeit als Komponist und Sounddesigner für Spiele und Animationen, darunter „Steins;Gate Elite“ und die „Yuru Camp△“-Reihe, spiegelt eine Sensibilität für Klang wider, die in einem klarer definierten Kontext geprägt wurde. Bei Tokyo Bedroom Orchestra öffnet sich dieses Bewusstsein in einen persönlicheren Raum, in dem Textur und Form mehr Freiheit genießen. Hier entsteht ein Gefühl der Vertrautheit, das mit der emotionalen Sprache von KITCHEN. LABEL, geprägt von Künstlern wie haruka nakamura und ASPIDISTRAFLY, in Resonanz steht und dennoch unverkennbar sein eigenes ist.

Question 8

Liner Notes ...

Accepted Answer

Eine Anmerkung von J.WLSN
Ende 2024 nahmen mein guter Freund Liam Keenan und ich gemeinsam mit unserem Freund David Akerman in dessen Studio „Lost Sound“ in Marrickville eine kurze Session auf. Wir hatten zuvor als Kunst- und Musikkuratoren in einem großen Kunstmuseum in Sydney, Australien, gearbeitet. Wir machen beide unabhängig voneinander Musik, hatten es aber viel zu lange versäumt, gemeinsam eine Platte aufzunehmen.
„Country/The County“ ist das erste Ergebnis unserer gemeinsamen Liebe zu allem, was langatmig, weitläufig und verzerrt ist, und es ist voller Nachhall. Aufgebaut auf subtilen Gitarrenklängen, modularen Synth-Pads und samplebasierten Loops, erkunden wir auf dieser Platte unsere Erfahrungen, die wir beim Aufwachsen in ähnlichen regionalen und ländlichen Umgebungen gemacht haben.

Question 9

Gedanken von Benjamin Fulwood

Accepted Answer

Gesichter tauchen auf und verschwinden wieder in Bahnhöfen, an Kreuzungen, in Aufzügen, in Seitenstraßen, in Convenience-Stores und in Bürohochhäusern. Immer wenn jemand ankommt, geht gerade jemand anderes weg, und vieles davon geschieht, ohne dass es jemand überhaupt bemerkt. In diesem Maßstab zu leben, ist zunächst verwirrend. Der Verstand sehnt sich nach einer Klarheit, die er nicht finden kann. Man sucht nach dem zentralen Drama und stößt stattdessen auf Gleichzeitigkeit: private Freuden, unbemerktes Leid, Routinen, die mit hingebungsvoller Präzision wiederholt werden. Doch mit der Zeit kann das, was sich zunächst fremd anfühlte, seltsam verführerisch werden. Diese Aufnahme entstand aus diesem Zustand heraus. Sie besteht aus zwei Langstücken, die weniger durch lineare Komposition als durch Wiederkehr, Abdriften, Unterbrechung und Rückkehr geprägt sind. Themen tauchen auf, lösen sich auf und erscheinen wieder, verändert durch das, was um sie herum (und durch sie hindurch) geschehen ist. Motive werden nicht so sehr aufgelöst, als vielmehr wieder in die Woge aufgenommen. Die Musik versucht nicht, eine Geschichte mit einem klaren Ende zu erzählen; stattdessen versucht sie, der Erfahrung treu zu bleiben, durch Geschichten getragen zu werden, die sich niemals als abgeschlossen erklären.

Darin bin ich der Literatur, die meine Jahre hier begleitet hat, zutiefst verpflichtet. So vieles, was ich an der japanischen Literatur bewundere, liegt in ihrer Weigerung, zu übertreiben. Bedeutung liegt oft in der Pause, in der Atmosphäre, in der Auslassung, in der leichten Wendung einer Geste, im Wetter am Rande eines Gesprächs, in der Stille nach dem Sprechen. Dem Leser wird keine Schlussfolgerung serviert, er wird lediglich eingeladen, einzutreten. Ich begann mich dafür zu interessieren, was Musik dem Zuhörer bieten könnte, wenn sie sich nicht beeilen würde, sich selbst zu erklären.
Spannung könnte Spannung bleiben und Zustände der Erwartung, der Erschöpfung, des Staunens, der Entfremdung und der Befreiung umkreisen, ohne ihnen feste Bedeutungen zuzuweisen.

Natürlich lässt sich auch dem Einfluss der physischen Stadt nicht entkommen. Das elektrische Summen der Infrastruktur, das Muster und die Wiederholung der Nahverkehrssysteme, die Verdichtung von Körpern im gemeinsamen Raum, die seltenen Oasen der Stille, versteckt zwischen Straßen und Hochhäusern, die seltsame Intimität der Einsamkeit inmitten von Millionen.
Wenn diese beiden Stücke ein gemeinsames Thema haben, dann vielleicht darin, wie sich ein Mensch verändert, wenn er von Kontinuitäten umgeben ist, die zu gewaltig sind, um sie zu begreifen, wie Identität in der Wiederholung weicher wird und wie leicht man zu einer weiteren vorübergehenden Figur in einer Szene ohne sichtbaren Urheber wird.

Wie beunruhigend das sein kann – und wie befreiend.

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