[Ahmed] und Abdul teilen eine kritische Auseinandersetzung mit der Zeit, insbesondere indem sie deren linearen Verlauf hinterfragen und stattdessen Orte und Formen der Synthese und des Bruchs anbieten. In ihrer Musik werden Zeitfragmente verstreut und in der Gegenwart neu angeordnet“. So lautet die offizielle Stellungnahme der Band, die theoretisch alles erklären sollte. Theoretisch. Malik (1927–1993), Sohn karibischer Einwanderer, war ein New Yorker Bassist, Oud-Spieler, Komponist, Pädagoge und Philosoph; er spielte mit Art Blakey, Earl Hines und Randy Weston; seine Alben Sahara (1958) und East Meets West (1960) verschmolzen auf revolutionäre und lebendige Weise Aspekte arabischer und ostafrikanischer Musik und Denkweisen sowie seine langjährige, engagierte Auseinandersetzung mit dem Sufi-Islam und dem damals modernen Jazz und dessen Denkweisen. Doch neben der Würdigung dieser Traditionen ist Maliks grenzüberschreitende, synthetische und inklusive Vision eines der großen Projekte der Vorstellungskraft im Jazz. Er vermischte Klänge und Ethik, Bedeutungen und Überzeugungen auf offene, experimentelle Weise, ohne jegliches Dogma, und dies wurde für [Ahmed] zum Leitstern: seine Kompositionen und das in ihnen schlummernde Prozesspotenzial zu erkunden und neu zu überdenken. Deshalb haben wir das Adverb „über“ hervorgehoben: Weder Coverversionen noch Laborversuche in kalter musikalischer Eugenik; weder Free Jazz noch Klassik (selbst zwei äußerst versierte Hörer und Kritiker wie Lee und Fotis haben sich in früheren Rezensionen zwischen Staunen und Ekstase am Kopf gekratzt), sondern ein hypnotischer „Black Monolith“, der seit einigen Jahren einen rätselhaften und faszinierenden Schatten wirft und ein neues Kapitel schreibt, das dazu bestimmt ist, in die Annalen der Musik einzugehen. Schon beim allerersten Hören war für uns der unmittelbare Bezugspunkt weniger die Musik als vielmehr die kubistische Malerei, in der wir alle von [Ahmed] zum Ausdruck gebrachten Elemente wiederfanden und umgekehrt: den Bruch mit der traditionellen Perspektive; die geometrische Zerlegung; die Gleichzeitigkeit der Blickwinkel; die reduzierte Farbpalette und den Einsatz von Collagen. Kunst darf die Realität nicht abbilden, sondern muss sie interpretieren, wie ein kognitives Werkzeug – so lautet das erste Gebot der Kubisten, und Pat Thomas & Co. halten sich genau daran. Nach sechs Alben (die alle hervorragend sind, wobei „Giant Beauty“ und „[Sama’a] (Audition)“ zwei echte, unverzichtbare, t-rex-artige Alben sind) und einer 7-Zoll-Single ist es nun endlich soweit: Nachdem sie sich auf verschiedene individuelle oder kollektive Weisen mit Monks Standards auseinandergesetzt haben, ist das Zögern überwunden und [Ahmed] „Play Monk“ – wenn ein Titel schon alles sagt. Auf zwei CDs, die im März 2025 in den Fish Factory Studios aufgenommen wurden (dieselben „Sama’a“-Aufnahmesessions), mit einem Coverfoto des legendären Pianisten am Fisherman’s Wharf in San Francisco, aufgenommen durch die Linse von Baronin Pannonica de Koenigswarter – das allein ist den Kauf des Albums schon wert –, werden sechs Standards („Bye-Ya/Epistrophy“, „Friday Thirteenth“, „Round Midnight“, „Epistrophy“, „Evidence“, „Oskar T.“) werden im Teilchenbeschleuniger atomisiert und „verwandeln jede Komposition in ein sich wandelndes Quantenzeit-Artefakt. Die melodischen, harmonischen, rhythmischen und räumlichen Gesten jedes Stücks werden zu komplexen, umgangssprachlichen Formen, die einen Dialog in der Zeit und eine (rot)verschobene Linse schaffen, durch die wir unsere materielle Gegenwart betrachten können. In die Spalten von Monks Form gießen [Ahmed] ihr eigenes Spiel, kollidieren und tanzen mit Duke Ellington, Cecil Taylor, karibischer Diaspora-Musik, europäischer Improvisation und Jah Shaka auf ihrer Suche nach der Musik der Zukunft“, um Otorokus Notizen zu zitieren. Zu viel? Wenn ihr eurem bescheidenen Schreiberling nur ein kleines bisschen vertraut: ÜBERHAUPT NICHT. Wie üblich legen sie los und geben Vollgas, ohne Selbstverliebtheit oder selbstreferenzielle (oder vorgeblich frei gestaltete) rotierende Soli, sondern mit einer „Wall of Sound“, die Phil Spector gerne produziert hätte, bei der sie die Noten nicht nur spielen, sondern sie und die Ideen in und um sie herum als Vehikel für ihre einzigartige Vorstellungskraft nutzen und sich von dem, was sie kennen, in neue, unerforschte, kreative Gefilde vorwagen.

Free Jazz Collective

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