Gedanken von Lawrence English Nostalgie ist keine Ideologie, auch wenn wir in der heutigen Zeit fälschlicherweise glauben könnten, dass sie genau das sei. In den vergangenen Jahren wurde der Begriff der Nostalgie durch verschiedene politische und technologische Prismen betrachtet und ist zu einem Instrument geworden, das eher dem Vergessen als dem Erinnern dient. Anstatt die Komplexität und die Widersprüche der Geschichte anzunehmen, strebt diese Form der Nostalgie nur nach einer einseitigen Erinnerung.

Dieses zeitgenössische Phänomen der Nostalgie ist im besten Fall zu einer Methodik und im schlimmsten Fall zu einer Waffe geworden, mit der die Vergangenheit untergraben und eine zusammengebrochene und unvorstellbar bereinigte Version von Dingen, Orten und Lebensweisen aus früheren Zeiten in die Zukunft projiziert wird. Gerade durch diese Projektion spielt sie eine immer größere Rolle in einer gesellschaftlichen Pathologie, die mit der Einschränkung der imaginären Möglichkeiten der Zukunft einhergeht. „The Rest Is My Ghost“ ist ein Album, das die Erscheinungsformen dieser reduktiven Zukunftsgestaltung hinterfragt und jene feiert, die es versucht (und dabei gescheitert) haben, sowie jene, die sich weiterhin gegen verfallene und revisionistische Positionen wehren. Es ist ein Album, das sich mit der Instrumentalisierung von Nostalgie zum Zweck der Verschleierung möglicher Zukünfte auseinandersetzt. In jüngster Zeit habe ich einen Begriff für diesen instrumentalisierten Gebrauch von Nostalgie vorgeschlagen, den ich „Acid Nostalgia“ genannt habe. Ich biete ihn als Kurzform an, um die Verwischung der Konturen der Zukunft durch eine zerstörerische Fixierung auf eine verflachte Darstellung vergangener Zeiten zu beschreiben. Es handelt sich zum Teil um eine gewisse Art von fauler kultureller Drehbuchkunst, bei der Tropen der Vergangenheit als absolute, leere Bildmotive präsentiert werden; Fotokopien ohne jegliches Original, aus dem sich tatsächliche Bedeutung oder nützliche Details ableiten ließen. „Acid Nostalgia“ beschreibt eine zunehmend verbreitete politische Projektion von Nostalgie, die ohne jegliche subjektive Verbindung zu den Erinnerungen existiert, die sie umgeben und in ihr enthalten sind. Wie Säure, die auf eine Oberfläche gegossen wird, zielt dieser Einsatz von Nostalgie darauf ab, die Komplexität und Textur gelebter Verbundenheit und Sehnsucht zu untergraben und zu glätten – jene Komplexität und Textur, die bis vor kurzem noch die Betrachtungen über Nostalgie geleitet haben. „Acid Nostalgia“ löscht stattdessen die Textur der Geschichten aus und entzieht der Vergangenheit ihre Konturen; dadurch entmaterialisiert sie den Horizont der Möglichkeiten, der naturgemäß den Ausgangspunkt für jede (und alle) vorstellbaren Zukünfte markiert. „Acid Nostalgia“ ist eine traumlose Leinwand, auf der Unsicherheit, Unruhe und Sehnsucht der Korrosion ausgesetzt sind, wodurch die Quelle der Zukünfte, die aus den vieldeutig aufgeladenen, komplexen und bisweilen chaotischen Atmosphären der Gegenwart hervorgehen, zersetzt und neutralisiert wird. „The Rest Is My Ghost“ ist jedoch keine universelle Interpretation dieser Dinge und Geschehnisse. Vielmehr schöpft es seine Kraft aus einem sehr persönlichen Weg, der durch meine eigenen belasteten Nostalgieerfahrungen geebnet und durch eine heterogene Collage aus zufälligen Begegnungen, Situationen, Orten und Provokationen eingerahmt wurde. Es nimmt indirekte Anlehnungen an gesellschaftliche und architektonische Referenzen wie Japans Metabolismus-Bewegung, Hongkongs „One Line Sky“ und die verschwundenen Natriumdampflampen von Los Angeles auf. Es fügt Texte – sachliche wie fiktionale – von Autoren wie Franco Berardi, Kate Crawford, J. G. Ballard, Katsuhiro Otomo, Mark Fisher und Alexei Yurchak ein, die jeweils auf so wunderbare Weise versucht haben, die Vertrautheit des Jetzt zu durchbrechen und uns zu anderen Wegen anzuregen, uns selbst, unsere Umgebung und unsere Art des Seins in dieser Welt zu vergegenständlichen. Mein Dank gilt auch Adam Curtis, der mir dabei geholfen hat, den Anstoß für diese Ausgabe zu geben. Es war seine provokante Frage in einem Gespräch, das wir über ein überwältigendes und tiefgreifendes Gefühl der Unsicherheit hinsichtlich der Vorhersehbarkeit der unmittelbaren Zukunft und der Frage führten, wie wir darauf reagieren sollten, die die ersten Anfänge dieser Ausgabe auslöste. „The Rest Is My Ghost“ ist letztlich eine Dokumentation über das Versprechen künftiger Konstruktionen und Verbindungen – materieller, sozialer und politischer Art. Es ist eine Dokumentation, die die Zerbrechlichkeit des Scheiterns als Quelle ultimativen Potenzials akzeptiert und als Ausgangspunkt dient, von dem aus die tiefste Freiheit der Vorstellungskraft gesucht und heraufbeschworen werden kann, um selbst die unvorstellbarsten (aber) möglichen Zukünfte zu erschaffen.

Eine Anmerkung von Stephen „Fives and Sixes“ bewegt sich zwischen Erinnerung und Gegenwart und verwebt Gitarrenklänge, metallische Resonanzen und Fragmente der Stimme meiner Großmutter mit Aufnahmen aus meiner Kindheit – ein Weihnachtsfest im Jahr 1995, Momente mit unserem Familienhund, ein stiller Gottesdienst, ein akustischer Auftritt in einer Buchhandlung und eine letzte Partie Yahtzee.

Diese Stücke stammen aus unveröffentlichtem Material, das über Jahre hinweg entstanden ist; jedes Fragment birgt ein Gefühl von Nostalgie und Vergänglichkeit und zeichnet nach, wie Demenz die Erinnerung langsam umformt. Diese Platte ist eine intime Hommage an das, was bleibt, wenn jemand, den wir lieben, langsam verblasst – eine Meditation über Zeit, Erinnerung und die stille Schönheit dessen, was entschwindet. Ich betrachte sie als Reflexion über Erinnerung, Glauben und Vergänglichkeit – wo Kindheitserinnerungen und heilige Orte zu etwas Weicherem, Diffusem verschwimmen. Eine Art, an dem festzuhalten, was ich kann, auch wenn es sich verändert.

Eine Anmerkung von David Grubbs „Somewhere in the Wind“ ist das dritte Album, das Loren Connors und ich gemeinsam aufgenommen haben. Von den dreien ist es das erste, das ausschließlich aus E-Gitarren-Duetten besteht, und es ist das erste, das live aufgenommen wurde.

Für mich fühlt es sich sehr nach einer Live-Platte an; diese Musik entstand 2025 an zwei Terminen in überfüllten Räumen in Brooklyn, und es liegt eine Dringlichkeit darin, mit anderen in Verbindung zu treten, sowie eine Freude daran, die auf beiden Stücken zu hören ist. Auf unserer ersten Duo-Platte (Arborvitae, 2003) spiele ich hauptsächlich Klavier, und auf der zweiten (Evening Air, 2024) wechseln wir uns an Klavier und Gitarre ab. Beide Alben zeugen von der Intimität des Aufnahmestudios, wo die Zeit stillsteht und man die leisesten Klänge erkunden kann. Im Gegensatz dazu ist „Somewhere in the Wind“ die lauteste, wildeste und freieste unserer Duo-Alben. Es ist der Klang, wenn wir auf die Bühne gehen. Ich wurde vom ersten Moment an, als ich es hörte, ein Fan von Lorens Spiel, nachdem ich um 1992 in einem Second-Hand-Korb im Plattenladen „Dr. Wax“ in Chicago, wo mein damaliger Bandkollege Bundy K. Brown arbeitete, zufällig auf eine abgenutzte Ausgabe von „In Pittsburgh“ gestoßen war. Jeder hat schon mal eine Platte auf gut Glück gekauft, weil sie interessant aussah und nicht allzu viel kostete. In dieser Hinsicht war „In Pittsburgh“ der Fund meines Lebens. Ich war gerade von einem Post-Punk-Power-Trio (Bastro) dazu übergegangen, hauptsächlich trommlerlose, auf die Nachbarn Rücksicht nehmende Musik zu machen (Gastr del Sol), und Lorens Tempo, sein Anschlag und seine schönen, ungekünstelten Kompositionen haben mich vom ersten Hören an überzeugt. Nicht lange danach haben Jim O’Rourke und ich „In Pittsburgh“ auf unserem Label Dexter’s Cigar neu aufgelegt, und ich erinnere mich gerne daran, wie ich Loren zum ersten Mal in der New Yorker Grand Central Station traf – so glamourös für diese Landmaus – und mit ihm den Zug ins Hinterland nahm, wo er gemeinsam mit Gastr del Sol auftrat. Während des Soundchecks spielten Jim, Loren und ich eine Weile zusammen, und Lorens Herangehensweise an das Instrument war etwas, in das man sofort eintauchen konnte – eine Situation, in der es keine Fehler gibt. Dieses Gefühl habe ich immer noch, wenn wir zusammen spielen.

Eine Anmerkung von Mike Cooper In der Vergangenheit haben einige Rezensenten und Kritiker meiner Reihe von Ambient-/Elektro-/Exotica-Veröffentlichungen Jon Hassell erwähnt und sogar vorgeschlagen, dass wir gemeinsam ein Album aufnehmen sollten.

Das ist natürlich nie geschehen und wäre wahrscheinlich auch nie dazu gekommen. Ein Einfluss seiner Musik auf meine Exotica-Musik ist in gewisser Weise zutreffend, aber ehrlich gesagt waren es zunächst die Cover-Gestaltungen von Mati Klarwein für „Aka/Darbari/Java“ und „Dream Theory in Malaya“, auf die ich manchmal zurückgriff, um mich inspirieren zu lassen. Sie erinnerten mich an Orte, an denen ich gerne war, und daran, warum ich diese Musik machte. Es waren nicht existierende oder imaginäre Orte, die ich vielleicht in Träumen besucht hatte oder an die ich mich nur noch vage aus der Realität erinnerte. Mati gestaltete auch die Cover von Miles Davis’ Alben, angefangen bei „Bitches Brew“, sowie für Carlos Santana und viele andere. Auch King Tubby und Lee Scratch Perry hatten großen Einfluss auf diesen Entstehungsprozess, ebenso wie die Gedichte und Romane von Nathaniel Mackey, auf die ich während der Entstehungsphase oft Bezug nahm. Mein Dank gilt den beiden Gastmusikern – Pierre Bastien und Mark Cunningham –, die beide Kornett bzw. Trompete spielen und meine digitalen Tagträume um analoge akustische Klänge bereichern.

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